tag:blogger.com,1999:blog-21091504643308510182024-03-04T23:44:52.424-08:00INT. NIT - Fernando AlomarCine, literatura, montaña, viajes...Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.comBlogger769125tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-64693477768671553082016-03-09T23:51:00.001-08:002016-03-09T23:51:05.073-08:00Pequeña chica ¿triste?<i>Publicado en Diario de Mallorca el 9/3/16</i><br />
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<img height="586" src="http://www.thisisjanewayne.com/news/wp-content/uploads//2015/11/janis-1.png" width="640" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">JANIS</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 106 min. Director: Amy Berg. Actores: (documental)<br />
Calificación: ****<br />
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Desconocida aquí, como muchos excelentes documentalistas, Amy Berg repasa en <i>Janis </i>la vida de la cantante fallecida en 1970. El título original es 'Janis, pequeña chica triste', jugando con el doble sentido de blues. Los paralelismos entre Joplin y Amy Winehouse son tan numerosos que es inevitable comparar este documental con el reciente y merecidamente premiado de Asif Kapadia. Ambas cantantes han sido las blueseras blancas más destacadas del último medio siglo: voces desgarradas, corazones salvajes, cabezas llenas de murciélagos, traumas volcados en sus temas, precipicios de alcohol y drogas y desenlaces casi idénticos. Paso a las diferencias: la psique de Amy era más sencilla. Se encontró en la cresta de la ola casi sin darse cuenta y se despeñó por puro vértigo. La de Janis fue muchísimo más compleja. Hiperactividad, fortaleza de carácter, incomprensión absoluta de/a su familia, bisexualidad, promiscuidad, ambición, adicción al lujo, dispersión, mayor resistencia física... Por ello quizás se confunde aburrimiento, o bajones de sus dependencias, con tristeza.</div>
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Curiosamente los documentales tienen enfoques inversos. El de Kapadia profundiza más en la chica; el de Berg no rasca tanto ahí (sus innumerables romances, la ruptura con Big Brother o las maquinaciones del representante Albert Grossman apenas están apuntados), y a cambio inserta temas casi completos que siguen erizando los cabellos, los directos de Monterrey o Woodstock, la grabación de <i>Summertime</i>, el <i>Cry baby</i> en una pequeña sala o el <i>Me and Bobby Mcgee</i> en un cuartito con los Grateful Dead. Ese equilibrio entre retrato de la difunta y muestras de su talento es muy interesante y agradecido para los fans, suyos y de la música blues.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-74471624051621163542016-03-03T10:38:00.000-08:002016-03-03T10:41:18.451-08:00El club<i>Publicado en Diario de Mallorca el 1/3/16</i><br />
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<img height="384" src="https://i.guim.co.uk/img/media/0a47e3cd5c3bb3c0a0d0d0421339ebd26bfe95e1/254_337_2778_1665/master/2778.jpg?w=620&q=55&auto=format&usm=12&fit=max&s=40cca496a27c5cd9a814ecfef0b8d213" width="640" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">OSCARS 2016</span></b><br />
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Vista la lista de nominados, los miembros de la academia de cine norteamericana han aplicado, ¿sorprendentemente?, el más común de los sentidos. Con una doble excepción. El premio al mejor director debería cedérselo Iñarritu a los descendientes de Andrei Tarkovsky, al que ha fusilado sin rubor. Leonardo Di Caprio ha ganado un inmerecido Oscar porque no dárselo hubiera sido una inmerecida humillación. El mejor actor del año, a años luz del resto, es Gèza Röhrig. Mala pata, <i>El hijo de Saul</i> no es una producción anglosajona y sólo se ha llevado el premio al mejor filme forastero.</div>
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El resto de premios sí los considero acertados: la ya citada, y escalofriante, <i><a href="http://fernandoalomar.blogspot.com.es/2016/01/sonderkommandos.html"><b>El hijo de Saul</b></a></i>, el gélido y cáustico Mark Rylance, el iluminante documental <i>Amy</i>, la nada infantil <i>Del revés/Inside out</i>, los guiones de <i>Spotlight </i>y <i><a href="http://fernandoalomar.blogspot.com.es/2016/01/profetas-en-la-marisma.html"><b>La gran apuesta</b></a></i>, el incombustible Ennio Morricone bandeando con los ocho zumbados de Tarantino, y el grapat de premios de consuelo a <i>Mad Max</i>. Con las féminas puntualizo que Brie Larson y Alicia Vikander se lo han ganado además por el conjunto de sus cortas e intachables carreras. </div>
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La mejor película del año, <i><a href="http://fernandoalomar.blogspot.com.es/2016/02/los-buenos-alemanes.html"><b>Spotlight</b></a></i>, es un compendio de rigurosidad y sobriedad sin renunciar a la emotividad. Es muy recomendable compararla con la chilena <i>El club</i>, injustamente no finalista. Las dos muestran con enfoques antagónicos dos rincones del mismo sumidero. El cacareo previo de los actores y cineastas afroamericanos y latinos ha confirmado que la Academia es un Club. De abueletes blancos llenos de prejuicios. Por suerte, o por viejos más que diablos, han votado con casi todas las neuronas en on. Ahora sólo queda pedirles que abran la ventana y se quiten la pinza de la nariz. Es una quimera, lo sé.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-602612372902322142016-02-14T03:09:00.001-08:002016-02-14T03:09:25.871-08:00Cláusula de inmoralidad<i>Publicado en Diario de Mallorca el 9/2/16</i><br />
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<img height="512" src="http://images.enstarz.com/data/images/full/95986/carol-film.jpg?w=580" width="640" /><br />
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<b><span style="font-size: large;">CAROL</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 108 min.<br />
Director: Todd Haynes<br />
Actores: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson<br />
Calificación: ****<br />
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En 1952 el científico británico Alan Turing fue detenido por homosexual y le dieron a elegir entre cárcel o castración química. Ese mismo año la escritora norteamericana Patricia Highsmith (<i>Extraños en un tren, El amigo americano</i> o <i>A pleno sol</i> adaptan novelas suyas) publicó <i>El precio de la sal</i>, sobre una relación homosexual femenina con final feliz, desafiando a los que consideraban la homosexualidad una enfermedad o desviación. </div>
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El argumento es muy sencillo: chica conoce chica. Una es más mayor (Blanchett), casada y con una hija; la otra (Mara) es una joven dependienta de comercio con el despiste propio de su edad. En una sociedad abierta no habría historia. El escollo aquí es que el marido (Chandler) conoce las inquietudes sexuales de su mujer y aprovecha una ley arcaica para impedir, o hacer el máximo daño posible, a su mujer. Aunque esa trama remarca bien el puritanismo de la época, novela y película inciden tanto o más en la pasión de las dos mujeres. La obra escrita utiliza muchos monólogos para desarrollar sus pensamientos y sentimientos. El guión de Phyllis Nagy (amiga de Highsmith) ha tardado veinte años en ver la luz por la dificultad de trasladar eso evitando socorridas voces en off. Lo hace por el medio más difícil, la dirección y fotografía. Largos planos de la dos actrices, excelsas ambas, cruzándose miradas o sumidas en sus pensamientos sobre una ambientación exquisita. <i>Carol </i>es una película lenta, sin la pasión desaforada de La vida de Adèle, pero ofrece un brillante equilibrio entre el genuino amor de las protagonistas y la denuncia de su opresión por una sociedad (aún hoy) muy patriarcal y machista.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-63613683135208236622016-02-04T09:32:00.002-08:002016-02-04T09:33:28.564-08:00Los buenos alemanes<i>Publicado en Diario de Mallorca el 2/2/16</i><br />
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<img src="http://lutheran-church-regina.com/blogs/image/spotlight-2015-directed-by-tom-mccarthy-movie-review.jpg" height="267" width="400" /><br />
<b><span style="font-size: large;">SPOTLIGHT</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 128 min. Director: Tom McCarthy. Actores: Michael Keaton, Mark Ruffalo, Lev Schrieber, Rachel McAdams, Stanley Tucci<br />
Calificación: ****1/2<br />
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<div style="text-align: justify;">
<i>Spotlight </i>narra como a principios de este siglo los periodistas del diario The Boston Globe (el título del filme se refiere al equipo de reporteros encargados de investigar temas en profundidad) destaparon una trama de abusos sexuales del clero católico. Siendo un relato bastante lineal y ortodoxo, sin la menor floritura cinematográfica ni narrativa, la película llega al fondo del problema: La manipulación del cardenal de esa región para convencer a periodistas y feligreses de que los casos se limitaban a unas inevitables manzanas podridas. A mitad del filme un garganta profunda les dice que el porcentaje era del 6%, o sea 90 sobre 1500 párrocos o sacerdotes sólo en el área de Boston. Al final la cifra resultó ser más alta aún y escala mundial, espeluznante. Entonces, ¿por qué no saltaron antes las alarmas? La película cita la metáfora de los buenos alemanes, sobre los ciudadanos que durante el régimen nazi cerraron los ojos a sus barbaridades. Por ello, porque los católicos en Boston eran/son una comunidad muy cerrada, con códigos casi sicilianos, los periodistas de esa creencia se tragaron el engaño de los capos del clero y abogados afines. Tres forasteros, un judío recién aterrizado como editor -Schrieber-, un reportero de origen portugués -Rúfalo-, y un abogado de origen armenio -Tucci-; más los rápidos reflejos de otros católicos -Keaton, McAdams y D'Arcy James-, lograron romper ese cristal invisible y blindado. </div>
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Todo esto lo desarrolla Tom McCarthy (<i>El discurso del rey</i>) con seriedad y contención y a la vez con bastante amenidad y un conjunto de excelentes actuaciones. Gran película, sobre un tema muy actual que exige tolerancia cero.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-13953449723179762512016-01-28T01:11:00.001-08:002016-01-28T01:12:20.724-08:00Profetas en la marisma<i>Publicado en Diario de Mallorca el 24/1/16</i><br />
<img height="200" src="https://cdn3.vox-cdn.com/thumbor/dz8-bhqe5oSs9R1b0ZrtnyMqPmg=/cdn0.vox-cdn.com/uploads/chorus_asset/file/4340355/the-big-short-wide-crop_1400.0.jpg" width="400" /><br />
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<b><span style="font-size: large;">LA GRAN APUESTA</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 130 min. Director: Adam McKay. Actores: Christian Bale, Steve Carell, Brad Pitt, Ryan Gosling<br />
Calificación: ****1/2<br />
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Adaptando el ensayo de Michael Lewis (autor también de Moneyball), <i>La gran apuesta</i> recrea el prólogo (2006-2007) y posterior pinchazo de la burbuja inmobiliaria y financiera estadounidense. La película exige concentración a los leguleyos en temas financieros. A cambio se esfuerza por explicarlo con algunas metáforas (el casino, nunca mejor dicho, o el juego de la torre de listoncitos de madera). Y lo cuenta además con gracia. Está a mitad de camino entre la seriedad formal de <i>Margin call</i> y el desmadre de <i>El lobo de Wall Street</i>. </div>
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Las tres forman un tríptico demoledor sobre el capitalismo de las últimas décadas. Es un circo, un casino dirigido, o como mínimo amparado, por los políticos. Pero <i>La gran apuesta</i> (junto con el documental <i>Inside Job</i>) va más lejos en la denuncia. Sus protagonistas no son ángeles (“los santos no viven en Park Avenue”, frase del filme). Son gestores de fondos de inversión que viendo acercarse el iceberg saltaron sobre él. Apostaron sobre ese pinchazo no a ciegas, sino por indicios muy evidentes (retrasos en pagos de hipotecas, visitas a urbanizaciones fantasma, comprobación de la relajación en valoración de riesgos y supervisión de las autoridades), enfrentándose durante muchos meses a la incomprensión, burlas, hostilidad y presiones de clientes y colegas. Al final no renunciaron al pelotazo, se llevaron una buena tajada, pero dejaron de especular tan alegremente. El ritmo de la película, las actuaciones (más que Christian Bale el que borda su papel es Steve Carell), la banda sonora (Kurt Cobain, Pharrel Williams, Gorillaz, Neil Young…), hacen muy digerible esta denuncia, sin perder un ápice de contundencia.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-89065517238908200652016-01-25T07:13:00.001-08:002016-01-25T07:13:52.262-08:00SonderkommandosPublicado en Diario de Mallorca el 19/1/16<br />
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<img src="http://www.efeeme.com/wp-content/uploads/2016/01/el-hijo-de-saul-23-01-16-a.jpg" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">EL HIJO DE SAUL</span></b><br />
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Nacionalidad: Hungría, 107 min. Director: Lazslo Nemec. Actores: Gèza Röring, Levent Molnar,<br />
Calificación: *****<br />
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<div style="text-align: justify;">
Arranco con las dos únicas macas en la película. Una, me ha despistado la historia del niño que da título al filme. ¿Es real, o producto del comprensible desvarío en el que ha caído el protagonista? Segunda, no tan nimia, es la omisión de la fecha. Da la impresión de que tal como llegaban los prisioneros a Auschwitz eran gaseados o fusilados, y eso sólo ocurrió al final de la guerra.</div>
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El resto son parabienes. El primero, el valor de retratar y reivindicar a los sonderkommandos, las cuadrillas de prisioneros judíos a las que los nazis subrogaron el trabajo más ingrato del exterminio a cambio de comida y alargar sus vidas unas semanas o como mucho meses. Ellos aceptaron como resquicio para intentar escapar. No fueron esquiroles. Ante la magnitud del horror que contemplaban cada día era imposible serlo. Otra gran virtud del filme es que evita al espectador las imágenes más insoportables con un astuto recurso, pegar la cámara al rostro y la nuca del protagonista. Las brutalidades quedan en un segundo plano, muchas veces desenfocado. Eso sí, los sonidos permiten reconstruir lo que ocurre. La fotografía es un formato muy cuadrado, como el pretérito cine mudo o la reciente Ida. Un modo adicional de esconder atrocidades y una metáfora de las orejeras que llevan los sonderkommandos. La interpretación de Gèza Röring es antológica, recuerda precisamente a las de las mejores obras del expresionismo (Murnau o el Fritz Lang europeo). Además de testimonio, <i>El hijo de Saul</i> es una inmensa película por sus valores cinematográficos, superior a <i>La lista de Schindler</i> o <i>El pianista</i>. Dentro de medio o un siglo, estoy convencido, mantendrá toda su fuerza e impacto. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-50324669816102307212016-01-19T11:23:00.001-08:002016-01-19T11:23:32.305-08:007 (+1) blanquitosPublicado en Diario de Mallorca el 18/1/16<br />
<img src="http://www.ew.com/sites/default/files/styles/tout_image_612x380/public/i/2015/05/07/cover_612x380.jpg?itok=k34p4bgV" /><br />
<b><span style="font-size: large;">LOS ODIOSOS OCHO</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 167 min. Director: Quentin Tarantino- Actores: Samuel L. Jackson, Kurt Russell Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen<br />
Calificación: ***1/2<br />
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<div style="text-align: justify;">
La octava película de Quentin Tarantino (así lo anuncia en los créditos iniciales) se pergeñó, muy inicialmente, como secuela de <i>Django desencadenado</i>. Se mantiene la época (la turbulenta posguerra civil norteamericana, periodo histórico tratado también en la reciente <i>Slow west</i>) y un coprotagonista afroamericano (Samuel L. Jackson en este caso). Las tensiones raciales ya no son el tema central aunque mantienen un visible segundo plano. El primero es un Tarantino desencadenado en su faceta más gamberra y provocadora: Estructura capitular. Ocho hombres de muy incierta reputación atrapados por un temporal de nieve en una cabaña matándose entre ellos por una deslenguada mujer y un fajo de quiméricas recompensas. Muchos gags y guiños, para todos los gustos y sensibilidades. Sutiles (la cabaña es una mercería regentada por otra afroamericana; Tim Roth haciéndose pasar por verdugo con lenguaje y modales de Shakespeare), soeces (antológico el gag de la felación), engañosamente misóginos (Leigh recibe de lo lindo), casquería (la matanza final) y cinéfilo/literarios (homenajes confesos a Stephen King -La cosa- y Agatha Christie -Diez negritos-). En el reparto tampoco falla Tarantino: Agradecido Kurt Russell (<i>La cosa, Stargate</i>); repetidores Madsen y Jackson; pillo Tim Roth, segunda juventud en su tercera edad para Bruce Dern, y barra libre de tacos y moratones para Jason Leigh. La banda sonora tiene dos mayúsculas, Ennio y Morricone, más un par de apéndices de Jack White y Roy Orbison. Resumido: casi tres horas de spaguetti western con versos de Agatha Christie, latigazos de humor negro, borbotones gore y el mazo, la marca inconfundible, de un Tarantino en plenitud de forma.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-48971533363221063452016-01-12T00:40:00.002-08:002016-01-12T00:40:24.199-08:00Decencia y talento<img height="398" src="http://i.telegraph.co.uk/multimedia/archive/03470/steve-jobs-movie_3470586b.jpg" width="640" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">STEVE JOBS</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 121 min. Director: Danny Boyle. Actores: Michael Fassbender, Kate Winslet, Jeff Daniels, Seth Rogen<br />
Calificación: ****<br />
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<div style="text-align: justify;">
Destaca Steve Jobs sobre el Jobs de hace un par de años en la conjunción de talentos en todos los niveles. Danny Boyle (dirección), Aaron Sorkin (guión), Daniel Pemberton (música) y los actores Michael Fassbender, Kate Winslet, Jeff Daniels o Seth Rogen. Ninguno precisa presentación ni justificación.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Vamos con la chicha, el guión. Frente a la amplitud y dispersión de muchas biografías, Sorkin recrea sendos psicodramas en tres momentos clave: las bambalinas previas a las presentaciones de tres ordenadores, el primer Mcintosh, el Next y el iMac. Ha cribado los personajes secundarios, centrándose en la primera mujer de Jobs y la hija de ambos, y, de Apple, en su asistente, el director financiero y los programadores Steve Wozniak y Andy Hertzfeld. El tema principal es si el talento, la inteligencia y el liderazgo a muy altos niveles conllevan perentoriamente un ego desmesurado y una coraza, un bloqueo, de los sentimientos y la ética. Tema ya tratado por Sorkin, igual que el juego de tronos empresarial, en La red social. Una ramificación es si ese bloqueo tuvo su origen en la infancia de Steve, su trauma por ser rechazado por los primeros padres que le adoptaron. ¿Causa o excusa? La dirección, la fotografía, el montaje, la música, las actuaciones (Fassbender ha evitado la trampa de imitar los gestos del retratado, lo ha llevado a su terreno) completan un impecable, a nivel cinematográfico, biopic. Como retrato del difunto es incompleto. Sorkin orilla otros nubarrones como su amagada adicción al lujo, su desprecio a la filantropía o su fanatismo con la alimentación; y omite momentos positivos, que los hubo, con su primera mujer o con Woz.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-76367363392164502782015-08-04T02:03:00.001-07:002015-08-04T02:03:12.510-07:00Ángel o demonio<i>Publicado en Diario de Mallorca el 2/8/15</i><br />
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<img height="345" src="http://emileeid.files.wordpress.com/2013/10/ghadi_21.jpg" width="640" /><br />
<b><span style="font-size: large;">GHADI</span></b><br />
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Nacionalidad: Líbano, 95 min. Director: Amin Dora. Actores: Georges Khabbaz, Lara Matar, Calificación: ****1/2<br />
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<i>Ghadi </i>narra la vida de un barrio cristiano en Líbano. Las casas bajas forman una comunidad de vecinos horizontal, con la (falta de) intimidad global y los (pequeños) vicios particulares previsibles. El protagonista (Khabbaz, guionista también) es un profesor de música. Cuando su tercer vástago nace con síndrome de Down (Khairallah), la vida del barrio se revoluciona, y le exigen que lo interne en un centro específico. </div>
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<br /></div>
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Tras un primer acto muy costumbrista, con mucha voz en off, el segundo se dispara con una trama que firmarían Berlanga o Marco Ferreri en su época más incisiva; el tercero retorna a la senda inicial. Aunque en clave de comedia, la película plantea la gravedad del problema: En comunidades pequeñas y con un desarrollo cultural diferente a las occidentales las anomalías físicas o psíquicas se tratan como estigmas. Trasluce (en este caso) que, más que hartazgo por los berridos del niño, hay un miedo atávico al contagio, egoísmo, incapacidad, a pesar del fervor religioso, de aceptar fallos de la diosa naturaleza. Los vecinos saben que un internado para discapacitados será una cárcel para el chico, y aun así insisten. Demonizar al desamparado es lo más fácil para ellos. Y a la vez, por esa misma pereza e incultura, son fáciles de manipular. El niño, siendo el personaje pivotal, tiene una presencia escasa. Tampoco hace falta mostrarlo más. Khabbaz y el director Dora pisan, es cierto, el cómodo pasto del costumbrismo, sin apenas riesgos en la ambientación, puesta en escena o banda sonora. Pero el planteamiento y el tono soportan toda la película, subrayando bien la injusticia del tema, con un zarpazo de originalidad y muchísima ternura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-34390264863767648552015-07-23T00:46:00.001-07:002015-07-23T00:46:08.773-07:00Por tierra, mar y celuloide<i>Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 23/7/15</i><br />
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<img height="480" src="http://images1.fanpop.com/images/image_uploads/The-Darjeeling-Limited-jason-schwartzman-1057676_1024_768.jpg" width="640" /><br />
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<b><span style="font-size: large;">CINE DE VIAJES</span></b><br />
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<i>La literatura de viajes, tanto en ficción como ensayos, es un género consolidado. En el séptimo arte es más secundario y difuso. Aún así tiene hitos importantes, con historias muy variadas que merecen ser descubiertas o vistas de nuevo.</i><br />
<div style="text-align: justify;">
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<div style="text-align: justify;">
“Viajar es una ilusión. Nunca se llega.” La frase, de Rafael Sanchez Ferlosio, me viene a la memoria cada vez que empaqueto ropa en una maleta. Otro, no recuerdo el autor, sostenía que todas las obras de ficción arrancan con alguien llegando o partiendo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El cine de viajes muestra periplos reales e imaginados voluntarios y forzosos, placenteros, terapéuticos, o dramáticos, determinados o despendolados. El género como tal es entre inexistente y difuso. La subsiguiente selección de filmes es personal, subjetiva, variada, razonada y desordenada. </div>
<div style="text-align: justify;">
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<div style="text-align: justify;">
<i>Viaje a Darjeeling</i> (Wes Anderson, 2007). Se acusa a Anderson de ser epatante por fuera y poroso por dentro. No lo comparto. Bajo la sombrilla del personalísimo estilo del director esta película trata de tres hermanos adultos en busca de una madre ausente, renuente y al final madre, como tenía que ser. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.unsungfilms.com/wp-content/uploads/2012/07/before-sunrise_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="http://www.unsungfilms.com/wp-content/uploads/2012/07/before-sunrise_01.jpg" width="200" /></a><i>Antes del amanecer</i> (Richard Linklater, 1995). Con un bono para viajar por toda Europa en tren durante meses, dos jóvenes, una francesa y un americano, tienen un fugaz romance en Viena que dura lo que el arco de la luna. Película entrañable, sencilla, mágica casi.</div>
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<i>Alma salvaje</i> (Jean-Marc Vallee, 2014). La historia real, ocurrida en 1995 de una chica que troca una senda (metafórica) de autodestrucción por una (física) de 2500 kms que recorre la costa oeste estadounidense de sur a norte. Impecable adaptación del ensayo y gran actuación de Reese Whiterspoon. </div>
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<a href="http://cdn.images.express.co.uk/img/dynamic/1/590x/Easy-Rider-524785.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="118" src="http://cdn.images.express.co.uk/img/dynamic/1/590x/Easy-Rider-524785.jpg" width="200" /></a><i>Easy rider</i> (Dennis Hopper, 1969). Mítica road movie. Dos hippies (Hopper y Peter Fonda), venden una partida de droga, se suben a sus Harleys y viajan desde Los Angeles a Nueva Orleans. La película muestra que el fenómeno hippie era mucho más limitado, estaba menos arraigado de lo que glosaban los medios de comunicación. El trágico final es premonitorio del fin del flower power.</div>
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<i>Entre copas</i> (Alexander Payne, 2004). Esta película puso en órbita a Payne (Los descendientes, Nebraska) y al actor Paul Giamatti. Dos amigos se escapan unos días por los viñedos californianos, uno simpático y neurótico; el otro un discreto pichabrava. Visualmente se nota el limitado presupuesto, aunque mantiene gracia y encanto. </div>
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<i>Hacia rutas salvajes</i> (Sean Penn, 2007). Sean Penn adapta con arte el acongojante ensayo de Jon Krakauer. La historia real de un joven idealista que tras dar tumbos por el país se obsesionó con vivir solo en y de la naturaleza, con desafortunado y triste final.</div>
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<a href="http://f.ptcdn.info/742/023/000/1411457823-96-o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="133" src="http://f.ptcdn.info/742/023/000/1411457823-96-o.jpg" width="200" /></a><i>Priscilla, reina del desierto</i> (Stephen Elliott, 1994). Dos drag queens y un transexual se lanzan en un autobús de segunda mano por el desierto australiano. Curiosa, divertida, animosa y abierta de miras road movie. </div>
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<i>Thelma y Louise</i> (Ridley Scott, 1991). Scott arrancó con tanto poderío (Los duelistas, Alien, Blade Runner) que no fue capaz de remontar –a nivel de calidad y profundidad- el bache posterior. Thelma y Louise no alcanza las cotas de las obras anteriores pero el oficio del director, la originalidad del guion –road movie feminista- y las actuaciones (Geena Davis Susan Sarandon y un imberbe Brad Pitt) resisten el paso del tiempo. </div>
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<a href="http://www.conaculta.gob.mx/recursos/sala_prensa/fotogaleria/ymamatambien1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="121" src="http://www.conaculta.gob.mx/recursos/sala_prensa/fotogaleria/ymamatambien1.jpg" width="200" /></a></div>
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<i>Y tu mamá también</i> (Alfonso Cuarón, 2001). Otra buena road movie, esta latina. Dos amigos (pipiolos también Diego Luna y Gaël Garcia-Bernal) y una mujer algo mayor (Maribel Verdú) viajan por Méjico y hacen un master en amistad, sexo, baches y subidones de la vida. Emotiva y muy creíble.</div>
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<i>La reina de África</i>. (John Huston, 1951). Es una viaje forzoso, por las puñetas de la guerra, y delicioso cortesía del guión de James Agee, la dirección de Huston y la química entre Bogart y Hepburn. Una de esas películas que se pueden mil veces sin soltar medio bostezo.</div>
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<a href="https://divaninquieto.files.wordpress.com/2015/02/bob12.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="132" src="https://divaninquieto.files.wordpress.com/2015/02/bob12.jpg" width="200" /></a><i>Lost in translation</i>. (Sofia Coppola, 2003). Las desventuras de un yanqui (Bill Murray) en la capital nipona y sus escarceos con la bella Scarlett Johansson no provocan carcajadas pero dejan un cosquilleo en la tripa y las neuronas.</div>
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Quedan muchas películas en el banquillo y suelto un puñado de corrido: <i>El viaje a ninguna parte</i> de Fernán Gómez, <i>El camino</i> de Emilio Estévez, <i>La playa, Come, reza, ama, Diarios de la motocicleta, El hombre que pudo reinar</i> - Huston cómo no-, <i>Pequeña Miss Sunshine</i> o las adaptaciones de <i>On the road</i> o <i>Miedo y asco en Las Vegas</i>. Gusten más o menos, todas garantizan evasión, sonrisas o lágrimas sin moverse de casa.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-47829533050892470262015-07-21T00:56:00.002-07:002015-07-21T01:00:23.527-07:00Desmontando a Riley<i>Pulicado en Diario de Mallorca el 20/7/15</i><br />
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<img src="http://img2.wikia.nocookie.net/__cb20150202082437/disney/images/c/c0/Inside-Out-21.jpg" height="197" width="400" /><br />
<b><span style="font-size: large;">DEL REVES</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Estadods Unido, 94 min. Director: Peter Docter, Ronnie Del Carmen. Actores: (Animación)<br />
Calificación: ****<br />
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Pixar ha vuelto. Buena noticia desde su fusión con Disney y el deceso de Steve Jobs, consejero aúlico que, es evidente, tuvo gran influencia en el big bang de la productora de animación (<i>Toy Story, Buscando a Nemo, Monstruos SA, Wall E</i>). Desaparecido en la retaguardia administrativa John Lasseter, Pete Docter, uno de sus escuderos, se ha dado un bofetón en la cara y un taconazo de espuela a sus neuronas.</div>
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<a href="http://media.melty.it/pmedia-2734668-ajust_640-f1437310505/inside-out-al-giffoni.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="163" src="http://media.melty.it/pmedia-2734668-ajust_640-f1437310505/inside-out-al-giffoni.jpg" width="320" /></a>La historia de <i>Del revés</i> va de psicología y neurología de sillón de orejas. En otro ejemplar ejercicio de '¿Y si...?' inspirado en su propio pasado, Docter entra en el cerebro de Riley, una preadolescente traumatizada por una mudanza inesperada, y nos presenta a los cinco enanitos que desgobiernan su cerebro: Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco. Una lideresa hiperactiva frente a cuatro ácratas descabezados. Cuando Alegría y Tristeza pasan, por culpa de un incidente, a la terra incognita del subconsciente, luchan por regresar al puesto de mando. Esa travesía tiene ribetes de épica itinerante, sin las multitudes de Jenofonte pero impecable en el crescendo de obstáculos y sorpresas. Y una lanza más a favor del guionista y los directores: el argumento es muy adulto. No se limitan, v.g. Shrek, a guiños cinéfilos; explayan una lección de psicología totalmente fuera del radar de los peques. Sin embargo atrapan a estos con una traslación visual tipo juegos de Feber, con bolas de colores, torres, abismos; un ritmo sostenido, y personajes secundarios como una especie de gallifante. El único pero, mínimo, que se puede poner al filme es que le falta un punto de chispa, del duende que sí poseen las obras citadas al inicio.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-35652632175634535502015-07-17T00:12:00.003-07:002015-07-17T00:14:37.283-07:00La series de tronos ya no son un juego<i>Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 16/7/15</i><br />
<br />
<img src="http://rumberanetwork105.com/wp-content/uploads/2014/07/o-GAME-OF-THRONES-TYRION-facebook.jpg" height="320" width="640" /><br />
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<b>PRECEDENTES DEL BOOM DE SERIES DE CALIDAD</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
La ficción televisiva de calidad vive una época dorada. Juego de tronos, Breaking bad, The Wire, Mad men y otras encandilan a la audiencia y a los críticos más exigentes. Su eclosión se debe a una suma de circunstancias favorables, pero tiene precedentes.</div>
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<a href="http://cdn.hitfix.com/photos/3455165/hill-street-blues_featured_photo_gallery.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://cdn.hitfix.com/photos/3455165/hill-street-blues_featured_photo_gallery.jpg" height="213" width="320" /></a><i>Breaking bad</i> con su argumento tan extremo, es una serie que hace una década no hubiera pasado de la fase de guión para un capítulo piloto. <i>The Wire</i> se engloba en un género que sí tiene precedentes televisivos (<i>Canción triste de Hill Street</i>, añoradísima serie) aunque con un trasfondo tan social que posiblemente hubiera logrado rodar el piloto y se hubiera quedado ahí. <i>Juego de tronos</i> partía de una serie de novelas con un éxito -eso pensaban muchos productores- limitado a un club de fans cuantitativamente reducido. Su adaptación al cine era más complicada por el exceso de personajes y tramas. <i>Los Soprano</i> por su parte estaba en tierra de nadie, un mafioso acudiendo al psiquiatra es guión de comedia, y también era dudoso que los espectadores lo aguantaran mucho tiempo.</div>
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¿Qué pasó entonces? ¿Por qué, sobre todo en este último lustro, están arrasando este tipo de series? La primera causa es la más evidente y conocida. A finales del siglo XX HBO era una emisora de televisión por satélite con finanzas saneadas. Adquirida por Time Warner, sus ejecutivos decidieron tantear al segmento de audiencia más selecto. Hicieron números y vieron que sumando unas pequeñas ventas internacionales y DVD podían gastarse más en guiones, actores y producción sin obsesionarse por el share televisivo que obtuvieran.</div>
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<a href="http://elcondensadordefluzo.blogs.fotogramas.es/files/2015/06/article-2344799-0035873A00000258-218_634x415.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://elcondensadordefluzo.blogs.fotogramas.es/files/2015/06/article-2344799-0035873A00000258-218_634x415.jpg" height="208" width="320" /></a><i>Los Soprano</i> fue un parto de David Chase (previamente hizo <i>Los casos de Rockford</i> y un episodio de <i>Doctor en Alaska</i>) y dio en el clavo. Acertó en el argumento y sobre todo el tono, seria con gotas de comedia, muy verosímil y reparto clavado, Gandolfini, Braco, Falco o la guinda de Steven van Zandt, bajo de Bruce Springsteen. </div>
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Previamente HBO ya estaba teniendo éxito con Sexo en Nueva York. La buena recepción de ambas y otras como <i>Dos metros bajo tierra</i>, animó a los ejecutivos a seguir arriesgando. <i>The wire</i> no obtuvo audiencias sonadas pero si unas críticas excelsas que se tradujeron en atención mediática bienvenida. De los primeros años del siglo XX también destacan las series <i>The Pacific </i>(sobre escaramuzas navales en el Pacífico) y <i>Band of Brothers</i>.</div>
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<a href="https://pbs.twimg.com/profile_images/3212434818/212ee897d755e8ce9c674c246abfaf9b.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://pbs.twimg.com/profile_images/3212434818/212ee897d755e8ce9c674c246abfaf9b.jpeg" width="200" /></a>Enrachados, los de HBO dieron luz verde a una saga de literatura fantástica titulada <i>Canción de hielo y fuego</i>, de George R.R. Martin. El boca a boca a tenido más fuerza que la eyección de un violcán. Las peripecias de Tyrion Lannister, Kaleesi o los sufrientes Stark merecen no un artículo aparte sino un especial completo de este suplemento.</div>
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A rebufo de HBO se puso AMC. La empresa tiene una extensísima red de cines y tenía un canal de televisión por el que pasaban muchas películas adquiridas. Con una mezcla idéntica de talento olfativo y asunción de riesgos produjeron series de gran notoriedad y variedad temática como <i>Mad men</i> (publicistas en los años 50), <i>The walking dead</i> (zombies en futuro distópico) o <i>Breaking bad</i> (profesor desahuciado prueba suerte como narcotraficante).</div>
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Una segunda causa del éxito de estas series ha sido también el avance tecnológico. Muchos hogares tienen ya televisores de 40' mínimo y con una calidad exponencialmente superior. Eso justifica la inversión de las productoras en localizaciones, decorados y atrezo. </div>
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<br /></div>
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<a href="http://a.abcnews.com/images/Entertainment/abc_levar_burton_tk_131106_wmain_16x9_608.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://a.abcnews.com/images/Entertainment/abc_levar_burton_tk_131106_wmain_16x9_608.jpg" height="179" width="320" /></a>Y una tercera causa está en la videoteca. Esta eclosión, tantas series tan buenas dando tanto que hablar, no es un precámbrico repentino. Décadas atrás cada cierto tiempo emitían lo que se llamaron miniseries. <i>Raíces </i>(1976) sobre la esclavitud en Norteamérica, tuvo sólo ocho episodios y fue vista por casi 100 millones de espectadores. <i>Hombre rico, hombre pobre</i> (1976) adaptó con eficacia y éxito el bestseller de Peter Strauss. Posterior, y una debilidad mía, es la serie inglesa <i>Retorno a Brideshead</i>. Un jovencísimo Jeremy Irons deslumbró a los amantes de la ficción histórica.</div>
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<a href="http://www.actingoutpolitics.com/wp-content/uploads/2015/12/FasFranzReinholdReview.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.actingoutpolitics.com/wp-content/uploads/2015/12/FasFranzReinholdReview.jpg" height="212" width="320" /></a>Y tomando la tangente, he visto hace poco <i>Berlin Alexanderplatz</i>, de Rainer Fassbinder. Como la televisión era entonces la caja tonta, el teutón la bautizó “Una película en trece episodios y un epílogo”. Es su más larga e indudable obra maestra. Igual de impactante, varias décadas después.</div>
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Todo esto lleva a una conclusión simple y evidente. La ficción de calidad no distingue formatos. La separación entre la gran y la pequeña pantalla es cada vez más fina, tanto en el aspecto físico, tecnológico, como en los contenidos. Los espectadores somos los grandes beneficiados.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-13578478984946345832015-07-16T23:59:00.000-07:002015-07-16T23:59:03.007-07:00Viejo y obsoletoPublicado en Diario de Mallorca el 17/7/15<br />
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<img height="320" src="http://lgblog.cl.s3.amazonaws.com/wp-content/uploads/2015/07/TG03.jpg" width="640" /><br />
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<b><span style="font-size: large;">TERMINATOR - GENESIS</span></b><br />
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Nacionalidad: Estados Unidos, 126 min. Director: Alan Taylor. Actores: Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Emilia Clarke, J.K. Simmons<br />
Calificación: *<br />
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Schwarzenegger repite en este filme varias veces “Viejo, pero no obsoleto”. El refranero popular tiene muchas entradas sobre presunciones y excusas no reclamadas. El quid de este último Terminator no está en si el actor o el personaje están caducos, sino en la impotencia, o incompetencia, para mantenerlo vivo. Los productores han apostado todos los cuartos en la casilla de los efectos especiales, dejando huérfanas las del talento en dirección, guion y reparto. Una muestra: El cineasta Alan Taylor, tras participar en alabadas series de televisión, dirigió hace dos años <i>Thor, el mundo oscuro</i>. Allí contó con un libreto solvente (basado en los comics de Stan Lee y Jack Kirby) y actores de la talla de Anthony Hopkins, Idris Elba, o Natalie Portman. En <i>Terminator-Genesis</i> el guion se conforma con temas sobadísimos de ciencia ficción como la utilización de bucles espaciotemporales para modificar el presente inmediato, o la existencia de un orwelliano Gran Hermano. De hecho, plantea la anulación completa de nuestra privacidad como una hipótesis futura cuando Edward Snowden ha demostrado que ya es una tesis omnipresente. Igual de vetusto es el tufo militarista de todo el guion; y las tramas personales son más gélidas que el metal de los robots. A nivel de efectos especiales no hay ningún avance destacado, sólo bruñido de anteriores hallazgos. Con los actores basta examinar su currículo previo, limitado a películas o series de acción. Al único realmente bueno, J.K. Simmons (Oscar este año por <i><a href="http://fernandoalomar.blogspot.com.es/2015/01/en-busca-de-charlie-parker.html">Whiplash</a></i>), le han endosado el papel más breve y secundario. Película de mucha acción, escasa emoción y nulo riesgo.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-39012375283557594012015-07-15T09:56:00.002-07:002015-07-15T09:56:24.558-07:00Nunca es tardePublicado en Diario de Mallorca el 15/7/15<br />
<img height="427" src="http://todoescine.com/wp-content/uploads/2015/06/est_aprendiendo-a-conducir_clases.jpg" width="640" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">APRENDIENDO A CONDUCIR</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Estados Unidos, 90 min. Director: Isabel Coixet. Actores: Patricia Clarkson, Ben Kingsley, Grace Gummer<br />
Calificación: ***<br />
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Isabel Coixet cede a la relajación del creciente cine 'feel good'. Historias sencillas y positivas dirigidas a un público adulto. Femenino sin escaras feministas y con un barniz -acuarela más bien- de integración interétnica. El guión de <i>Aprendiendo a conducir</i> estira un relato breve. La trama y el tema principal son muy sencillos: una mujer de mediana edad (Clarkson) aprende a conducir como tentativa terapia para superar el inesperado plantón de su marido. Su instructor (Kingsley) es un asilado indio de la etnia sij que ayuda a compatriotas suyos ilegales y acepta, por insistencia de su hermana, un matrimonio arreglado. </div>
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La película nada todo el rato en las apacibles aguas del dramedia. La trama del rechazo a los inmigrantes asiáticos carece de la dureza, y por tanto la fuerza, de The visitor. Aún así es mejor que nada. Algo similar ocurre con la guerra de sexos. Tanto el divorcio de la norteamericana como la boda del indio con una desconocida, por evitar maniqueismos acaban limando potenciales dramáticos o cómicos. ¿Qué queda entonces? Una historia agradable, con algunas puntadas cómicas (la primera práctica de circulación, el amante pasajero de ella). Más dos pedazos de actuaciones. Kingsley se come la pantalla con naturalidad y modestia. Va sobrado de recursos, de talento, y los dosifica para no vampirizar la historia o a sus compañeros. Clarkson está algo desatada, en una actuación más propia de teatro, pero aún así el papel le va como anillo al dedo. Y en los créditos técnicos, aunque apenas se aprecie, está la montadora Thelma Schoonmaker, inseparable de Martin Scorsese desde <i>Toro Salvaje</i>.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-35404667126734803782015-07-15T09:53:00.001-07:002015-07-15T10:21:11.400-07:00Val di Zoldo y visto y no visto en Venecia<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn5cpJDgrXRhNwgF33LYYBOwsLBkvd6itJLoMW0yOk8AbbZ1p9Pc-OhIgQk0phVOKLZeZ6TS5iop2IRyUZa1aA5warsnDtdnlvysOkMc_h0_Wzc-5r9u-AS6UUcg1auWoJUVWGZVmo7hQ/s1600/Blog+fuente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn5cpJDgrXRhNwgF33LYYBOwsLBkvd6itJLoMW0yOk8AbbZ1p9Pc-OhIgQk0phVOKLZeZ6TS5iop2IRyUZa1aA5warsnDtdnlvysOkMc_h0_Wzc-5r9u-AS6UUcg1auWoJUVWGZVmo7hQ/s640/Blog+fuente.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSlTOg4K2pkTVzDH1tc201qUZ_XE_-j_37fUNOxWFZuT2X_SXXrQlGSlj5kYwN4k3wmfguJJ8C_cRA0tqfXzscrYHkTtpL3-qFcBRN2H33incO7bGqvJmWwuzAyWFeAN75AhMT9drKNY4/s1600/Blog+Pelmo-Vnz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="417" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSlTOg4K2pkTVzDH1tc201qUZ_XE_-j_37fUNOxWFZuT2X_SXXrQlGSlj5kYwN4k3wmfguJJ8C_cRA0tqfXzscrYHkTtpL3-qFcBRN2H33incO7bGqvJmWwuzAyWFeAN75AhMT9drKNY4/s640/Blog+Pelmo-Vnz.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyEXBI6m3zf9mI9G6UNLi_F7HFeyRO6LbaVxI8sSLlWSDT7ziG5G-e_brRO3-rbDkkghwbNpdsOsHnkFl0rLs9ahwVegqdXld3xHhCM561qUxM-3RDub-ZqpoM8NRcUCR4uUPdhK9_kWQ/s1600/Blog+Pep.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyEXBI6m3zf9mI9G6UNLi_F7HFeyRO6LbaVxI8sSLlWSDT7ziG5G-e_brRO3-rbDkkghwbNpdsOsHnkFl0rLs9ahwVegqdXld3xHhCM561qUxM-3RDub-ZqpoM8NRcUCR4uUPdhK9_kWQ/s640/Blog+Pep.jpg" width="640" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsOeRUrik7bjMuscZw11G4Yamw7hJ7A1AN7idsgNV6xk-ZenH3gwVGKmF2eiO3pDNPZv_mk7A3optl51I4uYp-KthUXNAYtU3elHndl5mIL0cbzaArNPN3MnscmHoNVz5ssqnMtdrk55Y/s1600/Blog+refu+Nube.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsOeRUrik7bjMuscZw11G4Yamw7hJ7A1AN7idsgNV6xk-ZenH3gwVGKmF2eiO3pDNPZv_mk7A3optl51I4uYp-KthUXNAYtU3elHndl5mIL0cbzaArNPN3MnscmHoNVz5ssqnMtdrk55Y/s640/Blog+refu+Nube.jpg" width="640" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZfJvdmlW5diJVouvCbA02ComPIm-nGDyBR5usy495kbdaOQSp7uNGxRkppotvqgDzrlBpiwxmhgrRb08Z2-pc3Sue0LbL3y3VQ0AWJO22osVggMarFso_dBaTyRI_uANl3IMisDWSvG8/s1600/Blog+vene+manchi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZfJvdmlW5diJVouvCbA02ComPIm-nGDyBR5usy495kbdaOQSp7uNGxRkppotvqgDzrlBpiwxmhgrRb08Z2-pc3Sue0LbL3y3VQ0AWJO22osVggMarFso_dBaTyRI_uANl3IMisDWSvG8/s640/Blog+vene+manchi.jpg" width="640" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1SjcYa_pXVe1pC3RnR-Zveu2h1Rd5z1ON76FcwMf0QBSfSxnvgzVWh9CWnVLnJWY3CoFxPKQ6YPP1MFAqt-SA8hKFwc7Ll5xrHJRJMvetZsNncfFUDtVibMS9kMLvh6jAtOfhOJowLhs/s1600/Blog+Venechucho+B.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="476" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1SjcYa_pXVe1pC3RnR-Zveu2h1Rd5z1ON76FcwMf0QBSfSxnvgzVWh9CWnVLnJWY3CoFxPKQ6YPP1MFAqt-SA8hKFwc7Ll5xrHJRJMvetZsNncfFUDtVibMS9kMLvh6jAtOfhOJowLhs/s640/Blog+Venechucho+B.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
El valle dolomitico de Zoldo no tiene la espectaculiaridad de la zona de Brenta, o el caché y los monumentos de Cortina d'Ampezzo, pero siguen siendo Dolomitas. O sea, Alpes. O sea, prados, paredones y algunas sendas preciosas. Y Venecia, incluso con 40º y decenas de miles de turistas, es una ciudad que hay que intentar visitar al menos unas horas una vez en la vida.Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-3150822666219934102015-06-29T01:05:00.004-07:002015-06-29T01:05:47.421-07:00La puerta de la cocina<i>Publicado en Diario de Mallorca el 29/6/15</i><br />
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<img src="http://s2.glbimg.com/eKwsuoWOOI9H2B5wyHIcvQu895U=/smart/e.glbimg.com/og/ed/f/original/2015/02/24/cinema3.jpg" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">UNA SEGUNDA MADRE</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Brasil, 114 min. Director: Anna Muylaert. Actores: Regina Casé, Camila Márdila, Michel Joelsas<br />
Calificación: ***1/2<br />
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<div style="text-align: justify;">
Val (Casé) es una mujer mayor que trabaja interna para una familia adinerada de Sao Paulo. La visita de su hija (Márdila), a la que no ve desde hace una década, trastoca a todos. La puerta de la cocina en esa casa es como la reja que separaba las cubiertas inferiores y superiores del Titanic. La película, con acontecimientos mínimos pero con unos personajes muy reales y matizados, plantea todos los temas asociados al clasismo: el principal, la fragilidad de ese umbral, la difusa línea entre el respeto de un empleado hacia su empleador y el servilismo que, por desgracia, sigue brotando en esos ambientes en casi todo el planeta. Val es tan buenaza e ingenua que no es capaz de apreciar las humillaciones sutiles de su jefa. Su hija es más lúcida y a la vez demasiado irrespetuosa. Una trama también muy bien desarrollada es la relación entre madres e hijos: Val ha sido una madre ausente para su hija y una madre real con el hijo de sus dueños, por pasotismo de ellos. Con la paradoja de que la adolescente madura, se pone las pilas, y el joven con más recursos cede a la sobreprotección y fracasa. Y otra paradoja en el matrimonio rico; él ha heredado muchos bienes y se dedica a un perezoso y estéril ‘far niente’; ella trabaja, es más útil a la sociedad, pero se pavonea sin rubor de su clasismo. Los actores, todos, se meten con naturalidad en sus personajes. La fotografía y la música son aún más discretas, para no restar protagonismo al guion.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-84531861666922468122015-06-23T02:06:00.000-07:002015-06-23T02:06:11.324-07:00Mil leches<i>Publicado en Diario de Mallorca el 22/6/15</i><br />
<img height="360" src="http://www.valenciaplaza.com/bd/imagenes/imagen190718g.jpg" width="640" /><br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">WHITE GOD</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Hungría, 119 min. Director: Cornel Mundruczo. Actores: Zsofia Psotta, Sandor Zsotea, Lili Horvath<br />
Calificación: ****<br />
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<div style="text-align: justify;">
<i>White god</i> obtuvo el premio Una cierta mirada en el último festival de Cannes y hace honor al galardón. Tiene vínculos con <i>Amores perros</i> de Gonzalez Iñarritu, con una antigua película rusa (no recuerdo el título), en la que un cirujano trasplanta el cerebro de un perro callejero a un político local que acaba de ministro; y otro, muy evidente, con El amanecer del planeta de los simios. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Al guión de la película húngara le falta finura. Hay una doble trama: El calvario de un mil leches abandonado que acaba liderando un motín contra sus maltratadores, y las desventuras de su dueña, una preadolescente estudiante de música clásica, para localizarlo y devolverle el cariño desbaratado por la intransigencia del progenitor de ella. La trama humana es maniquea: sólo la protagonista respeta a los animales, el resto de personajes (padre, vecina, mafiosos, indigentes, incluso los empleados de la perrera) los odian. Los actores tampoco brillan, la chica sobre todo se muestra algo inexpresiva con un papel perfecto para lucirse. La trama canina es una bajada a los infiernos similar a la película mejicana, con escenas muy explícitas e indigestas; y la gestación de la rebelión está casi calcada del despertar simiesco. Sin embargo el arranque, un flash forward con la chica en bicicleta perseguida por la masiva jauría -274 perros auténticos-; el tercer acto -los perros acosando los espectadores de un concierto con la rapsodia húngara de Liszt-; y la coda en el matadero emulando al flautista de Hamelin, erizan los cabellos. Película incómoda de ver a ratos, y sin novedades reales a nivel temático, pero con esos citados latigazos de cine excelso.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-24767862557731265382015-06-15T11:05:00.001-07:002015-06-15T11:05:24.793-07:00Las tribulaciones de BathshebaPublicado en Diario de Mallorca el 15/6/15<br />
<img src="http://www.graffitiwithpunctuation.net/wp-content/uploads/2015/05/far_from_the_madding_crowd_ver4_xlg.jpg" height="301" width="400" /><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: large;">LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO</span></b></div>
<br />
Nacionalidad: Reino Unido, 119 min. Director: Thomas Vinterberg.<br />
Actores: Carey Mulligan, Matthias Schonaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge<br />
Calificación: ****<br />
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<div style="text-align: justify;">
Como el fútbol con los entrenadores, el cine debate desde tiempos inmemoriales si el director es un mero aglutinador de especialistas, o un catalizador o reductor del talento de esos profesionales. Las obras clásicas son la mejor prueba del algodón. Thomas Vinterberg, especializado en dramas psicológicos lacerantes (<i>Celebración, La caza</i>) cambia de liga y adapta la novela decimonónica de Thomas Hardy. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Respecto al buen precedente de John Schlesinger (1967), Vinterberg y su equipo recortan los trajines amorosos entre la bella Bathseba Everdene (Mulligan) y sus tres pretendientes (Schonaerts, Sheen y Sturridge) para reforzar el tema principal de la obra de Hardy, su denuncia de la sociedad victoriana. Si Dickens digitó la desigualdad extrema de las urbes, Hardy anotó que el campo no era tan bucólico como lo pintaban sus palmeros. Se pasaba menos hambre, es cierto, pero el clasismo entre los diversos escalafones de nobles, militares y terratenientes más o menos pudientes era implacable; y la dispersión de la población creaba islotes claustrofóbicos. Bathsheba es una precursora del feminismo, tomando el mando de la finca heredada, y una fémina sujeta, a su pesar, a la tiranía de las feromonas. Su decisión y carisma al frente de la finca y las dudas y bloqueos ante el sexo opuesto prueban la vigencia del texto de Hardy. Las excelentes actuaciones, Mulligan, Schonaert y Sheen en menor medida; la fotografía resaltando la belleza del entorno de Dorset y la sobria banda sonora de Craig Armstrong confirman a Vinterberg como un gran cineasta, no sólo un inteligente provocador. Y recuerda que los clásicos, los buenos, están para refrescarlos y admirarlos. </div>
<div>
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-71450487248405035692015-06-09T01:20:00.001-07:002015-06-09T01:20:29.026-07:00Buscando a Johnny desesperadamentePublicado en Diario de Mallorca el 9/6/15<br />
<br />
<img src="http://i.guim.co.uk/static/w-620/h--/q-95/sys-images/Guardian/Pix/pictures/2014/10/15/1413369196798/Phoenix-Ronald-Zehrfeld-N-010.jpg" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">PHOENIX</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Alemania, 98 min. Director: Christian Petzhold. Actores: Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Nina Kunzendorf<br />
Calificación: ****<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
En <i><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/La_senda_tenebrosa">La senda tenebrosa</a></i> (Delmer Daves, 1947), Bogart se fuga de una prisión y acude a un cirujano plástico para mudar su rostro. <i>Phoenix </i>tiene un arranque similar, aunque con trasfondo más dramático. Una mujer (Hoss), ha sido liberada de un campo de concentración, pero recibió antes un disparo que desfiguró su rostro y obliga a remodelarlo, a su pesar. La película toca varios temas: a) sobrevivir psicológicamente, a un trauma extremo. La protagonista de <i>Phoenix </i>se creó un salvavidas, al amor hacia su marido y se abrazó a él con todas sus energías. b) sobrevivir en una economía de posguerra devastada. ¿Vale todo? ¿Hay que endurecerse, rebajar el listón ético personal para no morir de hambre? Es una opción comprensible; llevada al extremo genera desalmados como el inolvidable Harry Lime de El tercer hombre. c) ¿Se puede perder la cabeza totalmente por amor, hasta el punto de anularse a uno mismo? Hay dos temas secundarios adicionales, el exceso de celo de algunas víctimas del Holocausto o sus familiares contra simpatizantes a secas del régimen nazi. Y, en el lado opuesto, el racismo latente de ciudadanos alemanes contra los judíos incluso tras conocerse la magnitud del genocidio. La película no acaba de afinar esos asuntos, le cuesta sobre todo remarcar la causa de la obnubilación de la mujer. Sin embargo muestra personajes en una escala de grises muy real, muy humana. Movidos más por sus miserias y traumas que por una racionalidad difícil de aplicar en esa descompresión posbélica. Una correcta ambientación, la notable actuación de Nina Hoss (<i><a href="http://www.diariodemallorca.es/sociedad-cultura/2013/04/10/vida/837965.html">Barbara</a></i>) y el acertado final rematan un drama interesante sobre un tema complejo.</div>
<div>
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-86264226057582976122015-06-01T23:44:00.001-07:002015-06-01T23:44:32.030-07:00A vista de tórtolaP<i>ublicado en Diario de Mallorca el 2/6/15</i><br />
<i><br /></i>
<img height="359" src="http://www.sf.se/ImageVaultFiles/id_16681/cf_206/En_duva_satt_p-_en_gren.jpg" width="640" /><br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Suecia, 101 min. Director: Roy Andersson. Actores: Holger Andersson, Nils Westblom, Viktor Gyllenberg<br />
Calificación: ****<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
¿Cómo explicar el cine de Roy Andersson? Ufff! Es, como el del tejano Wes Anderson, personalísimo, irrepetible, intransferible. El título de está película está inspirado en un cuadro de Peter Bruegel. El de la anterior (<i>Du levande – Vosotros, los vivos</i>) salió de un verso de Goethe. <i>Una paloma...</i> cierra la trilogía iniciada con Canciones del segundo piso. Tres películas sin apenas argumento. Viñetas, fogonazos, rodajas de vida en expresión clásica de publicistas, donde muestra singularidades, miserias, alegrías y tragedias de un puñado de personas corrientes o no, presentes y pretéritas. Los diálogos son parcos, casi de besugos. Cada fotograma de la película podría enmarcarse. Planos fijos, casi siempre frontales, muy abiertos; jugueteos con los elementos del fondo: la cabeza de un dinosaurio que asoma en una sala de museo, la mujer con la batidora mientras a su marido le da un infarto, una pareja discutiendo en el interior de un restaurante mientras un hombre habla por teléfono en la calle... Tonos apastelados, pellejos pálidos, casi cerúleos. Saltos temporales, el rey Carlos XII (siglo XVII) deteniéndose en un bar del siglo XXI camino de Rusia y regresando derrotado. O la emotiva la escena del bar con la camarera repartiendo chupitos a cambio de besos mientras el resto de clientes cantan un himno militar. En otra escena, más extraña aún, unos africanos son quemados vivos en un tonel metálico marca Boliden (responsable de desastres en Chile y España), y los dueños lo celebran con cava. Intenta Roy Andersson mostrar la insoportable levedad de los seres humanos desde el punto de vista de una paloma. Deja a los espectadores tan perplejos y desconcertados como al ave.</div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-29811627842147800992015-05-26T00:03:00.001-07:002015-05-26T00:03:39.715-07:00Maiz amargoPublicado en Diario de Mallorca el 26/5/15<br />
<img src="http://cineuropa.org/imgCache/2014/07/10/1404997609579_0570x0346_1404997624360.jpg" /><br />
<br />
<b>CORN ISLAND</b><br />
<br />
Nacionalidad: Georgia, Francia 100 min. Director: George Ovashvili. Actores: Ilyas Salman, Mariam Butursvhili, Irakli Samushia<br />
Calificación: ****<br />
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<div style="text-align: justify;">
Es interesante comparar <i>Mandarinas </i>y <i>Corn island</i>, ambas en cartelera y ambas ambientadas en el conflicto entre las repúblicas ex soviéticas Abjazia y Georgia. Con la guerra territorial e interétnica de fondo la primera se encierra entre las cuatro paredes de una casa de piedra y un huerto adyacente; la segunda en un islote de aluvión de un río disputado por los dos bandos. El protagonista de una cultiva cítricos; el de la otra, maíz. En ambos filmes uno o varios soldados heridos desestabilizan el ya frágil escenario. El tema es también idéntico, el esforzado intento de unos civiles, hombres de campo, por esquivar el conflicto, por vivir, por trabajar. Y su profunda humanidad, su valor al arriesgar sus vidas por salvar la de otros seres humanos, independientemente de su nacionalidad, lengua o creencias religiosas.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<div style="text-align: justify;">
El resto son diferencias. George Ovasvhili reduce los diálogos a cuatro frases en toda la película; el resto es una bellísima fotografía y acciones mínimas y corrientes en un micro espacio. E introduce dos actores secundarios nuevos. Una frágil adolescente, nieta del campesino y huérfana. Es una trama previsible, desasosegante y acertada porque acentúa el contrapunto entre los dos personajes y sobre todo acentúa su miseria. Que un anciano viva aislado en media cuarterada da pena; una chica, con toda su vida por delante, angustia muchísimo. Por encima, y debajo de ellos, está el río. Regente y condescendiente; tranquilo en apariencia, alevoso en sus arrebatos; maná y cepo. Los campesinos de esas tierras no tienen elección, morirse de hambre, por arma de fuego o ahogados. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-65889992944099337712015-05-20T03:10:00.001-07:002015-05-20T03:10:11.161-07:0029 comunidades<i>Publicado en Diario de Mallorca el 20/5/15</i><br />
<br />
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<img src="http://culturebox.francetvinfo.fr/sites/default/files/styles/article_view_full_main_image/public/assets/images/2014/12/heritiers_a.jpg?itok=hD7HBsCT" /><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;">LA PROFESORA DE HISTORIA</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Francia, 106 min. Director: Marie-Castille Mention-Saar. Actores: Ariane Ascaride, Ahmed Dramé, Noemie Merlant<br />
Calificación: ****1/2<br />
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<div style="text-align: justify;">
Creteil es una banlieue, una localidad del extrarradio parisino de clase media-baja que ha acogido en los últimos años a habitantes de muchas etnias, dispares y propensas a recelos mutuos. <i>La profesora de historia</i> desarrolla una historia real ocurrida ahí. A una docente (Ascaride) de una clase muy conflictiva en un instituto de esa localidad se le ocurrió presentarlos a un concurso escolar nacional sobre las victimas francesas del holocausto nazi. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El desenlace es previsible. El acierto, del guionista Dramé y la directora Mention-Saar, está en su gran autenticidad. Los estudiantes son conflictivos por un cúmulo de circunstancias: un sistema educativo que acepta a regañadientes, y con no pocas trabas, a los forasteros, dificultades económicas o de integración de los padres, presiones de sus respectivas comunidades para defender sus raíces hasta extremos intolerantes y, de colofón, las inquietudes sobre sus respectivos futuros y los cambios hormonales. La clase del instituto es una bomba de relojería, las pulsiones de los chicos se cuentan con mucho verismo, con un excelente ritmo (fotografía y montaje) y sin paternalismo. La desactivación de sus componentes más pirógenos, la entrada en vereda de los chicos a cargo de la profesora, con mano de hierro en guante de seda, es gradual y ejemplar. Y culmina con la emotiva intervención de un superviviente -auténtico- del Holocausto. La película recuerda una vez más los peligros de la incompleta o chapucera integración de etnias, el papel fundamental que tiene el sistema educativo en mantener esa convivencia y potenciar la integración. Y cómo esa labor esa responsabilidad recae en unos profesores que no pocas veces deben luchar en solitario.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-51968474453008801532015-05-18T23:56:00.000-07:002015-05-18T23:56:22.199-07:00Es la gasolina, estúpidos!P<i>ublicado en Diario de Mallorca el 19/5/15</i><br />
<img src="http://www.independent.co.uk/incoming/article9632673.ece/alternates/w620/mad%20max%20fury%20road.jpg" /><br />
<br />
<b><span style="font-size: large;">MAD MAX – FURIA EN LA CARRETERA</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Australia, Estados Unidos, 110 min. Director: George Miller. Actores: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne<br />
Calificación: ****<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Quince años le ha costado a George Miller resucitar a su icónico guerrero de la posapocalíptica carretera. Furia en la carretera es comparable con la segunda entrega, la mejor, de la serie <i>Mad Ma</i>x. El guión es esquemático, puro cómic, con escasos diálogos, pero no banal ni hueco. Reverdece las mejores road movies itinerantes, que a su vez mamaron de paradigmáticos westerns (<i>La diligencia, Rio Bravo</i>). Con idénticos temas, codicia, amistad, venganza, amor; y personajes equivalentes: taciturnos, atormentados por su pasado, de vuelta de todo, leales y luchadores. Una cuasi novedad es la presencia de un personaje femenino fuerte (Ali McGraw en <i>La huida</i> es uno de los escasos precedentes). Y no está solo. Charlize Theron/Furiosa (nombre castellano en la versión original) intenta redimirse salvando a un puñado de de adolescentes despurificadas por el tiránico depredador sexual, y recibe posterior ayuda de unas octogenarias amazonas motorizadas. el loco Max esta vez no es el protagonista absoluto ni va de macho alfa hinchado y sobrado. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://assets.nydailynews.com/polopoly_fs/1.2168526!/img/httpImage/image.jpg_gen/derivatives/article_635/mad-max-fury-road.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="165" src="http://assets.nydailynews.com/polopoly_fs/1.2168526!/img/httpImage/image.jpg_gen/derivatives/article_635/mad-max-fury-road.jpg" width="400" /></a>A estos buenos, agradecidos, detalles de las entrañas del guión hay que sumar una apoteosis de detalles, de guiños cinéfilos en la epidermis: los esclavos encalados que recuerdan a <i>Metrópolis</i>, los 'indios' montados en cabras de motocross, los escarabajos erizados de afiladas piquetas (segundo homenaje de Miller a <i>Los coches que devoraron París</i> de Peter Weir), la máscara de hierro tomada de <i>El caballero oscuro</i>, el coche con bateristas, guitarra eléctrica y mega altavoces, los atacantes subidos a pértigas... Todo ello, más el ritmo, más la fotografía, más la banda sonora, más las actuaciones de Hardy y Theron dejarán, a los nostálgicos de las mejores road movies y westerns, anonadados, entregados.</div>
<div>
<br /></div>
Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-47303468035714354962015-05-11T23:26:00.001-07:002015-05-11T23:26:30.425-07:00Tierra de nadie<i>Publicado en Diario de Mallorca el 12/5/15</i><br />
<br />
<img src="http://p1-pool.yamedia.tw/MjYyNzkzMDNwb29s/065551a6c204fc5e.jpg" /><br />
<b><span style="font-size: large;">MANDARINAS</span></b><br />
<br />
Nacionalidad: Estonia, Georgia, 87 min. Director: Zaza Urushadze. Actores: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Mekshi, Elmo Nuganen<br />
Calificación: ****1/2<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
1992. Dos campesinos y dos soldados en una pequeña finca de cítricos en Abjasia. Los campesinos, de origen estonio, son amigos íntimos; los soldados, un mercenario checheno musulmán pro abjasio, otro georgiano cristiano pro ruso, han sobrevivido a una emboscada mutua. Mientras convalecen se comprometen a no matarse en casa de sus benefactores.</div>
<div style="text-align: justify;">
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El planteamiento de la película es original. Juega con varios contrastes: el carpintero y el agricultor intentando trabajar con normalidad en medio de la violencia y el descontrol político; su anhelo -y resistencia- a regresar a su tierra natal. Además, ofrece un conflicto potente (el caos exterior, la frágil calma interior) y una claustrofobia no exagerada que recuerda algo a <i>Cinco tumbas a El Cairo</i> de Billy Wilder. Siendo una obra casi teatral, se airea la película con las constantes entradas y salidas al exterior de la finca. El desarrollo más previsible. El protagonista, (Ulfsak) es un santo, intentando, con modestia, perseverancia e inteligencia, poner un poco de cordura en un entorno desquiciado. Los combatientes y el recolector de mandarinas no rompen sus arquetipos pero sus acciones, su evolución, su progresivo acercamiento, son muy creíbles. Magnificado por unos actores que, sobre todo con las miradas, refuerzan esa empatía.</div>
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<i>Mandarinas </i>peca de cierto 'buenismo'. Aún así es una gran película por los matices de los personajes, la convicción de los actores, y porque pone el dedo en la llaga de los conflictos territoriales. Luchas atávicas, comunes a otras especies animales por desgracia. Luchas que, cuando intervienen etnias diferentes y se ausentan los gobernantes, se encarnizan y dejan tocados o hundidos a todos. </div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2109150464330851018.post-28459954242478365082015-05-07T03:50:00.002-07:002015-05-07T03:50:37.227-07:002300 obras, 2300 historias<i>Publicado en Diario de Mallorca el 7/5/15</i><br />
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<img height="359" src="http://cdn3.spiegel.de/images/image-790806-galleryV9-xhaq.jpg" width="640" /><br />
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<b><span style="font-size: large;">NATIONAL GALLERY</span></b><br />
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Nacionalidad: Reino Unido, 180 min. Director: Frederick Wiseman. Actores: (Documental)<br />
Calificación: ****1/2<br />
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La National Gallery es el museo más importante de Londres, con seis millones de visitantes al año. Frederick Wiseman es un octogenario documentalista norteamericano. Formado como abogado, sus trabajos cubren temas difíciles (cárceles hospitales, escuelas, oficinas de servicios sociales), con una mirada neutra, nada sensacionalista. </div>
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<i>National Gallery</i> dura tres horas. Tres horas en las que Wiseman recorre el museo como un visitante invisible, y mudo, con acceso libre a todas las dependencias. Desde las reuniones del consejo directivo, debatiendo si permiten que se proyecte un logo deportivo en su fachada o los recortes de presupuesto y personal, hasta las colas en la Plaza Trafalgar para ver a Da Vinci, pasando por visitas guiadas con niños, mayores o vips explicandoles las historias que cuentan varios cuadros de Holbein, Velazquez o Tiziano, talleres de pintura, conferencias, reparación de marcos, preparativos de inminentes exposiciones, eventos especiales (conciertos de piano, obras de ballet) y charlas, algunas apasionantes, sobre las sorpresas que se han encontrado los restauradores de la plantilla (el doble retrato ecuestre de Reembrandt) y algunos dilemas éticos (eliminación de barnices utilizados por los propios pintores). </div>
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N<i>ational Gallery</i> me ha recordado a <i><a href="http://fernandoalomar.blogspot.com.es/2012/06/protocine.html">La cueva de los sueños olvidados</a></i> porque nos recuerda qué es la cultura, para qué sirve, por qué es imprescindible apoyarla y potenciarla. Aún sobrado de minutaje, con su peaje de paciencia, el documental es mucho más que un recorrido por unas salas sembradas de obras maestras y trufadas de visitantes. Es historia del arte, del proceso de las obras de arte, de los oficios del arte. E historia de las presiones que sufre el arte en los mercantilistas tiempos actuales.</div>
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Fernando Ahttp://www.blogger.com/profile/07317085222419503540noreply@blogger.com0