INT. NIT - Fernando Alomar

Manamaná...

2012-02-10T07:53:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 9/2/12

LOS MUPPETS

Nacionalidad: Estados Unidos, 103 min. Director: James Bobin. Actores: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper

La cuarta aparición de los entrañables Teleñecos en la pantalla grande pesca, argumentalmente, en aguas de un súperclásico musical, Granujas a todo ritmo, con los irrepetibles Blues Brothers. En esencia: Relegados los famosos peluches al baúl de los recuerdos, un humano (Segel), su hermano de peluche y la novia del primero (Adams) acuden a Hollywood y se enteran de que la sede del show está a punto de ser comprada por un avaricioso millonario del petróleo (Cooper). A la desesperada intentan reunir al grupo y convencen a una ejecutiva de una cadena de televisión de que emita un telemaratón para recaudar diez millones de dólares y recuperar el local.

Como en todas las películas orientadas al segmento de menor edad, se busca la fórmula alquímica de aburrir lo menos posible a los adultos acompañantes. Aquí se apunta a la autoparodia (frases tipo “si seguimos así la película se acabará enseguida”), cameos de actores de variada catadura (Mickey Rooney, Alan Arkin, Jack Black, Zack Galifianakis), algunos temas musicales reciclados con gracia (una versión libre y delirante de Nirvana, temas de Paul Simon, Starship...), y el obvio recurso a la morriña de la Rana Gustavo, Miss Peggy, Gonzo... Como los grupos musicales más famosos, se guarda el tema más famoso (Mah Na Mah Na) para el final. Como película, Los Muppets vuela bajo; apenas se aprecia la mano del guionista de Ali G y Borat, y Segel y Adams dirigen sus actuaciones claramente a los niños. Sin embargo, el filme tiene algunos gags divertidos, números musicales dignos, y sus peludos protagonistas permiten revivir lejanos y (supuestamente) felices tiempos.

Equipo rico, equipo pobre

2012-02-07T09:31:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 7/2/12

MONEYBALL

Nacionalidad: Estados Unidos, 133 min. Director: Bennett Miller. Actores: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffmann, Robin Wright

Moneyball narra el caso de un equipo real de béisbol, los Oakland A's , que en 2002 logró quedar semifinalista en una liga de 30 equipos siendo el cuarto por la cola en presupuesto. Y ello gracias a la visión, o desesperación, de su director deportivo (Billy Beane/Brad Pitt) que dió preferencia por primera vez a los análisis estadísticos (rendimiento/salario) frente a la experiencia/intuición de su entrenador y equipo de ojeadores. Escuchó a un empollón universitario (Jonah Hill) concienzudo en detectar y fichar los jugadores más infravalorados. La lucha de débiles contra poderosos, y contra los vicios dinosáuricos del sistema, es muy amena. El contraste físico entre los dos protagonistas es parte de su nominación a los Oscar. Pero les ocurre lo mismo que al equipo californiano, han llegado a la final pero les falta un plus (expresividad, versatilidad) para rematar con victoria. El guión (Steven Zaillian -La lista de Schindler, Millenium- de nuevo) tiene momentos de afilado humor (las negociaciones, los despidos) e inevitables concesiones a la galería (la hija, el pasado de Pitt). El director logra mantener el interés en las dos horas largas y se apunta algunos planos de fotografía preciosista.

Para el espectador español, Moneyball tiene el inconveniente de la falta de arraigo del béisbol en nuestro país. Hay una loa algo sospechosa (lease patrocinio encubierto) a las bondades de ese deporte. A pesar de ello, y de que no consigue quitarse del todo la pelusilla de libro de autoayuda, es un filme creíble, entretenido, divertido a ratos y casi emotivo. Una reencarnación más, y más que lograda, de David y Goliat.

blanco como la nieve

2012-02-05T02:11:00.000-08:00

Mientras en Palma caía la nevada del (medio) siglo, en el Puig Tomir nos tocó un 'variat'. Sol, nubes, viento, y nieve alternándose. En la cumbre -5º, a los que hay que sumar, en negativo, varios más de sensación térmica cuando las rachas arreciaban. Gozada de excursión.

Re-estrenos

2012-02-02T11:33:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 2/2/12

La fiebre de secuelas de años recientes está dando paso, por los invariables ciclos lunares de la industria, a una fiebre por los reestrenos. Una gran mayoría en 3D, otros simplemente remasterizados. Las pasadas navidades El Rey León fue líder en la taquilla americana un par de semanas, acercándose a los cien milllones ingresados.

Muchos se echan las manos a la cabeza, pregonando una vuelta de tuerca más contra los creadores puros y originales. El debate está abierto. ¿Existe realmente un receso de la creatividad, o es sólo un conejo más de los magos de la taquilla? Probemos, hagamos el ejercicio, de ponernos en el pellejo de los dos extremos de la cadena.

Productores. Una película no es una novela, Perogrullo dixit. Cuesta infinitamente más dinero producirla y la incertidumbre es la misma. Los 80, 100 ó 150 millones de inversión (hablamos de cine destinado al público mayoritario y global) no caen del cielo. Las productoras recurren a créditos, como todas las empresas y muchos particulares. Un pinchazo fuerte hace mucha más mella en el productor que en el director. Los productores se mueven, como los animales, como los humanos, en una constante y alquímica ecuación coste (riesgo) - beneficio. En los reestrenos de películas que tuvieron gran éxito en taquilla la calculadora ofrece números bastante razonables: por unos 20 millones se puede adaptar cualquier filme a 3D (2D ½, según chascarrillo de James Cameron). Y la tecnología se va abaratando, ergo los costes van decreciendo.

Espectadores. Se enfrentan a la misma ecuación que los productores. A muchos les gusta probar, conocer, propuestas nuevas. Pero una gran mayoría prefiere ir a lo seguro, al 'malo conocido'. Más: si muchos recompramos religiosamente, muchos discos que teniamos en vinilo, o casete, cuando salieron en CD, ¿Por qué no vamos a ir a ver una película que nos encantó en 3D o con remasterización digital? Punto adicional, los niños ven un DVD que les gusta decenas de veces. ¿Por qué no ir al cine a ver una película que se estrenó por primera vez cuando no habían nacido? Para ellos es novedad absoluta, para los padres la falta de idem se compensa con el regustinín nostálgico.

Retomamos la pregunta inicial. El aluvión de reestrenos ¿está cerrando puertas a nuevas ideas y creadores? Relativamente. No me quita el sueño barruntar que La Sirenita 3D va a torpedear la viabilidad de Piratas del Caribe VIII o James Bond MCDMXXVI. El cine taquillero, como el turismo de masas, como la ropa de Zara y adláteres, ha apostado, desde siglos ha, por el riesgo contenido. Los creadores más talentosos, inquietos, inconformistas, han jugado y seguirán jugando en otra liga. Con las mismas piedras en el camino que siempre, dudo que más ahora. Deberán seguir combinando ese talento con la determinación para abrirse paso en la jungla de ese gremio. Y aunque con más o menos bajas por el camino, no dejarán de ofrecernos obras deliciosas como The Artist o impactantes como Drive.

Morrison's Hotel

2012-02-02T11:28:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 2/2/12

ALBERT NOBBS

Nacionalidad: Estados Unidos, 115 min.. Director: Rodrigo García. Actores: Glenn Close, Janet McTeer, Mia Waikowska, Aaron Johnson

Segunda sesión, tras J Edgar, de cine histórico con traumas identitarios. Si la película de Eastwood tiene migas, toscas, de Ciudadano Kane, Albert Nobbs remite al Dublineses de Huston/Joyce. Por segunda vez, nombres más que interesantes en los créditos: Rodrigo García (el hijo del Premio Nobel colombiano) en la dirección, John Banville (adaptando una novela corta de George Moore) en el guión; Glenn Close (coguionista y coproductora además) y Mia Wasikowska en el reparto artístico.

La historia narra las cuitas de un empleado de un hotel urbano (Close) del que pronto sabemos que esconde a todo el mundo que es una mujer, mientras va acumulando ahorros para independizarse. Como el Ulises de Joyce, el relato se enmarca en un momento crítico de la historia de Irlanda (final del siglo XIX), cuando la pobreza y el puritanismo pusieron al país al borde del abismo. La primera mitad de la película es excelente, refleja con gran tino los corsés sociales y el tabú del lesbianismo; y enfrenta las angustías existenciales del protagonista con el optimismo de el/la pintora (soberbia Janet McTeer). Trama cuyo apogeo es la escena de la playa, con McTeer y Close luchando por sacar su feminidad de sus andróginos cuerpos. Excelsa (al límite) actuación de Glenn Close, inspirada en Chaplin más ecos de Peter Sellers en Bienvenido Mr Chance. Sin embargo esa trama de ilusiones y represiones se entrelaza con la más endeble y melodramática de la pareja de jovencitos (Johnson y Wasikowska). Película atractiva por los papelones de Close y McTeer y los brotes de talento de García y Banville.

Cuestión de procedimiento

2012-01-31T08:28:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 30/1/12

J. EDGAR

Nacionalidad: Estados Unido, 137 min. Director: Clint Eastwood. Actores: Leonardo di Caprio

La probable homosexualidad del longevo director del FBI sigue ofreciendo jugo dramático. El tandem Clint Eastwood - Dustin Lance Black (Oscar por el guión de Mi nombre es Harvey Milk) parecía idóneo, reforzado por Leonardo di Caprio, Armie Hammer (el doble gemelo Winklevoss en La red social), Naomi Watts y Judy Dench ante la cámara. Acudiendo al refranero castizo, corrida de expectación, corrida de decepción.

El personaje protagonista tiene similitudes con el Hearst que inspiró Ciudadano Kane. Un hombre que, con una mezcla de astucia, ambición, falta de escrúpulos y cierto azar llegó a doblegar a cuatro presidentes de Estados Unidos consecutivos. Que ocultó sus debilidades y persiguió con saña con las de los demás. Que reprochaba la falta de colaboración entre cuerpos policiales (dolorosa en el secuestro del bebé del aviador Lindberg) siendo él el primero en invadir competencias ajenas. Y cuyo ego le llevó a ponerse con descaro medallas ajenas. Sin embargo el retrato que hacen Eastwood/Black es espeso. Recurre al dictado de las memorias del dirigente para intentar contrastar su versión con los hechos reales. Pero ese hilo conductor acaba capando momentos clave, como el encuentro con Roosevelt en el que (presuntamente) le chantajeó con pruebas de la infidelidad de su mujer. Chirría también el maquillaje, la fotografía es monocorde y, para la falta de acción que tiene, es excesivamente larga. A su favor J. Edgar tiene un buen perfil de lo corrupto que era el hombre, algunos momentos logrados (la pelea entre amantes) y la encomiable actuación de Di Caprio. Recomendable por tanto para seguidores del cine político o de ese periodo histórico.

Masones bajo cero

2012-01-27T01:21:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/1/12

SILENCIO EN LA NIEVE

Nacionalidad: España, 114 min. Director: Gerardo Herrero. Actores: Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Víctor Clavijo. Sergi Calleja

La novela El tiempo de los emperadores extraños, de Ignacio del Valle, sigue (en parte) el camino trazado por Philip Kerr en la trilogía Berlin noir, insertando a su protagonista dentro del régimen posteriormente vilipendiado. Del Valle elige la División Azul como telón de fondo y un turbio asunto de crímenes rituales, masones, homosexualidad amagada y tensiones entre facciones franquistas en primer plano. Circunstancia recurrente en la ficción histórica, se produce una mezcla entre puntillosa documentación y licencias creativas como la ruleta rusa, renombrada aquí “la violeta”, y de la cual no hay constancia fiable en ningún conflicto bélico del siglo XX.

Gerardo Herrero, en la dirección, cae en la trampa de la propia novela. Se esmera en la dirección artística, con una pulcra ambientación del gélido cuartel, y brilla incluso con los caballos enterrados o los ruinosos interiores. Aprovecha el oficio y la implicación de los actores; arrimándose cada uno a sus registros más cómodos. Pero el cineasta y el guionista Nicolás Saad se autolimitan con los códigos de best sellers. Eligen un ritmo premioso, limitan a los personajes (no acartonados pero con escaso juego y evolución), nadan y guardan la ropa al no ensalzar demasiado el patriotismo de los combatientes e insinuar que el protagonista no comulga con ellos, adornan con una tramita amorosa insulsa, y rematan con una denuncia de los horrores de la guerra leve y resabida. Uno no acaba de entender la aversión al riesgo del cine español, no aprende de El laberinto del fauno o Pa negre y reincide en fórmulas correctas pero algo insípidas.

Caer del guindo

2012-01-24T08:21:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 24/1/12

LOS DESCENDIENTES

Nacionalidad: Estados Unidos, 115 min. Director: Alexander Payne. Actores: George Clooney, Beau Bridges, Shaylene Woodley, Amara Miller

Del poco prolífico director Alexander Payne conocíamos su talento para mezclar comedia y drama (A propósito de Schmidt, Entre copas). George Clooney mostró su faceta cómica en Oh Brother! y Quemar después de leer. En Los descendientes (adaptación de una novela de Kaui Hart Hemmings) encarna a un cuarentón hawaiiano en una doble encrucijada familiar y vital a la vez. Por un lado su mujer está en coma agudo y sus dos hijas se muestran muy rebeldes; por otro tiene la última palabra en la recalificación de unos terrenos paradisíacos tras la que él y un puñado de primos suyos se van a hacer de oro. Afrontar ambos retos acaba suponiendo una tardía pérdida de la inocencia.

La combinación de comedia y drama es perfecta; en gran parte por la verosimilitud de los personajes. Hay además contrastes sutiles, el Hawaii que se muestra es muy realista, con sol, días nublados; zonas muy urbanizadas y otras aún vírgenes. La fotografía, utiliza el formato panorámico para una historia muy intimista. Más: la trama de los herederos es muy masculina; la de las hijas, muy femenina. Todos muestran fortalezas y debilidades, todos evolucionan. Y la mujer accidentada no es un espurio adorno, como en Pequeñas mentiras sin importancia, sino el personaje pivotal que, desde su trágica inmovilidad, acaba marcando el destino de todos los demás. Soberbio el reparto completo, desde Clooney hasta el suegro o el novio de la adolescente. Emocionantes los momentos dramáticos, divertidos los cómicos, atinada música local. Como Nader y Simin..., Los descendientes es un drama de apariencia local y vuelo bajo que, por la convicción que destila, deviene en absolutamente universal.

Yo confieso

2012-01-19T01:08:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 19/1/12

PASEO DE RONDA

1. En el lustro y medio que llevo ejerciendo de analista cinéfilo a tiempo parcial, hay un patrón que se repite cada vez que una persona (extraño en un bar, subcolega del trabajo, amigo de amigo de amigo) se entera de mi labor. Una de dos: a) “¿Qué película me recomiendas?” así, a pelo. O b) “El cine ya no es lo que era”, a bocajarro. A la primera pregunta respondo siempre a la gallega “¿Qué tipo de cine te gusta?”. Por pura supervivencia, a una persona que considera Origen o Top gun obras maestras no puedo enviarle a ver Nader y Simin, una separación. Me fusila ipso facto en nuestro siguiente encuentro. Ante la segunda afirmación tuerzo el gesto. Aunque el gremio sufre en sus carnes el boom de Internet, los videojuegos y la crisis económica, se siguen haciendo buenas películas. Por ejemplo...

2. Repaso el blog. De las cien (100) películas justas que vi el año pasado, dos recibieron cinco justísimas estrellas, Incendies y Nader y Simin, una separación. Visualmente no llegan a innovar o sorprender, pero las historias que narran son de un verismo y una intensidad irreprochables, impactantes, magistrales. Medio escalón por debajo recuento trece películas, de géneros y nacionalidades variados: Un dios salvaje, The artist, Animal Kingdom, Jane Eyre, No habrá paz para los malvados, Margin Call, Valor de ley, The fighter, De dioses y hombres, Winter's bone, Carlos, Drive y Medianoche en París. Otro medio escalón inferior sumo nueve filmes: Mientras duermes, Win win, Beginners, Los chicos están bien, Un cuento chino, Poesía, La llave de Sarah y Tambien la lluvia. Veinticuatro (24) películas con un notable alto a sobresaliente cum laude. Y para el público más escapista, Thor, Sin límites o Capitán América son más que dignas. ¿El cine ya no es lo que era?

3. La red asocial. David Fincher acertó con la historia adecuada en el momento adecuado. La red social, además de indeseada publicidad para su (presunto) fundador, aumentó aún más la millonaria cuenta de abonados. La cara B, la letra pequeña, los efectos secundarios inesperados, van saliendo poco a poco: gays cazados y expulsados del ejército yanqui, cazatalentos reciclados en olisqueadores de heces ajenas, objetores de conciencia social incapaces de recibir la baja. Lo último: en el 33% de los divorcios del Reino Unido Facebook ha ejercido de percutor directo o catalizador indirecto. Se confirma que el hombre sigue siendo un animal social. Muy animal...

El gran carnaval

2012-01-19T00:56:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 19/1/12

LA CHISPA DE LA VIDA

Nacionalidad: España, 95 min. Director: Alex de la Iglesia. Actores: José Mota, Selma Hayek, Fernando Tejero, Carolina Bang, Juanjo Puigcorbé.

A pesar del trompazo de Balada triste de Trompeta, Alex de la Iglesia sigue explorando la frontera entre comedia y drama, terreno más incierto y cenagoso de lo que aparenta. El género satírico exige una premisa cómica original y buenos gags; el drama unos personajes sólidos, con matices y evolución personal, y profundidad atacando desajustes sociales o debilidades personales.

El argumento de La chispa de la vida está fusilado de El gran carnaval (Billy Wilder, 1951). La adaptación de los personajes al Celtiberia Show del siglo XXI ha sido sencilla: un desempleado en apuros (José Mota), una mujer íntegra (Hayek) un político cobarde (Galiardo), un publicista rapaz (Tejero) y un ejecutivo televisivo endiosado (Puigcorbé). El accidente del protagonista saca lo mejor y lo peor de todos, es obvio. Lo que ocurre es que es de forma demasiado previsible. Del protagonista se entiende (por su pasado en el mundo de la publicidad) que quiera aprovecharse de su situación para salir a flote económicamente de forma rápida. Pero se queda entre dos aguas, le falta malicia y le falta conciencia de su miseria personal. Su mujer cae en el polo opuesto y de tan pura acaba pareciendo Teresa de Calcuta. Hay humor de brocha gorda (la arqueóloga, los políticos, el hijo gótico-siniestro) y melodrama impostado (la periodista sensible). El resultado es demasiado previsible: como comedia le falta acidez, como crítica social no acaba de cuajar, es demasiado superficial. Música y fotografía insisten en la falta de riesgo. Lo mejor, la chispa del cineasta, surge en fogonazos esporádicos, Santiago Segura como creativo descerebrado o Puigcorbé emulando a Hugh Hefner.

Larsson vs. Larsson

2012-01-15T02:40:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 15/1/12

MILLENIUM – LOS HOMBRES QUE NO AMABAN LAS MUJERES

Nacionalidad: Estados Unidos, 157 min. Director: David Fincher. Actores: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer

Aparquemos temporalmente el debate de si Hollywood es un vampiro o una parabólica de ideas ajenas. Como la primera adaptación de la novela de Stieg Larsson está todavía muy fresca, alcemos ambas al ring, cara a cara:

David Fincher vs. Niels Arden Oplev. KO irrebatible, en el segundo asalto eso sí, del americano. La versión sueca era demasiado literal y académica, con ritmo monocorde y riesgo mínimo en la fotografía y apoyos musicales. Fincher, con un mejorado guión de Steven Zaillian y banda sonora de Trent Reznor (Ex Nine Inch Nails) logra recrear la atmósfera, el desasosiego, el impacto del libro.

Daniel Craig vs. Michael Nyqvist. Victoria a los puntos, o por tardío noqueo, del inglés. De los actores punteros anglosajones actuales es el que cuela mejor como sueco. Pero le sigue faltando un punto de expresividad, de talento natural, de empatía con el espectador. Era la apuesta más segura. Demasiado.

Rooney Mara vs. Noomi Rapace. Empate técnico, tras desfondamiento de ambas. Con ligerísimas variaciones de maquillaje, las dos bordan sus papeles y logran emanar calor de un personaje tan fascinante y repelente a la vez como Lisbeth Salander.

Stieg Larsson vs. Stieg Larsson. Tras leer el libro y ver dos adaptaciones diferentes al cine se confirma la buena hechura, la garra, la impecable mezcla de misterio, denuncia de los poderes económicos, drama psicológico y cuasiterror psicopatológico. Pero no deja de ser un efectista best-seller, con desaparecidos, nazis y sádicos asesinos en serie. Cáscara deslumbrante y provocadora, entrañas no tan novedosas. Veredicto: Justificado remake, atractivo para seguidores de Larsson y Fincher.

Greatest hits

2012-01-12T11:09:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 12/1/12

LA DAMA DE HIERRO

Nacionalidad: Reino Unido, 105 min. Director: Phyllida Lloyd. Actores: Meryl Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman, Nicholas Farrell

Era evidente que el biopic de una persona que desató filias y fobias tan extremas como la ex primera ministra británica entre 1979 y 1990 improbablemente sería mesurado y neutral. La directora Phyllida Lloyd (Mamma Mia!) sobre un guión de Abi Morgan ha escogido el lado más favorable de la baronesa. El libreto alterna el retrato de una mujer en el ocaso de su existencia, viuda, con achaques físicos y mentales lógicos de su avanzada edad, fantasías de reencuentros con su esposo, momentos de lucidez y rebrotes de su afamado genio. La excusa de recoger los enseres del difunto da pie a una serie de flashbacks con los momentos estelares de la carrera política de la protagonista, equivalentes a los 'Greatest hits' de los músicos.

Los admiradores de la mujer se enternecerán y loarán su arrojo. Los espectadores con un mínimo de memoria histórica detectarán las lagunas del libreto: La ambición de Thatcher es sana; la de sus rivales (en su mismo partido) son mezquinas o cobardes. La oposición aparece gritona, las manifestaciones callejeras, desquiciadas y descontroladas; los unionistas irlandeses, ultraviolentos (omitiendo que el gobierno británico mataba y torturaba en esa época). Destacada presencia de la abnegada hija pero sin apenas noticias del hijo (omitiendo que fue 'desterrado' a Sudáfrica por negocios mucho más turbios que los de Urdangarín)... Nimiedades de contenido aparte, el continente presenta una buena factura, con una cuidada ambientación y una soberbia interpretación de Meryl Streep. Simpático (poco más puede hacer) Jim Broadbent y aprobado al resto de actores. Película para incondicionales de la férrea dama y/o su decálogo ideológico.

Jack Sparrow contra el Dr. No

2012-01-10T09:32:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 9/1/12

SHERLOCK HOLMES – JUEGO DE SOMBRAS

Nacionalidad: Estados Unidos, 128 min. Director: Guy Ritchie. Actores: Robert Downey jr., Jude Law, Rachel McAdams

Confirmada, por arrollador éxito de taquilla (más de 500 millones de recaudación previa) la nueva identidad de Sherlock Holmes, Guy Ritchie y los ávidos productores se han dejado deslizar por el tobogán más piruetero. El argumento es muy astuto, reflotando las turbulencias políticas europeas de finales del XIX: anarquistas, escalada armamentísitica de Alemania, negociaciones secretas en Suiza. Relevo en el rival a batir, de Lord Blackwood al más pérfido Moriarty. Y, en el terreno personal, de la atractiva Irene (Rachel McAdams) a la exótica Naomi Rapace (Millenium) encarnada en zíngara. Para aumentar la tensión, el querido Watson se casa y pretende irse de luna de miel. Holmes pasa más tiempo disfrazándose a lo Mortadelo o haciendo piruetas ante un rosario de matones, navajeros y pistoleros, que exprimiendo su inteligencia y labia. Guy Ritchie vuelve a aportar su toque personal en las escenas de acción, con bruscos acelerones y ralentís de cámara y planos subjetivos como el de la bala saliendo de un fusil.

El precio de acercar al mítico detective británico al público joven y global del siglo XXI está siendo muy alto. Lo han convertido en una franquicia más, con todas las servidumbres y uniformidad resultantes: ambientación apabullante, localizaciones sugerentes, violencia taimada por fotografía y montaje efectista, y personajes clónicos, como un Holmes indistinguible de Jack Sparrow o un Moriarty del Dr No y sucesores. Si poco había de Conan Doyle en la primera entrega, en Juego de sombras desaparece casi al completo. Aún así, reseteando nuestra memoria, borrando pretéritas lecturas de la novela clásica, es una película resultona y divertida.

50 fotogramas/h

2012-01-05T10:40:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 5/1/12

ROAD MOVIES URBANAS

Drive, de Nicolas Winding Refn es la primera película del siglo XXI que recupera un género poco frecuentado y que sin embargo ha brindado un puñado de obras maestras el pasado siglo: la road movie urbana.

Los puristas pueden cacarear que las road movies llevan en los genes carretera y manta. Es una verdad a medias. El género bebió del western, de los itinerantes (La diligencia, Centauros del desierto, Rio Bravo), con sus largos y atribulados trayectos por majestuosos espacios. A finales de los 60 y 70 pareció que se iniciaba un relevo natural, sustituyendo caballos o calesas por automóviles, motocicletas o camiones. Sin embargo las influencias, las referencias no se detenían ahí. Un tercer elemento le dió mucha sustancia, la presencia del llanero solitario, el héroe introvertido y escurridizo, con un tinte de existencialismo europeo o determinismo oriental. No es casualidad que Jean-Pierre Melville titulara Le samuraï su aportación al género.

De los tres elementos citados (carretera, vehículo, protagonista solitario) las road movies urbanas, las buenas, han explotado a fondo las dos últimas, ligándolas, por inevitable roce, con el género urbano por antonomasia, el thriller. Tres títulos magistrales, imprescindibles:

El silencio de un hombre (Jean-Pierre Melville, 1967). La película citada anteriormente presenta un protagonista (Alain Delon) de una introversión casi enfermiza, pero sin pasar la raya, como hicieron Scorsese/Schrader. Un asesino a sueldo que vive en un piso desnudo, con la única compañía de un pajarito enjaulado. Melville le aplicó la disciplina, el autocontrol y el extremado profesionalismo de los samurais nipones. No tiene vehículo propio pero consigue uno con facilidad llegado el momento. De esta película hizo un remake Jim Jarmusch un cuarto de siglo después (Ghost dog, con Forrest Whitaker) que no aportó nada nuevo.

Taxi driver (Martin Scorsese, 1976). El guión de Paul Schrader y la interpretación de Robert de Niro han pasado a la historia. Schrader explicó la génesis de la historia: “En Japón, cuando un hombre se harta del mundo, cierra las ventanas y se pega un tiro. En Estados Unidos abre las ventanas y vacía un cargador contra todos los que pasan por delante”. El taxista desquiciado tiene poco de Sartre y mucho de Camús; el culto a las armas en su país y la hipocresía de los políticos completan el cóctel que acaba por fundirle los plomos.

The driver (Walter Hill, 1976). El filme de Winding Refn es casi un remake de este. Ryan O'Neal es un conductor freelance de atracos, tan habilidoso al volante como celoso -igual que Alain Delon- de su independencia. Un tosco policía (Bruce Dern) intenta echarle el lazo; una lánguida belleza (Isabelle Adjani) le ayuda a esquivarlo.

Los protagonistas de estas tres películas (cuatro incluyendo la recién estrenada) provocan una mezcla de empatía, (por desamparo), admiración parcial (por su resistencia a la soledad) y aversión (por meterse -medio conscientemente- en un callejón sin salida). Pero mantienen su fuerza porque bastantes (¿muchos?) de nosotros hemos tenido sensaciones parecidas en momentos bajos de nuestras vidas. Ofrecen una idealización de la soledad y la independencia un tanto estética, pero impactante y aparentemente verídica.

Los buenos samaritanos

2012-01-04T10:36:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 4/1/12

EL HAVRE

Nacionalidad: Francia, Finlandia, 93 min. Director: Aki Kaurismäki. Actores: André Wilms, Kati Outinen, Blondin Miguel, Jean-Pierre Daroussin

Director de culto, en su primera película rodada en francés Aki Kaurismäki ha elegido una parábola sobre inmigración. El argumento, en sinopsis, no cuenta nada nuevo: un adolescente subsahariano (Blondin Miguel) llega al megapuerto industrial de El Havre y logra escurrirse de la policía aduanera. Un lugareño (André Wilms) le ayuda con el apoyo de algunos vecinos. Trama muy parecida a El visitante, aunque las similitudes se acaban ahí: El protagonista de El Havre no es un profesor universitario sino un limpiabotas, secundado por su enferma mujer, la panadera de enfrente y la camarera de la esquina. En el bando opuesto no está la omnímoda migra estadounidense sino un trasunto del inspector Clouseau y unos polis de tebeo.

Los diálogos, la puesta en escena, la fotografía y la dirección de actores son seña y santo del cineasta finlandes. El humor seco y mordaz, la excelente ambientación de los bajos fondos portuarios, los interiores tan austeros que parecen de una obra de teatro de bajo presupuesto, el tempo muy pausado y las actuaciones forzadamente estáticas son personalísimos e intransferibles. Irrealidad en la superficie pero autenticidad en las entrañas, personajes de carne y hueso, sentimientos auténticos, humor afinado y atinado. Sin embargo, hurgando aún más se entra de nuevo en terreno permeable. A diferencia de El visitante, sin concesiones en el desenlace, Kaurismäki ha optado por un cuestionable puntillo Frank Capra. El Havre es una película tan placentera que se acaba convirtiendo en un placebo, un engañoso “casi todo el mundo es bueno” que suaviza bastante, ¿demasiado?, el duro trato que reciben los inmigrantes ilegales en la actualidad.

Hijos de Scorsese

2012-01-03T10:31:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 3/1/12

DRIVE

Nacionalidad: Estados Unidos, 100 min. Director: Nicolas Winding Refn. Actores: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Ron Perlman

David Chase (Los Soprano, 1999-2007), Jacques Audiard (Un profeta, 2009), David Michôd (Animal Kingdom, 2010) y ahora Nicolas Winding Refn son los alumnos más aventajados de Martin Scorsese. Del acerado antropólogo urbanita de Malas calles, Taxi Driver o Uno de los nuestros.

“Como la tierra se mueve hacia el sol, Travis Bickle se mueve hacia la violencia” El perfil del protagonista de Taxi Driver, en la introducción del guión de Paul Schrader, se puede aplicar literalmente al innominado chico de Drive. Otro punto en común entre ambas películas (y con Casino o el resto de mentadas al principio) son los brotes de violencia extrema, fugaces pero demoledores. Y la estilización formal, jugando, cada cineasta con notas y matices diferentes, con cámara al ralentí, silencios efectistas y música pop, tecno o rock progresivo para redondear la atmósfera de cada filme.

Drive se hermana además con otras dos road movies urbanas, El silencio de un hombre de J.P. Melville y The driver, de Walter Hill, más un guiño nostálgico a Punto límite cero. Aluvión de obras magistrales que hierven las neuronas del cinéfilo o provocan el pasmo del espectador menos puesto. Sólo flojea la película en la cuota femenina: el personaje de la vecina es difuso y el aniñado rostro de Carey Mulligan consuma, a su pesar, su insustancialidad. Los actores masculinos se muestran soberbios. Ryan Gosling olisquea de nuevo el Oscar que mereció en 2007 por Half Nelson; Ron Perlman (Hellboy), Bryan Cranston (Breaking bad) o Albert Brooks dejan también una profunda huella. Película dura y estilizada, imprescindible para espectadores con paladar fino y estómago medianamente recio.

Cowboys

2011-12-29T10:38:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 29/12/11

ROUTE IRISH

Nacionalidad: Reino Unido, 110 min. Director: Ken Loach
Actores: Mark Womack, Andrea Lowe, John Bishop

Un año menor que Woody Allen, Ken Loach está igualmente empeñado en estrenar una película al año, con sus inevitables altibajos. Tras la comedia ligera protagonizada por el futbolista Eric Cantona, el peleón cineasta inglés hurga ahora en el conflicto iraquí. Apunta al espinoso negocio de las contratas privadas. Halliburton o Blackwater son la punta de iceberg, bajo la cual se amparan una miríada de empresas de mayor o menor tamaño con idénticos fines: lucrarse y proteger a sus clientes sin el más mínimo respeto o sensibilidad hacia la población nativa. La excusa de que bajo cualquier turbante puede esconderse un terrorista ampara malos tratos y homicidios premeditados.

Protagoniza la película un excombatiente, militar primero y mercenario después, que investiga la sospechosa muerte de su mejor amigo. El arranque tiene mucha fuerza, sin embargo el misterio se atisba demasiado pronto y la película deriva a un ojo por ojo, una venganza de cuatreros demasiado obvia. Da la impresión de que el guionista se ha documentado bien pero después no ha madurado con suficiente calma la historia. La trama principal termina mostrando vicios del cine de acción más hueco o el de denuncia más burdo; y la amorosa coquetea demasiado con el melodrama. Además se vuelve a sentir, como en El viento que agita la cebada, una malsana fascinación por la violencia. Las prisas y el izquierdismo militante vuelven a obnubilar a Ken Loach. Aún así sigue siendo uno de los mejores exponentes del cine denuncia, y Route Irish merece la atención porque, a pesar de que los países occidentales están abandonando la zona, los abusos apenas han sido reparados.

Persiguiendo sombras

2011-12-27T11:16:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/12/11

EL TOPO

Nacionalidad: Reino Unido, Francia, Alemania, 128 min. Director: Tomas Alfredson. Actores: Gary Oldman, John Hurt, Colin Firth, Toby Jones, Mark Strong

Primera adaptación al cine de la novela de John Le Carré, tras la miniserie televisiva (protagonizada por un magistral Alec Guiness) de 1979. Le Carré, en una deliberada reacción contra la artificiosidad de James Bond y el aura de fascinantes y sofisticados canallas que se estaba adjudicando a los apodados '5 de Cambridge', ofrece una visión gélida, casi funcionarial, de los cargos medios del espionaje: Vanidades, rencillas, intereses amagados y desconfianzas que dejan vendidos a los agentes de campo, los que sí se juegan la vida ante el más eficiente y menos escrupuloso KGB. Para descubrir al infiltrado de los rusos, el protagonista (Smiley/Oldman) debe recurrir a la máxima discreción.

Esa búsqueda del topo está reflejada de forma impecable por Tomas Alfredson, apoyado en una fotografía que fuerza mucho los virados de color para dar el ambiente de época y en un elenco de grandes actores. Gary Oldman copia hasta las gafas de Alec Guiness logrando al mismo tiempo dar personalidad propia al hermético Smiley. Toby Jones, Ciaran Hinds o Colin Firth afinan también sus interpretaciones en el juego de espiarse entre ellos y olvidarse del verdadero enemigo. Sin embargo los guionistas, en el doble esfuerzo de condensar las cuatrocientas páginas de la novela y mantener el misterio hasta el último momento sin golpes de efecto, abusan de la lentitud y caen en un exceso de complejidad: cuesta memorizar los nombres y seguir la implicación de cada personaje. El resultado, aún así, es positivo porque refleja con veracidad y mesura la degradación de los servicios secretos británicos tras la posguerra mundial.

Códigos por diamantes

2011-12-23T06:47:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 22/12/11

MISIÓN IMPOSIBLE – PROTOCOLO FANTASMA

Nacionalidad: Estados Unidos, 133 min. Director: Brad Bird. Actores: Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg

Uno se pregunta, en primer lugar, qué hace el director de Los Increíbles o Ratatouille al frente de una película de acción pura y dura, para el público más palomitero. Al frente es un decir, porque el productor es a la vez el protagonista, alma mater del remake de la serie de los años sesenta. Películas como Protocolo fantasma obligan al cronista a hacer funambulismo analítico. ¿Se compara sólo con las de su género o con todas, sondeando su trascendencia? ¿Un suspense bastante o muy logrado compensa la previsibilidad y acartonamiento de los personajes?

Al tajo: Cruise, Bird y los guionistas Josh Applebaum y André Nemec han intentado la cuadratura del círculo: manteniendo las señas de identidad (la personalidad de Ethan Hunt, la pegadiza música de Michael Giaccino, y los espectaculares/inverosímiles efectos de acción) han pretendido añadir una capa de humor (las gracietas de Simon Pegg), un barniz Jason Bourne y un toque James Bond. Localizaciones variadas (Budapest, Moscú, Dubai, Mumbai), piruetas al límite como la trepada por el rascacielos más alto del mundo, persecuciones en coches futuristas y bases secretas en trenes de mercancías. El ritmo es trepidante y, junto con las dosis de variaciones del tema musical, logra el objetivo de camuflar la pobreza de las tramas sentimentales. La profusión de aparatos de tecnología punta acaba rebajándolos a sofisticados juguetes. En el reparto, Tom Cruise mantiene su estatus, Jeremy Renner comienza a desperdiciar su talento; Paula Patton brillaba más como modesta profesora (Precious) que como musculada espía. Misión imposible – Protocolo fantasma tiene una puesta en escena epatante, un ritmo vibrante y muy poquito más.

De ratones y hombrecitos

2011-12-23T06:43:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 22/12/11

A falta del salto a la pantalla grande de Geronimo Stilton (sí está disponible, en DVD, la serie de animación protagonizada por el roedor detective), se confirma de todos modos la química entre mamíferos e infantes. Sin ir más lejos, en este último mes del año se estrenan, o han estrenado, Alvin y las ardillas 3 y Happy Feet 2. También sigue a la venta en DVD Ratatouille, la película de Pixar sobre el ratón devenido en maestro culinario.

Los motivos de la química citada son evidentes. Preston Sturges, destacado director de los años 50, proponía su decálogo para garantizar el éxito de una comedia: “Una chica guapa mejor que una fea / Una pierna mejor que un brazo / Un dormitorio mejor que un salón / Una llegada mejor que una partida / Un nacimiento mejor que una muerte / Una persecución mejor que una conversación / Un perro mejor que un paisaje / Un gatito mejor que un perro / Un bebé mejor que un gatito / Un beso mejor que un bebé / Y una caída mejor que todo lo demás.”

Como se ve, pequeños animales y pequeños hombres están en la zona destacada de la lista. Los niños, como bien sabemos, tienen una curiosidad insaciable, por la naturaleza más que por la civilización (con la excepcion de coches y aviones en el género masculino) y a la vez se sienten muy cohibidos por el mundo adulto, sobredimensionado en volumen, reglas y engorrosos deberes. Los adultos asociamos a ratones con suciedad y enfermedades, los niños los asocian con tamaño equivalente al suyo y vida. Comprenden que son un engranaje esencial del ecosistema mucho antes de conocer esas dos palabras. El ratón busca comida porque tiene hambre. Y si encima es inteligente y hace de su curiosidad una profesión, como Stilton o el pinche culinario Remy, el pequeño lector se lo pasa bomba.

Ardillas y pinguinos son más afortunados. Gracias a los documentales, los parques zoológicos y la astucia de los fabricantes de juguetes es imposible no empatizar con ellos. Los sobredimensionados incisivos de la ratufa arboífera, su cola graciosamente erguida, su timidez parcial y el espídico castañeo al comer un fruto seco desarman hasta al más gélido adulto. Las aves polares atraen por su color níveo, su aire entre distraído y ensimismado, y sobre todo, por su patoso andar fuera del agua. Los guionistas de Alvin y Happy feet los idealizan y acercan aún más a los espectadores poniéndolos a cantar y bailar, otro truco de inmediato y pauloviano efecto.

La moraleja final no tiene sorpresa: todo lo que sea animar a los niños a conocer, respetar y disfrutar la naturaleza será bienvenido, sean más o menos flojos los guiones o la factura técnica de la obra literaria. Aunque temo que la naturaleza seguirá su curso y cuando sean mayores se subirán horrorizados a una silla cuando vean a un minúsculo roedor. Salvo que lleve gafas o un gorro de chef...

Bendita locura

2011-12-19T06:02:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 19/12/11

THE ARTIST

Nacionalidad: Francia, Bélgica, 100 min. Director: Miche Hazanavicius Actores: Jean Dujardin, Berenice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Uggi

Hollywood, 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella de cine mudo en cuya vida se cruza una bella figurante (Berenice Bejo). La llegada del cine sonoro supondrá el descenso de uno y el ascenso de la otra. El argumento de The artist es esquemático, plano; y tiene un magistral, insuperable, precedente, El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder. Michel Hazanavicius (OS 117 El Cairo, nido de espías y Perdido en Río) apuesta al todo o nada: película muda en blanco y negro.

Acierta por su inteligencia y (suena a tópico pero es la pura verdad) amor al cine. El libreto compensa previsibilidad con varios gags muy buenos (el galán de noche, la pesadilla, el forillo medio levantado). La recreación de Hollywood en los años 20 es impecable. La fotografía evita toscos claroscuros para no despistar. La música, variada e infatigable, actúa como perfecto señuelo de la falta de diálogos. La pareja de protagonistas se sale. Hay química absoluta entre ellos y con la cámara. Dujardin (OSS 117) se muestra algo tieso en la parte dramática y excelso en la mímica y el baile. Bejo, con idénticas aptitudes, embelesa. Los secundarios echan el resto: John Goodman (Los Picapiedra, El gran Lebowski) James Cromwell (Babe el cerdito valiente, L.A. Confidencial), Malcom McDowell (La naranja mecánica) o el perrito Jack Rusell (Frasier).

Entrado el siglo XXI, en plena era de streamings, playstations, ipads y youtubes. Hazanavicius retrocede al pleistoceno del séptimo arte con una propuesta de ciego o chiflado. Y a pesar del irregular guión logra, gracias a gags puntuales, ambientación, reparto y música soberbios, dejar al espectador boquiabierto durante cien minutos. Deliciosa.

Misión incumplida

2011-12-15T07:31:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 15/12/11

ARTHUR CHRISTMAS, OPERACION REGALO

Nacionalidad: Estados Unidos, 97 min. Director: Sarah Smith. Actores: (animación)

Grata sorpresa ver a una mujer dirigiendo una producción de generoso presupuesto. Como coguionista y directora, Sarah Smith recurre a un “¿Y si...?” de libro. Los puntos suspensivos se refieren a cómo logra Papá Noel entregar millones de regalos en una sola noche y cómo es la presunta familia del hombre del albornoz rojo. Sobre eso, con implicita complicidad de la audiencia adulta, se construye una fantasía con una meganave espacial con forma de trineo, un ejército de elfos segregado en embaladores, supervisores y GEOs, un abuelete (el padre de Papá Noel) chocheante, una plácida esposa, y dos hijos de caracteres opuestos, uno marcial y resolutivo, el otro (Arthur, el protagonista) buenazo, inseguro y despistado. Por un error accidental se pierde un regalo antes de su envío, provocando una crisis organizativa y familiar.

Siendo un planteamiento correcto, simpático, no llega a provocar carcajadas. El perfil del protagonista está demasiado visto; la insensibilidad de su hermano y su padre, bastante forzadas. La película sólo levanta el vuelo en la segunda mitad, con el abuelo desatado, el perrillo enamorado de una pantufla o los animales africanos levitando en el aire. Para los adultos, más que gags hay guiños nostálgicos; a los peques se les escaparán referencias históricas o tecnológicas, pero se divertirán con el repertorio de animales (perritos, osos, leones, alces) los ubicuos elfos, las patosadas de Arthur o los frenéticos viajes por la estratosfera. La animación no desentona. A falta de un puñado más de estrenos, Arthur Christmas cumple su doble objetivo de entretener y mantener vivo el señuelo (corrijo, la tradición) de Papá Noel.

Azuloscurobastantenegro

2011-12-08T00:56:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 8/12/11

(PASEO DE RONDA)

1. “Hola, soy Steven!” Seguro que no fue un diálogo tan cutre, seguro que se limitó a un “Hola, qué tal” cuando Albert Espinosa, autor de la serie de TV3 Polseres Vermelles y Pau Freixas, director, viajaron a la sede de Dreamworks por negociar la adaptación de la serie en Estados Unidos. La fraternidad de chicos internos en un hospital tiene los ingredientes que han marcado buena parte de la exitosa obra de Spielberg: juventud, drama, lucha por salir adelante, empatía irresistible de los espectadores. Se baraja además que Martha Kauffman, creadora de Friends se involucre en el proyecto. Si se firma el acuerdo (esperemos que sí) se habrá plantado otra pica en Hollywood.

2. Mayúsculos regalos. Si estas navidades quiere tirar la casa por la ventana con sus amigos (o encerrarse para evitar que intervenidos banqueros intervengan sorpresivamente en ella) aquí van tres antológicas sugerencias: La serie completa de Perdidos (36-38 discos) cuesta 90 € en DVD y 140€ en BluRay; The Wire (24 discos) 70€; Los Soprano (32 discos) 75€. Precios aproximados, obtenidos de una batida rápida por la red. En un extraño limbo está Boardwalk Empire, la alabada serie sobre corruptelas mafiosas en Atlantic City. Esperemos que los distribuidores tengan el navideño detalle de sacarla en señaladas fechas.

3. Los más agoreros del gremio cinematográfico temen que el cambio de color del gobierno se lleve a muchos de ellos por delante. Los que participaron en la asonada de los Goyas contra la guerra de Irak seguro que han puesto sus barbas a remojar. No se espera una caza de brujas clásica, macarthysta, pero sí un estrangulamiento financiero, el más doloroso (subvenciones y financiación televisiva). La cultura escarrufa a los conservadores porque, desde siglos ha, ha sido contestataria. Esté la suerte echada o no, hay voces discordantes, como la de Gonzalo Martin (http://gonzalomartin.tv/pulsiones). Aboga por dejar de obsesionarnos con las subvenciones, admitir que sin ellas es muy difícil pero no imposible hacer películas, madurar bien los proyectos, los guiones, las financiaciones. Una cosa está clara, los jóvenes del nuevo baby boom eran el público mayoritario en los cines de hace poco más de una década. Internet les abrió una ventana a la dispersión, el p2p les regaló barra libre de películas y series codificadas. En la actualidad pasan la mayor parte del tiempo libre tuiteando, whatsappeando o con la Wii. Atraerlos de nuevo a las salas de cine es un un propósito titánico; más que subvenciones hace falta una nueva generación de productores, guionistas y directores capaces de conectar con ellos. Es fácil vocear desde la barrera, lo sé, pero uno que está todo el día en el cine ve que el cine español sigue erre que erre, repitiendo fórmulas que funcionaron hace eones o dando palos de ciego.

La guerra no ha terminado

2011-12-07T09:49:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 7/12/11

LA CONSPIRACION

Nacionalidad: Estados Unidos, 122 min. Director: Robert Redford. Actores: James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Tom Wilkinson

En su desigual carrera como director, Robert Redford hinca el diente a un drama político-judicial muy de su tierra. La conspiración trata el magnicidio de Abraham Lincoln y el juicio marcial de de los primeros detenidos, focalizado en la única mujer del supuesto grupo de conspiradores, Mary Surratt (Robin Wright) y el abogado que intentó salvarla de la horca (James McAvoy). El guión plantea razonablemente bien los claroscuros de ese proceso: aunque los sureños se habían rendido formalmente, su odio hacia los unionistas no había menguado. Por ello el ministro de defensa (Kevin Kline) consideraba que el fallo judicial debía ser rápido y ejemplar, aunque se vulneraran garantías legales y constitucionales. Se infiere de ahí que los miembros del jurado se pusieron a la misma altura que los magnicidas; y se esboza el inicio de la utilización del miedo colectivo como arma gubernamental, táctica usada y abusada hasta ahora por los dirigentes estadounidenses.

El relato, la dimensión histórica, están bien reflejados. Sin embargo tanto los personajes, todos, como las tramas personales están muy constreñidos. Los roles de cada uno son evidentes desde el primer momento: el ministro desalmado, el juez y el fiscal serviles, el senador colaborativo pero escéptico (Wilkinson), el abogado concienciado y perseverante, y la acusada obcecada en proteger a su evadido hijo aún a costa de pagar con su vida. Con personajes tan encasillados y motivaciones tan subrayadas, los actores sólo pueden tirar de oficio, sin aportar un brillo o una hondura adicionales. La dirección de Robert Redford tampoco da ni un pequeño salto adelante, resultando un drama judicial correcto, ameno y previsible.

Lagrimas vehementes

2011-12-07T09:44:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 5/12/11

JANE EYRE

Nacionalidad: Reino Unido, 121 min. Director: Cary Fukunaga. Actores: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Judi Dench, Amelia Clarkson

Sumando pantalla grande y pequeña, el clásico de Charlotte Brontë llevaba casi treinta adaptaciones, incluyendo una con guión de Aldous Huxley y protagonismo de Orson Welles o la de Franco Zefirelli de hace poco más de una década. La pregunta era automática: ¿se podía aportar algo nuevo? Tanto la guionista Moira Buffini (Tamara Drewe) como el director Cary Fukunaga (Sin nombre) habían mostrado cierta bisoñez.

Buffini recupera la orientación gótica del filme de Stevenson/Welles. Los temas de fondo se mantienen: el yugo del puritanismo, las barreras de clase social, la necesidad del cariño familiar, el feminismo incipiente de ella o la búsqueda de expiación de él. La guionista aporta unos efectivos saltos temporales y mantiene los memorables diálogos de Brontë. Fukunaga, por su parte, muestra una inesperada madurez en la dirección: encuentra el ritmo justo que requiere el drama. Acierta también con la ambientación y la fotografía, no abusa de meteorologías sombrías o apasteladas claridades. En interiores dibuja efectos muy naturales iluminando muchas escenas sólo con cirios. Y logra, en planos como el que ubica la cámara tras el cuello de la protagonista, que el espectador se meta totalmente en su piel. La dirección de actores es otro diez. Mia Wasikowska aporta mucho más que un aniñado rostro y borda su papel, afinando miradas o leves gestos sin la más mínima sobreactuación. Michael Fassbender, galan ubicuo últimamente, tampoco abusa de su palmito o sus ojos claros y transmite, con similar contención, dudas, dureza y pasión. Mención especial a Judi Dench o la joven Amelia Clarkson. Jane Eyre mantiene viva la llama del clásico con renovado, y agradecido, poderío.

Don Juan Mimozo

2011-11-30T09:08:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 30/11/11

EL GATO CON BOTAS

Nacionalidad: Estados Unidos, 90 min. Director: Chris Miller. Actores: (animación)

Anticipando el agotamiento de la franquicia Shrek, los productores y animadores de Dreamworks eligieron como protagonista de un spin-off al gato con botas, cuyo breve papel (y el doblaje de Antonio Banderas) fueron alabados. El argumento mantiene un mínimo vínculo con el creador original (Perrault en el siglo XVII) al juntarlo con otros dos personajes de la misma selección de cuentos, el huevo Humpty Dumpty y Mamá Ganso. A partir de ahí se aparta a Perrault y se vira hacia el spaguetti-western, con alguna referencia a El Zorro (personaje interpretado en su momento por Banderas). Se completa el elenco con un matrimonio de forzudos y toscos bandidos (Jack y Jill) que compiten con el protagonista por obtener las alubias mágicas y acceder a los huevos de oro; y la felina Kitty Garrassuaves (voz de Salma Hayek). Con ella y con el huevo parlante, el enbotado minino tendrá una relación de agitados altibajos.

La animación computerizada es de gran nivel, aunque las recreaciones del desierto no están tan trabajadas como en Rango. Destaca más por el vivo guión, que explota muy bien el carisma, la simpática chulería, del gato (reforzada por los ceceos y el gran acting de voz de Banderas), la dicotomía bondad-maldad de Humpty y la tensión amorosa entre los dos felinos, con algunos diálogos muy finos y divertidos al mismo tiempo. No faltan numeritos musicales y escenas claramente concebidas para el videojuego. Como ocurrió con Shrek, Dreamworks no ha pretendido igualar la originalidad de las películas de Pixar, pero ha encontrado un camino propio para entretener por igual a niños y mayores.

Gajes del oficio

2011-11-29T09:35:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 29/11/11

UN METODO PELIGROSO

Nacionalidad: Canadá, 99 min. Director: David Cronenberg. Actores: Michael Fassbender, Keira Knightley, Viggo Mortenensen

Desde La mosca, David Cronenberg ha buscado, con mayor o menor fortuna, historias desasosegantes. En los últimos años se ha adocenado y cuajado al mismo tiempo. Un método peligroso narra los comienzos del psicoanálisis, la relación profesional entre Carl Jung y Sigmund Freud y la interposición entre ellos de una paciente, Sabrina Spielrein que pasó de paciente a doctora.

Mirando el cartel (el ticket, como dicen los americanos), el cineasta canadiense se ha rodeado de pesos pesados: el dramaturgo Christopher Hampton es un especialista en dramas históricos (Las amistades peligrosas, Mary Reilly, Expiación). Los actores principales intentan que anteriores participaciones en películas muy taquilleras (Michael Fassbender en X-Men, Keira Knightley en Piratas del Caribe, Viggo Mortensen en El señor de los anillos) no ensombrezcan su talento. Los tres lo confirman, por si alguien tuviera alguna duda, salvo en el exagerado (quizás verídico) arranque de Knightley. Y sin embargo, a la película le falta un punto de grandeza.

El tema está muy bien tratado, muestra con fidelidad los logros, dudas, celos y pasiones que generó el incipiente psicoanálisis. Y si era, es, ético, saltarse o rodear la barrera entre médico y paciente, cómo la profunda relación intelectual que se establece entre ellos acaba no pocas veces derivando en algo más que amistad. A pesar de ello Cronenberg no ha logrado evitar, con montaje o fotografía, que en varios momentos se evidencie el origen teatral del guión. Libreto que además excluye, de modo cuestionable, la adicción a las sustancias químicas de Freud. El resultado es un drama histórico interesante, muy bien interpretado, y algo frio.

¡Leche! Por favor

2011-11-24T12:25:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 24/11/11

(PASEO DE RONDA)

Con la instalación de las luces y guirnaldas callejeras en nuestras calles se da el pistoletazo de los estrenos navideños.

1.Palomitas dulces. Mañana se estrena un madrugador y divertido Gato con botas. Spin off (secuela de una obra en la que un secundario pasa a protagonista) de Shrek, en Estados Unidos le puso voz, y en España rostro promocional Antonio Banderas. Arranque del trailer: Un saloon trufado de malandros, dos zarpas felinas trepan por la barra y se escucha un chulesco “¡Leche! por favor”. Buenas críticas allende el charco, o sea que los sufridos padres sufrirán poco por una vez. En diciembre llega la avalancha de secuelas y tresdés: Happy feet 2, Alvin y las ardillas 3, El rey león (la misma de 1994) reformateada al 3D, Cascanueces 3D y comedias blandas como Arthur Christmas, Operación regalo. La industria española intentará arañar unos euros con Copito de nieve, ficción sobre el añorado gorila albino del zoo condal.

2. Palomitas saladas. Tom Cruise asalta por cuarta vez nuestros escuálidos bolsillos con la idem entrega de Misión Imposible, protocolo fantasma. Huele (chiste fácil, disculpas) a nueva fantasmada del polémico actor. La historia es una enésima reiteración del síndrome Bourne, espía infiltrado en territorio enemigo perseguido por enemigos y abandonado a su suerte por los supuestos amigos. Menos vituperada pero a la vez poco alabada es la recreación del magnicidio de Abraham Lincoln dirigida por Robert Redford, La conspiración. Reparto de alto vuelo (Robin Wright, Tom Wilkinson, Kevin Kline, James McAvoy) que no logra levantar un premioso y desparovechado guión. Merecerá aún así el beneficio de la duda, ergo ser vista.

3. Caviar. Aunque lo mejor del año viene entre enero y febrero, poco antes y después de los Oscars, en Navidad se anuncian tres estrenos que prometen. Drive, de Nicolas Winding retoma un género infrecuentado, las road movies urbanas, y que sin embargo ha regalado un puñado de obras maestras (Taxi driver, The driver, El silencio de un hombre); Ryan Gosling (Half Nelson) apunta una vez más a premio, secundado por Carey Mulligan (An education, Wall Street II). Jane Eyre, de Cary Fukunaga, es una soberbia adaptación del clásico con alabadísima interpretación de Mia Wasikowska (Los chicos están bien). The artist, de Michel Hazanavizius, es una estilizada y embriagante recreación de las películas mudas en blanco y negro. Encandilan ante la cámara Jean Dujardin y Bitsie Tulloch.

50 ladrillos

2011-11-22T23:19:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 23/11/11

PANICO EN LA GRANJA

Nacionalidad: Bélgica, 75 min. Director: Stephane Aubier, Vincent Patar
Actores: (animación)

La película de la semana, sin lugar a dudas, es Un dios salvaje, de Polanski. Como alternativas más populistas están la romántica y anémica cuarta entrega de la saga Crepúsculo (Amanecer), y la testosterona de Asesinos de élite (no confundir con la brasileña Tropa de élite), acción hueca con la inexplicable presencia de Robert de Niro y Clive Owen. Los espectadores que busquen un cine diferente, original, fresco, tienen una joyita belga en formato de animación.

Los protagonistas de Pánico en la granja son muñecos de plastilina con peana, como los de los belenes navideños. En una pedanía rural vive una familia de granjeros, un guarda fronterizo y una casa de solteros compuesta por un caballo, un vaquero y un indio. Ante el inminente cumpleaños del équido, el indio encarga por Internet cincuenta ladrillos para construir una barbacoa, pero un despiste provoca que traigan cincuenta mil millones, y esa cantidad desmesurada provoca a su vez una cadena de aventuras. El inicio es un tanto plano y pueril; con la llegada de los ladrillos, la acción se dispara y se desmadra, en un gozoso 'vale todo' más cercano a Julio Verne y Jacques Tati que a Toy Story. Al encanto de los muñequitos caminando a trompicones, las llamas de cartulina y pegamento Imedio y la nieve de porexpan se suma una tramita amorosa entre el caballo y una yegua profesora de música, y unos graciosos seres anfibios. Gags de aroma clásico con irreverentes toques modernos. Película artesanal, modestísima, antítesis del 3D y el perfeccionismo impostado del Tintin de Spielberg. Canto a la anarquía, creatividad en estado puro, sonrisa garantizada.

Peleas de niños

2011-11-20T23:59:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 21/11/11

UN DIOS SALVAJE

Nacionalidad: Francia, Alemania, Polonia, 80 min. Director: Roman Polanski. Actores: Kate Winslet, Jodie Foster, Cristoph Waltz, John C. Reilly

Por terapia o rabia, Polanski sigue conjurando sus fantasmas judiciales con un agradecido rebrote creativo. En Un dios salvaje filma una premiadísima obra de teatro de la escritora francesa Yasmina Reza. El planteamiento no puede ser más simple: Dos niños se pelean en un parque, los padres se reúnen para calmar las aguas y acaban tirándose los trastos a la cabeza. Todo, excepto las secuencias inicial y final, ocurre en el reducido espacio de la vivienda de la pareja Foster/Reilly. Las tramas secundarias van por vía telefónica, el jaleo de Waltz con la farmacéutica a la que defiende y el baboseo de Reilly con su madre. La única y mínima acción es provocada por una sonada indisposición gástrica de Winslet y el exasperante telefonillo de Waltz.

En la película se aprecia la principal debilidad de la obra original: En la vida real, ese encuentro hubiera durado diez minutos o se habría escalonado en un par de visitas posteriores; se fuerza bastante la presencia de Winslet/Waltz. Indultado eso, es un hilarante psicodrama, con los personajes abriéndose y cerrándose, uniéndose y separándose en sucesivas combinaciones y cambios de ánimo, mostrando lo (poco) bueno y lo peor de sí mismos. Los actores están a la altura de sus currículos, entre ellos suman cuatro Oscars y ocho nominaciones. Polanski, por su parte, esquiva comparaciones con Woody Allen gracias al buen movimiento de cámaras de Pawel Edelman, el diseño de producción de Dean Tavoularis (El Padrino II y III, Apocalypse now) y la alegre música de Alexandre Desplat. Bajo su divertida simplicidad, Un dios salvaje esconde, como el mejor cine de Polanski, una potente carga de profundidad.

¿Que haría Azcona?

2011-11-17T02:41:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 16/11/11

CINCO METROS CUADRADOS

Nacionalidad: España, 84 min. Director: Max Lemcke. Actores: Fernando Tejero, Malena Alterio, Emilio Gutierrez Caba, Jorge Bosch

Ganadora de los premios más destacados del último Festival de Málaga (el principal referente del cine español previo a su estreno), Cinco metros cuadrados retrata el pinchazo de la burbuja inmobiliaria española. El argumento es muy real. Combina los tejemanejes de un promotor inmobiliario (Gutiérrez Caba) con un corruptible político local (Manuel Morón) y los de una pareja de prometidos (Tejera y Alterio) que se dejan embaucar y terminan siendo estafados. Las dos primeras secuencias son soberbias, con diálogos crudos y sutiles al mismo tiempo. Después comienzan las imprecisiones, saltos temporales abruptos, acción dispersa en varios ramales (las protestas de los engañados, las tensiones con los suegros) y detalles poco creíbles (que se vayan a un hotel cuando tienen dos sueldos) o mal explicados (qué ocurre con la hipoteca y las cuotas del banco). Problema adicional de tono: tanto la trama de los corruptos como el casting de Tejero y Alterio apuntan a una comedia; y la película acaba justo al contrario, con Tejero luchando a la desesperada como un quijotillo atolondrado.

En la cocina (metafóricamente hablando) de la serie televisiva The Wire, cuando el equipo de guionistas se atascaba, David Simon (creador-director-productor) alzaba la voz “¿Qué haría Shakespeare?” Con Cinco metros cuadrados me ha quedado el regusto de que no se le ha sacado toda la sangre, la bilis que ofrece el argumento. Azcona y Ferreri bordaron una tragicomedia (El pisito) hace cincuenta años; Lemcke se queda en una buen drama con leve tintura de comedia. Aún así es una película destacable por la actualidad del tema y las excelentes actuaciones.

¿Fue o no fue?

2011-11-14T09:42:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 14/11/11

ANONIMUS

Nacionalidad: Estados Unidos, 130 min. Director: Roland Emmerich. Actores: Rys Ifhans, Vanessa Redgrave, David Thewliss, Edward Hogg

La vida de Shakespeare mantiene zonas brumosas. Es normal teniendo en cuenta que han pasado cinco siglos y la documentación de esa época es bastante limitada, como resume Bill Bryson en su amena biografía. Sin embargo, a algunos les ha dado por convertir los jirones de niebla en agujeros negros. El guionista John Orloff, firmante de la rigurosa Un corazón invencible, y Roland Emmerich, director de sonados taquillazos, se apuntan a la teoría de que el verdadero autor fue el Conde de Oxford, amante de la reina y enfrentado con los maquiavélicos Cecil padre e hijo, y Shakespeare su marioneta.

Sin entrar en el fondo, la película es de una factura excelente: ambientación, vestuario, fotografía e integración de exteriores o interiores reales con imágenes computerizadas es impecable. En el reparto destacan Ifhans, Vanessa Redgrave, su hija Joely Richardson y Edward Hogg. El guión tiene buen ritmo, es ambicioso y también algo confuso, porque desarrolla una compleja trama de intrigas palaciegas saltando entre tres períodos temporales con actores cambiantes según la edad de los personajes.

Como ficción histórica, con hechura de novela superventas, Anonimus es más que entretenida. El problema (lo corroboran prólogo y epílogo) es que Emmerich se la toma en serio. En vez de un divertimento desinhibido, como Shakespeare in love, intenta vendernos un cúmulo de maniqueísmos (la bondad y sensibilidad del Duque de Oxford frente a la perfidia de los Cecil), exageraciones (muestra al verdadero Shakespeare como un bufoncete) y tinturas de culebrón (el incesto real). Planteamiento que atenta contra la inteligencia, sensibilidad y finura narrativa que mostró Shakespeare (fuera quien fuera) en sus obras.

Ni comen ni dejan leer

2011-11-10T00:55:00.000-08:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 10/11/11

(PASEO DE RONDA)

1. Aspiró al Oscar al mejor documental en la última edición. Ya está disponible en DVD Exit through the gift shop. Desde su celosísimo anonimato, el artista callejero Banksy narra la meteórica carrera de un espabilado francés (Thierry Guetta/Brainwash) que pasó de vender ropa de segunda mano a filmar las travesuras de los grafiteros y acabar forrándose con remakes de Andy Warhol. Entre la película y el material extra hay interesantísimas reflexiones sobre el cómo y el para qué del arte callejero, sus pulsiones entre la militancia social más o menos sincera y el mercantilismo peor o mejor asumido; los atajos y los callejones sin salida, los purismos y los celos. Y deja en el aire muchas preguntas: ¿Es, debe ser siempre, un arte espontáneo y delimitado? ¿Es evitable dejarse englobar/engullir por la apisonadora del mercadeo? ¿Donde está la frontera entre la ocurrencia y el talento?

2. Fue el hombre más temido durante medio siglo en Estados Unidos. Con los poderes y la información que recopilaba sin el menor remordimiento desde su poltrona del FBI J. Edgar Hoover tuvo agarrado a su país, desde el presidente hasta el último sintecho, por los mismísimos ejem! durante cinco décadas. Tanto, que Roosevelt recurrió a la metáfora de la tienda de campaña para justificar su permanencia (“Es mejor tenerlo dentro orinando hacia fuera, que fuera orinando hacia adentro”). Muerto en 1972, ha recibido palmadas y bofetadas en casi dos decenas de películas, desde Bananas de Woody Allen hasta J. Edgar, de inminente estreno. Clint Eastwood (¿quien si no?) narra el secreto a voces más extendido, su homosexualidad y la más que sospechosa relación con su ayudante Clyde Tolson.

3. Lo ilustraré con un ejemplo: La nave de los muertos, la primera obra maestra de B. Traven, cuesta en su edición española 22 €. En Amazon USA vale 7 € nuevo o 3 € usado en decente estado. En Amazon Inglaterra cuesta 10 € nuevo. Los gastos de envío son gratis o mínimos; las entregas, 3-4 días cuando el paquete viene del Reino Unido y unos diez cuando cruza el Atlántico. Es cierto que Amazon impone unas condiciones draconianas a los editores, pero también que es el mayor escaparate del mundo. Para las ratas de biblioteca, ha montado una red asociada de librerías de segunda mano que permite obtener libros descatalogados hace millardos de años a precios ridículos. En nuestro país los editores y libreros siguen empanados, dontancredizados, hamletizados mientras el suelo (no el de El Hierro) tremola a sus pies. Publican más que nunca con tiradas más bajas que nunca, ocultando las cifras de sus despropósitos y agarrándose al precio fijo cuando crisis y iPads dispersan a un creciente número de fieles. Sus reticiencias contra Amazon España suenan a música del Titanic.

El Robin Hood de los porteros

2011-11-10T00:38:00.000-08:00

Publicado en Diario de Mallorca el 10/11/11

UN GOLPE DE ALTURA

Nacionalidad: Estados Unidos, 99 min. Director: Brett Rattner. Actores: Ben Stiller, Eddie Murphy, Alan Alda, Téa Leone

Abierta la veda, todos se apuntan a la cacería. Si la interesante Margin Call recrea la crisis de Lehman Brothers, Un golpe de altura apunta al financiero Bernard Madoff (con nombre cambiado e interpretado por Alan Alda). La historia enfoca al personal del lujoso edificio de apartamentos en el que vive. Todos le han confiado sus ahorros; cuando agentes del FBI lo detienen, el gerente del inmueble (Stiller) y un delincuente de su barrio (Murphy) ensamblan una estrambótica cuadrilla para localizar y apropiarse de una importante suma presumiblemente escondida en el piso.

Con Ben Stiller y Eddie Murphy en cabeza de cartel y un director todoterreno (Brett Rattner, Hora Punta, X-Men Decisión final) queda patente que será una película comercial. Los emuladores de Robin Hood son buena gente con pequeñas debilidades, o delincuentes simpáticos. Todos muy reconocibles, demasiado, y con las aristas tan redondeadas que se pierde mucho potencial dramático. Por ello, como ocurre en tantos filmes similares, el humor se acaba fiando a forzados golpes de efecto, como el Ferrari de época golgado del ático del edificio o empotrado en el hueco del ascensor. Y eso es lo más gracioso de la película, porque el arranque es largo y anodino. Apoyan a los protagonistas, sin ninguna mención especial, Matthew Broderick, Gabourey Sidibe (Precious), Casey Affleck o Michael Peña.

Un golpe de altura vuela más bajo que su título por falta de mordiente. La crítica a los financieros que tienen al planeta en vilo queda taimada por la falta de puyas realmente divertidas e hirientes; y por el recurso a personajes estereotipados y situaciones demasiado inverosímiles. Entretenida, a secas.

El planeta azul de Escorpio

2011-11-06T01:56:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 6/11/11

MELANCOLÍA

Nacionalidad: Dinamarca, 135 min. Director: Lars von Trier. Actores: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt

Los cineastas, humanos ellos, tampoco se resisten a las modas. Lars von Trier se apunta a la cosmología y la ciencia ficción 'blanda', la que soslaya el rigor científico y utiliza el futuro como escenario para poner a los personajes en situaciones atípicas. Ejemplos inmediatos son El árbol de la vida o Another Earth.

Melancolia tiene dos capítulos. En el primero se desarrolla una suntuosa boda en la que la protagonista (Justine/Kirsten Dunst) sufre una crisis existencial que le produce una profunda tristeza. Poco a poco comprende que está relacionada con el acercamiento de un planeta llamado justamente Melancolía. En el segundo capítulo se reúne con su hermana (Charlotte Gainsburg), su cuñado (Kiefer Sutherland) y su sobrino, y juntos afrontan a la duda de si el planeta foráneo variará su rumbo o acabará colisionando contra la Tierra. El prólogo (y desenlace a la vez) es cine de altísimo voltaje, planos oníricos en cámara superlenta con el Tristán e Isolda de Wagner de fondo. La primera parte narra con extremada finura la crisis de la chica, silencios, comportamientos erráticos y las miradas de Dunst que le valieron un merecido premio en Cannes. John Hurt y Charlotte Rampling le dan una simpática réplica. La segunda parte tiene un punto de El ángel exterminador, de Buñuel, sólo que a cielo abierto. Los personajes enfrentándose a sus fantasmas interiores desde un entorno idílico. Dunst pasa a segundo plano, Gainsbourg y Sutherland están bastante, demasiado quizás, comedidos.

Melancolía es una película menos extrema que la anterior, Anticristo, pero sin que Von Trier renuncie a su peculiar visión del cine: Acción mínima, introspección máxima y momentos excelsos.

Perdido

2011-11-03T09:20:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 4/11/11

EL CHICO DE LA BICICLETA

Nacionalidad: Bélgica, 87 min. Director: Luc Dardenne, Jean Pierre Dardenne. Actores: Cecile de France, Thomas Doret, Jeremie Renier

Muestra adicional de la precaria Unión Europea es el mínima permeabilidad entre cinematografías. Por inercias de distribuidores y público de los países nórdicos sólo llegan thrillers, de Italia comedias costumbristas y de Europa central dramas sociales. Los hermanos Dardenne son unos destacados especialistas en este último género (Rosetta, El hijo), focalizados especialmente en jóvenes pre o postadolescentes braceando en entornos convulsos. Cyril (Thomas Doret) el protagonista de El chico de la bicicleta es un huérfano. De su madre no hay noticias, su padre le repudia, una peluquera de la localidad donde está el orfanato se encariña con él. Él joven, sin embargo, se muestra hiperactivo y desquiciado.

Como en anteriores películas, los Dardenne encuentran el punto justo del drama. La accion avanza a buen ritmo y aparenta ser muy verídica; no se recarga nunca el melodrama ni se subrayan innecesarias moralinas (como hizo la danesa En un mundo mejor). Pero se deja claro que, a pesar de unos servicios sociales voluntariosos, los huérfanos siguen siendo mal aceptados por la sociedad y ello les incita a rebelarse, con agresividad o dejándose tentar por la delicuencia. El atinado guión y el buen ritmo del filme se refuerzan con la soberbia actuación de Thomas Doret (muy creíble y expresivo en su primer trabajo ante la cámara) y el buen apoyo de la atractiva Cecile de France (Más allá de la vida) o Jeremy Renier.

El chico de la bicicleta es un gran drama, pero ojo (título y cartel engañan), no es una película de Disney. Los jóvenes que acudan a verla deben ir avisados de su dureza.

Tintín en Port Aventura

2011-10-30T01:09:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 30/10/11

LAS AVENTURAS DE TINTIN – EL SECRETO DEL UNICORNIO

Nacionalidad: Estados Unidos, 140 min. Director: Steven Spielberg. Actores: (animación)

Si es cierto que Spielberg (más George Lucas y Lawrence Kasdan) no conocían el cómic del rubio belga cuando pergeñaron a Indiana Jones, las similitudes entre ambos personajes son evidentes, llaneros solitarios, audaces y curiosos. Sus batallitas también, tesoros ocultos, pérfidos enemigos, persecuciones por medio globo y sugerentes nombres propios como el del barco Karaboudjan o la localidad Ghaddar.

Como el libro El secreto del unicornio no daba para un largometraje, Spielberg y Peter Jackson (productor y director de la 2ª unidad de filmación) lo han fusionado con El tesoro de Rackham el rojo. Para los incondicionales no falta el elenco completo de secundarios, Milú, Haddock, Hernandez y Fernandez, Tornasol y la Castafiore. La elección de una animación bastante realista se muestra acertada. No tiene el encanto de los dibujos porque se basan en una austeridad poco resultona en el cine. Se aprecia el dinero invertido y se han cuidado mucho detalles como las gracietas del perro o algunos efectos visuales con cristales o burbujas. A diferencia de otras películas de Dreamworks (Shrek) apenas hay un par de guiños cinéfilos (a Con la muerte en los talones de Hitchcock en títulos y una secuencia marina).

Como película de aventuras, el Tintín de Spielberg es impecable. Como película a secas, vista por el ojo crítico de un adulto, sufre una doble cojera: por un lado el bloqueo absoluto de Hergé hacia las tramas sentimentales; por otro, el exceso de secuencias enfocadas hacia el 3-D, el videojuego y (huele a) una futura atracción propia en algún renombrado parque temático. Los niños, garantizado, se lo pasarán bomba.

El tupé rubio se cuela por fin en la gran pantalla

2011-10-27T10:43:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 27/10/11

TINTIN Y EL CINE

Se estrena por fin la primera adaptación relevante de una obra gráfica de Hergé, Las aventuras de Tintín, subtitulada en España El secreto del Unicornio para aclarar de qué aventura se trata y sugerir próximas secuelas. Dos pesos pesadísimos en cabeza de cartel, Steven Spielberg como director y Peter Jackson como productor y codirector en la sombra.

La relevancia del estreno es doble: la novela gráfica sigue teniendo gran éxito entre las sucesivas hornadas de chavales, y mantiene un poso de grato recuerdo en estos cuando se hacen adultos. Al mismo tiempo extraña el desencuentro del personaje con el cine. Un motivo podría estar en el hipotético extremo celo de la Fundación Hergé para dar su visto bueno.

Las dudas a priori eran fundadas. ¿Actores reales o animacion? La animación es la opción más fácil pero refuerza el carácter infantil-juvenil de la obra; el público adulto sin niños pierde interés. Para encarnarlo en carne y hueso no basta un buen estilista y maquillador; hace falta un actor que logre provocar una gran empatía. Con Asterix y Obelix se logró (Depardieu bordó al orondo galo); con Corto Maltes sólo ha habido un modesto intento con el portugués Paulo Pires.

Con un dilema adicional: Milú. Un animal real, por muy entrenado que esté, está bastante limitado en las escenas de acción. Combinar actores reales y animal de pegote hubiera llamado demasiado la atención. Difícil, muy difícil, era repetir un híbrido tan puro y creíble como el que logró Jackson con Gollum en El señor de los anillos.

Esa y otras dudas tuvieron Spielberg y Jackson. Tras unos vaivenes con los derechos de adaptación, y el trajín de ambos con sus proyectos en marcha (la saga de Indiana Jones y The lovely bones respectivamente), acabaron decidiéndose por un animación muy elaborada. Eso provocó más dudas, esta vez de los estudios cinematográficos, por las flojas recaudaciones de Monster house y Beowulf. Aunque Spielberg es un fanático de la cámara de cine clásica, con película de celuloide, ha cedido a su pasión por el aventurero rubio y la presión para que su nombre encabezara la matraca publicitaria. Se ha rodado en video con algunos actores y después se ha digitalizado a conciencia. En el mini aperitivo del trailer los personajes se mueven más como en un videojuego que en una película de acción estándar.

Penúltima y gran duda. ¿Han estado Spielberg y Jackson a la altura de sus currículos o han optado por una faena de aliño? ¿El guión es infantiloide o tiene la suficiente profundidad de personajes y guiños cinéfilos para satisfacer a los adultos más críticos? Spielberg comentó hace años que veía a Tintin como un joven Indiana Jones. Si ha seguido ese camino puede haber desnaturalizado al personaje; robado, o difuminado, su encanto. O quizás es cierto que comparten espíritu e inquietudes; al fin y al cabo ambos son fruto de fantasías oníricas más que traslaciones de personas reales. La respuesta a estas sesudas cuestiones, mañana.

Patria, pan e injusticia

2011-10-27T04:34:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/10/11

LA VOZ DORMIDA

Nacionalidad: España, 128 min. Director: Benito Zambrano. Actores: Inma Cuesta, María León, Marc Clotet, Myriam Gallego.

Adaptación de la novela de Dulce Chacón, La voz dormida narra el drama de las mujeres represaliadas en la posguerra civil de nuestro país, por militancia comunista o simplemente por ser familiares de republicanos. Se insiste en el coraje de mujeres y hombres que se negaron a asumir de forma humillante un pensamiento político y predicar una religión en la que no creían, o a delatar a familiares y amigos. El precio de esa negativa acabó siendo el mismo para todos, torturas, juicios amañados y fusilamiento o largas penas de cárcel, a una escala que algunos historiadores califican ya de genocidio.

Como retrato de ese horror, la película de Benito Zambrano es excelente. Analizando los referentes más recientes, está más cerca de Las 13 rosas (cuya acción transcurre durante la guerra) que de El laberinto del fauno o Pa negre, ambas sobre la posguerra. Estos dos filmes logran trascender mucho más, por la originalidad de una y por la superposición de rencillas y prejuicios rurales al conflicto político en la de Villaronga. La voz dormida se queda sin embargo en un relato de la lucha de un Goliat vengativo contra un David ingenuo y desarmado. Aunque sea real y sincero, aunque la represión llegó a ser mucho más cruel de lo que se muestra, todo es demasiado blanco y negro. La ambientación está muy trabajada, escapando del síndrome de Amar en tiempos revueltos. Los actores están todos a un nivel similar. Película muy emotiva, ejercicio noble de memoria histórica, que se resiente por la falta de matices y la evidencia del desenlace.

Descontrol de riesgos

2011-10-27T04:31:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 23/10/11

MARGIN CALL

Nacionalidad: Estados Unidos, 107 min. Director: J.C. Chandor. Actores: Kevin Spacey, Stanley Tucci, Jeremy Irons, Zacahary Quinto, Paul Bettany

Inspirada en la quiebra del banco de inversión Lehman Brothers hace tres años, Margin Call se focaliza en las 24 horas que provocaron la implosión de la empresa. Un analista de riesgos (Tucci) despedido, un ayudante (Quinto, el joven Spock en Star Trek) toma el relevo y descubre el timo de las hipotecas basura. Alertados sus jefes, se pasa a una noche de tensas reuniones y un suicida embate hacia adelante.

Confirmado (Wall Street o La red social) que los dramas corporativos pueden ser fotogénicos, el reto para el novel J.C. Chandor era no caer en la condescendencia cómplice (como la secuela de Wall Street) o un anticapitalismo demasiado militante. Lo logra con un guión muy trabajado y creíble y un reparto de altísimo nivel. Se tocan todas las facetas de la actual crisis: por un lado las bolsas financieras convertidas en un casino y sus operadores en codiciosos sin freno; por otro, se recuerda que las burbujas financieras son recurrentes desde hace tres siglos, y en ellas también tiene su parte de responsabilidad la gente corriente que cede a la tentación de confiar sus ahorros a los ambiciosos inversores. No se menciona el papel de las autoridades como reguladoras y vigías.

Si los diálogos reflejan con mucha finura la creciente tensión ante el colapso de la empresa, los actores clavan sus papeles. Jeremy Irons como sumo sacerdote, Kevin Spacey y Paul Bettany como dubitativos o abnegados capataces, Tucci y Quinto como cerebritos que venden su alma al diablo. Margin call asusta porque, a pesar de que Lehman Brothers se fue al garete, la economía de casino sigue imperturbada.

Tom y Gerri

2011-10-22T01:39:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 20/10/11

ANOTHER YEAR

Nacionalidad: Reino Unido, 129 min. Director: Mike Leigh. Actores: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Oliver Maltman

Prosigue Mike Leigh su fijación por las historias mínimas, cotidianas, agridulces. Recurre en Another year al formato, poco novedoso, de las cuatro estaciones del año. Se centra en un matrimonio a punto de jubilarse; Tom (Jim Broadbent) trabaja como geólogo en una constructora; Gerri (Ruth Sheen) como psicóloga en un centro social. Sus hobbys son la lectura y cultivar un huerto en las afueras de la ciudad. Ambos son positivos, sociables y entrañables. Son casi perfectos para remarcar su cordura en un reino de amargados. Lidian, alternando paciencia y firmeza, con la inexorable y desesperada soltería de sus amigos Mary y Ken.

Todo ocurre con una naturalidad excelsa. Premiosa, porque las dos horas se hacen un poco largas para un argumento tan fino. Fino pero muy real. Se plantea si el matrimonio es feliz porque han tenido suerte o se la han ganado esforzándose por ser sensatos y optimistas. En la cara opuesta, el espectador se angustia de que los solteros no logren dar ni un pequeño paso para superar sus obsesiones y sus excesos con la comida o la bebida. Es un tema universal e intemporal, todos sabemos, o intuimos, cómo superar nuestras pequeñas o grandes carencias pero nos cuesta muchísimo pasar del dicho al hecho.

Jim Broadbent ganó un Oscar en 2002 con Iris, por soportar con tierno estoicismo el Alzheimer de la escritora Iris Murdoch. Es un actor magnético y versátil. Ruth Sheen le replica con sus saltones y dulces ojos; Lesley Manville está mejor como hiperactiva que como depresiva; impactante también David Bradley. Película modesta y auténtica, puro Leigh.

Highsmith en el Eixample

2011-10-18T11:34:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 18/10/11

MIENTRAS DUERMES

Nacionalidad: España, 102 min. Director: Jaume Balagueró. Actores: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martinez, Carlos Lasarte

Como en la mayoría de historias de suspense, mentar el argumento es un sacrilegio, por lo que me limitaré al dramatis personae: comunidad de vecinos, presidente tocanarices (Lasarte), solterona con perrillos falderos (Martínez), chica guapa con novio ausente (Etura), portero ubicuo, soltero, introvertido y misterioso (Tosar).

Quizás para mostrar su versatilidad, o como sincero paso adelante, Jaume Balagueró filma un guión de Alberto Marini diametralmente opuesto al de REC. Frente al gore versión 3.0, efectista y efectivo, Mientras duermes recurre al suspense más clásico. César es el protagonista absoluto, perfectamente delineado y trabajado, pérfido, sólido, escurridizo, manipulador y resentido. Con leves rasgos, rasguños casi, de alter egos como Harry Powell (La noche del cazador), Travis Bickle (Taxi driver), Carter Heights (De repente un extraño), el estudiante de El cuchillo en el agua de Polanski, o David Kelsey de la novela Ese dulce porvenir de Patricia Highsmith. Como ellos, César combina de forma explosiva frustración y acción, sensibilidad y crueldad, amabilidad e impenetrabilidad, imaginación y desesperación. Es un papel ultraexigente, apto sólo para dos actores nacionales, Javier Bardem o Luis Tosar. En estado de gracia, Tosar borda una vez más su interpretación, a la misma altura que las de Celda 211 o Te doy mis ojos. El resto de actores, director y músico se ponen a sus pies.

Mientras duermes tiene aciertos adicionales, como que gran parte de la acción ocurre de día; y debilidades, como la inverosimilitud, la endeblez del personaje de la chica o las refinables menciones del paso del tiempo. Pequeñas faltas que no emborronan el resultado, un memorable filme de intriga psicológica.

Los tiempos no están cambiando

2011-10-13T12:51:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 13/10/11

1. Evolucionan, se agitan se calman y se vuelven a agitar desde épocas antepretéritas. Para bien de unos y mal de otros (pregunten a los dinosaurios). Las salas de cine han recibido un meteorito tan imprevisible y letal llamado World Wide Web. Las colas, risas, susurros y escarceos amorosos de antaño han dado paso a la deprimente soledad presente. En su avatar actual los bucaneros (informáticos) son sus verdugos y los piratas (del Caribe) su último tablón. Pero, como ocurrió al Titanic, hay más ocupantes (salas) que salvavidas disponibles. La última víctima, en nuestra metrópoli isleña, son los cines Metropolitan.

2. (Mala) suerte similar sufrieron los antepasados del ceramista inglés Edmund de Waal. Tras heredar una colección de miniaturas japonesas (netsukes) el hombre comenzó a investigar la historia hasta ese momento poco familiar de sus ancestros. Resulta que el protagonista de En busca de el tiempo perdido se inspiró un lejano pariente suyo. Miembro de una familia judía, los Ephrussi, que pasaron de comerciar grano en el sur de Rusia a poderosísimos banqueros europeos, casi al nivel de los Rotschild, con doble sede en París y Viena. La Primera Guerra Mundial les dejó muy tocados; Hitler, y la incapacidad de ellos para anticipar el tornado xenófobo, les hundió del todo. Sólo los netsukes sobrevivieron al expolio. La narración en primera persona de De Waal se titula The hare with amber ayes (La liebre con ojos de ámbar, referido a una de las figuritas). Soberbio y a ratos muy emotivo retrato de las clases pudientes entre finales del XIX y principios del siglo XX, con un aire a los Ambersons de Orson Welles. Superventas en Europa y Estados Unidos, esperemos que llegue pronto a España.

3. De los magníficos Ambersons (El cuarto mandamiento en España) se sigue hablando. Se rumorea que el Rosebud personal del cineasta, y santo grial de las ratas de filmoteca actuales, es un director's cut de esa película, un montaje libre de mangoneos de ejecutivos. Como nadie lo ha encontrado, se sigue especulando con su existencia. La versión exhibida (disponible en DVD) aguanta viva y potente el paso del tiempo, planteando si Orson Welles era un genio a pesar de los productores, o si estos no eran tan nefastos arreglistas.

4. No está muerto pero emite equivalentes efluvios. Hollywood ha encontrado su San Martín en los anónimos Hollywood Leaks. Amparados, como no, en la Primera Enmienda de su constitución, unos filibusteros cibernéticos se dedican a robar borradores de guiones, reventar contraseñas de emails e infiltrarse en móviles de figuras del espectáculo. La moraleja tampoco es novedosa: libertad de expresión usada una vez más como excusa de un fatuo exhibicionismo.

Acción y reacción

2011-10-13T12:43:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 13/10/11

NADER Y SIMIN, UNA SEPARACION

Nacionalidad: Iran, 123 min. Director: Ashgar Farhadi. Actores: Peyman Moaadi, Sareh Bayat, Leila Hatami

Triunfadora en el último Festival de Berlin, Nader y Simin una separación narra un drama familiar, cotidiano, en el Iran presente. Arranca muy fuerte: un matrimonio acude a un juez para separarse; ella quiere emigrar a occidente, él se niega porque debe cuidar a su padre, con Alzheimer avanzado y porque su hija de trece años tampoco quiere viajar. La mujer se va a casa de sus padres; el hombre contrata a una asistenta para cuidar de su padre. A la asistenta le repugna el trabajo pero lo necesita porque su irascible marido está en el paro y endeudado. Las desavenencias entre Nader y la asistenta terminan con un accidente doméstico y un cruce de denuncias.

Hay referencias al regimen actual, el machismo, el fundamentalismo religioso y los remanente de justicia tribal, pero actúan sólo como pequeños agravantes. El meollo está en los personajes. Todos tienen circunstancias vitales que les empujan a una espiral de medias verdades, ocultaciones o mentiras. No hay buenos ni malos; todos actuan por supervivencia o por lo que creen realmente justo. Y el magistrado, aunque su sistema judicial sea más tosco, intenta sólo aclarar la verdad y aplicar los castigos pertinentes. El crescendo dramático es muy gradual y constante, sin el menor respiro. Las víctimas colaterales al final son las hijas de ambas parejas.

Hay un leve paralelismo entre Nader y Simin, una separación e Incendies. Mientras que esta última tiene pilares de tragedia griega, con la doble cara de mayor originalidad y menor verosimilitud, Nader y Simin... es un drama más terrenal con idéntica intensidad. Impacta, mucho, porque (con matices) es una situación que podríamos sufrir cualquiera de nosotros. Soberbia.

Divorcio para megatorpes

2011-10-11T01:22:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 11/10/11

CRAZY STUPID LOVE

Nacionalidad: Estados Unidos, 118 min. Director: Glenn Ficarra, David Requa. Actores: Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone

Tras la gratísima sorpresa de ¡Philip Morris te quiero! los directores Glen Ficarra y David Requa han optado por una comedia más convencional. Crazy stupid love gira en torno a los eternos sinsabores del amor con tres historias conectadas: Un matrimonio (Steve Carell y Julianne Moore) revienta a las puertas de sus bodas de plata; su hijo de trece años intenta que el amor platónico hacia su canguro pase a ser real, y un amigo de Carell (Ryan Gosling) sufre el castigo del cazador cazado.

El guión no acaba de encontrar una premisa creativa novedosa y afinar los personajes. El encuentro de Carell con Gosling, y su posterior amistad, son bastante forzados. La trama de la veinteañera va y viene como los ojos del Guadiana. A la de los más jóvenes le falta picante, desmadre tipo American pie. Y el desenlace se afirma sobre una innecesaria trampa narrativa. La medianía del libreto sólo despunta en esporádicos momentos: el master acelerado en donjuanismo de los dos adultos varones, y puntillos tiernos como las escenas del jardín o la del picadero de Gosling. A la realización también le falta la chispa que se espera de una comedia. Lo mejor de la película, y el principal motivo para verla, es su reparto: Carell insiste en su exitosa mezcla de comicidad y ternura; Gosling es un soberbio actor, con talento y proyección similar a Robert Downey Jr. A punto estuvo de llevarse un Oscar hace un lustro por Half Nelson y sigue seleccionando con inteligencia sus apariciones. Les arropan, con similar nivel, Julianne Moore, Marisa Tomei y Kevin Bacon.

Cuatro ratones

2011-10-05T10:13:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 5/10/11

FOUR LIONS

Nacionalidad: Reino Unido, 102 min. Director: Cristopher Morris. Actores: Rizwan Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, Adeel Akhtar

Si los Monty Python disfrutaran ahora su apogeo creativo quizás hubieran elegido el mismo tema que Four lions. En formato y tono de reportaje televisivo callejero, o de aficionado a Youtube con un mínimo de formación audiovisual, Four lions narra las peripecias de un peculiar comando de terrositas islámicos en Londres. Lo componen un predicador iluminado y obtuso, un segurata tan inteligente como acelerado, su hermano con un cerebro del tamaño de un guisante, un buenazo barbudo con similares (mínimas) luces, y un rapero despistado. Son tan tarados, chapuceros, bocazas e impulsivos que los jefes de Al Quaeda los defenestran y evitan. Ellos no se dan por vencidos.

Los gags se suceden como una ametralladora recalentada. Algunos con aroma a cine clásico: cuando corren imitando a Groucho Marx para no activar unas bombas, surrealistas diálogos similares de La vida de Brian o paridas dignas de Los tres chiflados. Otros, en el tramo final, de humor negrísimo, como el del pájaro bomba o la indigestión al tragar una tarjeta SIM; adobados todos con lenguaje irreverente y puyas constantes. Los envenenadísimos dardos del guión van en gran parte contra los islamistas, los aspirantes a terroristas o los fanáticos más pacíficos pero que mantienen sus tradiciones ultraconservadoras y machistas en Inglaterra. Tampoco pone mejor a las autoridades inglesas, haciendo una redada en el piso equivocado, confundiéndose de objetivo los francotiradores de la policía o participando en las detenciones ilegales de la CIA. Película incorrectísima políticamente, que no dejará indiferente a nadie (para bien o para mal) por su patente propósito de no dejar títere con cabeza.

Habitacion 59

2011-10-04T04:46:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 4/10/11

SOMEWHERE

Nacionalidad: Estados Unidos, 98 min.. Director: Sofia Coppola. Actores: Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Pontius

“-¿En qué habitación estás? -La 59. -Bono estuvo allí”. Un actor treintañero, introvertido, con éxito equivalente a Brad Pitt y físico semblante al cantante Jon Bon Jovi se aloja en el decaído y prestigioso hotel Chateau Marmont de Los Angeles. Pasea en su Ferrari, atiende actos promocionales como un viaje a Italia, acepta con bastante frecuencia los encantos del sexo opuesto y se aburre en el hotel. Cuando su exmujer le endilga a su hija de 11 años (Elle Fanning, Super 8) comienza a reconocer que algo falta en su vida.

Somewhere desconcierta al principio porque cuesta discernir si la directora quiere que nos compadezcamos o envidiemos al actor. Su agridulce far niente lo firmarían millones de personas. Rumiando la película a posteriori se acaba captando que el protagonista vive en un mundo hueco, donde el lujo y los placeres carnales son puros placebos. Que la solución esté en la familia perdida (la mujer desengañada y la hija descuidada) aunque no es la pólvora, es real. Y acierta Coppola en contarlo en tono bajo, planos largos, cámara estática, acción mínima. Lo muestra en detalles adicionales de su talento, como en la escena inicial del actor dando vueltas en un circuito desnudo o la que está recubierto por una máscara de maquillaje.

Sofía Coppola vuelve a incidir en su fijación por mostrar la humanidad de los famosos. Lost In translation tenía gracia por el choque de culturas, en Maria Antonieta frivolizó sobre un personaje polémico. Somewhere es algo más difícil de digerir por la extremada introversión de su protagonista, pero aún así es un sobrio retrato de una crisis existencial.

El hombre que pudo pintar

2011-09-30T05:04:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 30/9/11

LOS PASOS DOBLES

Nacionalidad: España, Suiza, 87 min. Director: Isaki Lacuesta. Actores: Miquel Barceló, Bokar Dembele, Alou Cisse, Mahamadou Camara.

Sostiene Isaki Lacuesta que las fronteras entre ensayo y ficción, entre cine de autor y comercial son encasillamientos falsos e interesados. Mantiene, desde la interesante Cravan vs. Cravan, su fascinación por los artistas aventureros. Los pasos dobles recrea la peripercia real de François Augiéras, un francés que en el siglo pasado fue expulsado de del ejército en una colonia africana, vagó por el continente, se enrolló con un albino, lideró un grupo de bandoleros, fue acogido como mesías por una tribu, vivió encaramado en un baobab y pintó en un bunker una obra según él equivalente a la Capilla Sixtina. En tiempo presente y formato de reportaje documental, cuatro africanos leen las memorias del galo y buscan ese búnker en un viaje igual de caótico y alegre. Miquel Barceló liga ambas tramas, pintando en sus cuadernos, decorando cuevas o forjando amuletos que ilustran momentos clave del filme.

Refiere Lacuesta como influencias a Pasolini o La vida de Brian. Añado dos más: Formalmente me ha recordado a I'm not there, el calidoscópico retrato de Bob Dylan. Lacuesta hace algo similar poniendo a un actor negro en lugar del piradillo francés. Y el argumento me ha recordado a la deliciosa El hombre que pudo reinar, de Huston/Kipling. Los pasos dobles es un experimento, un atrevimiento, una invitación a apartar, aparcar, aunque sea durante hora y media, un montón de clichés, de estereotipos, de prejuicios sobre África, sobre el cine, sobre el arte, sobre el sexo, sobre la vida. Cine optimista y mucho menos pueril de lo que aparenta. Un exótico refresco para los sombríos tiempos que corren.

Rebelde, ¿fracasado?, añorado

2011-09-29T10:55:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 29/9/11

NICHOLAS RAY

Se cumplen cien años del nacimiento de Nicholas Ray. Se está finalizando, post mortem, una obra inacabada y experimental (Nunca volveremos a casa) y Al Pacino encarnará a Ray en una película de Philip Kauffman.

Rebobinemos. Menor de cuatro hermanos, padre alcohólico. Precoz y fugaz apadrinamiento por escritor Thornton Wilder y el arquitecto Frank Lloyd Wright. Fuga a Nueva York y refugio bajo el ala de Elia Kazan. Su debut como director fue brillante, Los amantes de la noche (1949). Jóvenes atormentados delinquiendo porque el mundo les ha hecho así. Tema que retomaría y bordaría años después en Rebelde sin causa (1955) su incuestionada obra maestra, tatuada en nuestras retinas por el feromónico y chulesco porte de James Dean. Entre medias, un lustro frenético con once películas de sopetón: Un maternal y magistral western, Johnny Guitar, (Sterling Hayden a Joan Crawford: -“Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años, dime que te habrías muerto si yo no hubiera regresado, dime que me sigues amando como yo te amo...”). Dos notables películas con Bogart, Llamad a cualquier puerta y En un lugar solitario, (Ray comentó que si Buñuel hubiera estrenado Los olvidados un año después, su película hubiera sido mucho mejor). Y un variado de thrillers, dramas exóticos y acción bélica. Fijación por las inquietudes juveniles y los fantasmas interiores de los adultos. Mucho trabajo y pocos amigos.

En los años sesenta los españoles vivimos en primera fila su paso al cine épico y su épico batacazo. Rey de Reyes y 55 días en Pekín, rodadas en las afueras de Madrid, rompieron los escuálidos lazos con la audiencia y el gremio de Hollywood. Prejubilado a la fuerza, sólo le dejaron abierta la puerta de la docencia en una universidad del sur de Nueva York. Nunca volveremos a casa es fruto de esas lecciones.

La irregularidad de sus obras, su incapacidad para seleccionar, cuidar y madurar los proyectos se proyectó, o fue una proyección, de su vida personal. Se casó cuatro veces, se rumureó su bisexualidad (James Dean y Sal Mineo lo fueron; el matriarcado de Johnny Guitar también da que pensar) y se casó cuatro veces. Pilló a su segunda esposa, Gloria Grahame en la cama con su hijo de trece años. Se abandonó al alcohol. Cedieron sus defensas pero no sus defensores. Si en los primeros años recibió el aplauso de la Truffaut y Godard, en los últimos fue animado por Jim Jarmusch o Win Wenders. El alemán se atrevió incluso a filmar su testamento vital en Relámpago sobre el agua.

El tiempo no perdona pero tampoco resta méritos a la obra de Nicholas Ray. Maldito es un adjetivo subjetivo; irregular es innegable; fracasado es inaplicable al creador de Rebelde sin causa o Johnny Guitar . Se aguantan, se merecen, reiterados visionados.

Negro y castizo

2011-09-27T11:52:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/9/11

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

Nacionalidad: España, 104 min. Director: Enrique Urbizu. Actores: José Coronado, Helena Miquel, Juanjo Artero, Karim el Keram

Declaración de intenciones del título, en línea con Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Diaz Yanes) o la última película de Sidney Lumet. El guión de No habrá paz para los malvados es impecable, fundiendo las dos caras de la ley en su protagonista, policía degradado, perro viejo apaleado, hombre activo, agresivo, solitario y autodestructivo. José Coronado lo borda, salvo en fugaces momentos que pretende emular a Javier Bardem en No es país para viejos. Arranque poderoso, tan alto que es inevitable una leve desaceleración en el inicio del segundo acto. La subtrama de la juez y el comisario ofrece un extraño contrapunto. Tiene mucha menos intensidad pero muestra, con muchísima sutileza, las rencillas, corruptelas y negligencias más o menos dolosas entre estamentos policiales y su desconfianza del judicial. La cantante Helena Miquel parece una jueza; Juanjo Artero, por intentar desmarcarse tanto de Coronado y el Charlie de El comisario, parece un mayordomo. La trama islamista es la única concesión a la galería, aunque resuelta con efectiva sencillez. El final es desconcertante por abrupto y original por el mismo motivo. Excelente el ritmo, fotografía con marcados claroscuros, y música muy en la línea del género.

En su desesperada búsqueda del espectador perdido, el cine de autor y la comedia españolas están más perdidos que nunca. El de suspense/terror y el policíaco aguantan el tirón. Enrique Urbizu, como en anteriores filmes suyos o como en Celda 211 de Daniel Monzón, edifica sobre firmes pilares: guión sin fisuras, ambientación hiperrealista, protagonista fascinante, actor sobresaliente. Magnífica película.

¡Que llegue el invierno!

2011-09-25T23:56:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 22/9/11

PASEO DE RONDA

1. ¿Fracasado? Añorado. Se cumplen cien años del nacimiento de Nicholas Ray. Lejanos sus grandes éxitos (Rebelde sin causa, Joohnny Guitar), en los años sesenta Hollywood no le perdonó su mala vida y aprovechó dos sonoros pinchazos (Rey de reyes y 55 días en Pekin) para castigarle en el cuarto oscuro. Él no perdonó a su segunda mujer, Gloria Grahame, que se liara con su hijo Tony (hijo de Nick y Jane Evans) de trece no imberbes añitos. La cuadrilla de Cahiers du Cinema lo adoró; Martin Scorsese le piropeó, Wim Wenders filmó (con cariño según unos, morbo necrófilo según otros) sus estertores. Las décadas de silencio han puesto su legado, su obra, en su merecido sitio. Se está finalizando, post mortem, una obra inacabada y experimental (Nunca volveremos a casa) y Al Pacino encarnará a Ray en una película de Philip Kauffman. Continuará...

2. Donde dije digo, digo Diego. Se podría bautizar (me pongo la medalla) como el Efecto Beale, en homenaje al protagonista de Network. Se aplica con fruición en las franquicias del cine de terror para adolescentes. Cuando la sucesión de entregas comienza a cansar al respetable los corbatas de turno anuncian la siguiente como “Capítulo final”. Los espectadores pican el anzuelo, acuden en tromba y los productores, cuya palabra es tan fiable como la de los vendedores de coches usados, conceden una oportunidad más, o varias, a su áurea ave de corral. Pesadilla en Elm Street tuvo tres post capítulos finales; Viernes 13, ocho; La profecía, tres. Se anuncia ahora la quinta entrega de Destino Final como la definitiva. ¿Les creemos?

3. Vuelta al cole. Pasado el verano uno no sabe si ver el vaso (de cerveza pongamos) medio lleno o medio vacío. Si el nebuloso julio fue un alivio o un muermo, si el canicular agosto fue agradecido o insufrible. Si los estrenos cinematográficos fueron peores, similares o mejores que años anteriores. Si hay crisis de creatividad, ciclo decreciente en la Campana de Gauss o montaña rusa indiscernible hasta que pasen unos lustros. Como adjetivar es fácil, y gratis, pasemos a los números: Harry Potter y las reliquias de la Muerte (2ª parte), 880 millones de euros recaudados en todo el mundo; Transformers, la cara oculta de la Luna, 765; Piratas del Caribe, 722; Kung Fu Panda 2, 433; Fast & Furious 5, 422; Resacón en Tailandia, 392; Cars 2, 349. Análisis final, todo secuelas, casi todo para menores de doce años. ¡Que llegue el invierno, por favor!

La Vanoise

2011-09-21T01:15:00.000-07:00

Escapada a los Alpes franceses la primera semana de septiembre. Glaciares ocultos, marmotas juguetonas, búcaros esquivos, senderos cómodos, vistas espectaculares, compañía deliciosa.

Crimen y despido

2011-09-20T23:53:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 21/9/11

COMO ACABAR CON TU JEFE

Nacionalidad: Estados Unidos, 97 min. Director: Seth Gordon. Actores: Jennifer Aniston, Jason Bateman, Colin Farrell, Kevin Spacey

Buen tema para los tiempos que corren, con escalofriante porcentaje de parados y creciente número de trabajadores explotados o deprimidos. La premisa argumental de Cómo acabar con tu jefe recurre de forma explícita a un clásico de Hitchcock/Highsmith (Extraños en un tren), la posterior parodia dirigida y protagonizada por Danny de Vito (Tira a mamá del tren) y a Como eliminar a su jefe (1980). Como referentes más cercanos, está mucho más cerca de Resacón en Las Vegas que de Up in the air. Resumido: tres amigos sufren otras tantas variantes de mobbing: sobreexplotación con falsas promesas de ascenso, acoso sexual feminista (una dentista devorahombres a su ayudante) e incompatibilidad con el cocainómano hijo del jefe. Su desesperación les lleva a plantearse la treta de Hitchcock, intercambiar crímenes para despistar a la policía.

El tema, como otros, da para drama, comedia o tragicomedia. La blandura, los chistes fáciles o infantiloides, o la burla insensible están al acecho todo el tiempo. Cae en ellos un puñado de veces (los sustos del gato, la visita al local barriobajero) pero logra escurrirlos otras tantas. Sin llegar a la crítica profunda ni al humor negro puro, sí encuentra un punto de socarronería, desinhibición y humillación de los personajes que acaba provocando buenas carcajadas. A ello ayuda el renombrado reparto: Cumplen, sin acabar de despegar, los protagonistas. Aprovecha sus minutos el abarrotado banquillo: Contundente Kevin Spacey, sobrevalorada Jennifer Aniston, desmadrado Colin Farrell, original Jamie Foxx, entrañables Kevin Sutherland y Bob Newhart. Comedia intranscendente, evasiva y levemente reconfortante por aquello del “Mal de muchos...”

¿Existe Dios?

2011-09-19T11:37:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 19/9/11

EL ÁRBOL DE LA VIDA

Nacionalidad: Estados Unidos, 138 min. Director: Terrence Malick. Actores: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Hunter McCracken

Desde su primera película (Malas tierras) Terrence Malick jugó a la desmesura, vender como genialidades sus virtudes y escudarse en el malditismo para no reconocer sus inconsistencias. El árbol de la vida es la culminación de ese talentoso chute de ego.

La duración (casi dos horas y media) es el primer sandaliazo sobre el tablero. El primer cuarto de hora muestra a una familia americana en los años 50 que sufre la pérdida de un hijo y reflexiona sobre si es un mensaje divino de castigo o una prueba de su fortaleza; solapado con las secuelas modernas en el hermano del difunto. A continuación, veinte perplejos minutos de espectaculares imágenes documentales planetarias y estelares, incluyendo una recreación sobre la extinción de los dinosaurios (momento en que dos espectadoras abandonaron la sala musitando “Esto es una tomadura de pelo”). A partir de ahí Malick vuelve con la familia antes de la tragedia, sin reflexiones místicas, y borda su retrato, su humanidad: la machista hiperseguridad del padre para camuflar su miedo al fracaso, la sumisión de la madre, la polarización de los hijos, uno pacífico, otro acomplejado. Retrato sin conclusión (ya ha sido anticipada), limpio, preciosista, sensible, sutil. Reforzado con una subyugante fotografía, apurando encuadres y luces con la steadycam, y unas excelentes actuaciones: la contención de Pitt, la fotogénica naturalidad de Chastain y el magnetismo del joven McCraken. Cierra el filme con otra, breve esta vez, coda de neoecumenismo.

Ese larguísimo segundo acto es cine mayúsculo, merecedor de la Palma de Oro en Cannes. Inicio (con tufillo a Juan Salvador Gaviota) y final son piadosamente indultables.

Los benévolos

2011-09-14T23:54:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 14/9/11

LA DEUDA

Nacionalidad: Estados Unidos, 113 min. Director: John Madden. Actores: Jessica Chastain, Helen Mirren, Tom Wilkinson, Sam Worthington

Pocas semanas después de El caso Farewell llega otro thriller histórico de espías. La deuda es un remake de un filme israelí de hace cuatro años y narra una historia ambientada en los inicios del Mossad. Tres agentes judíos (dos hombres y una mujer) se instalan de incógnito en Berlin Este para secuestrar a un exnazi. La misión se tuerce pero ellos logran salvar la cara. Tres décadas después se ven obligados a completarla.

La alternancia entre pasado y presente para atar maromas sueltas es un recurso siempre efectivo en los thrillers (verbigracia El secreto de sus ojos). En este sentido John Madden alterna muy bien ambos períodos, y mantiene una tensión constante. Sin embargo, tres protagonistas implica afinar mucho la evolución psicológica de cada personaje; más el peliagudo dilema de maquillarlos exageradamente o doblar el número de actores. Madden opta por lo segundo, con desigual fortuna. Jessica Chastain y Helen Mirren alcanzan notable altura; Tom Wilkinson se come crudo y de un bocado a Marton Csokas; Sam Worthington y Ciaran Hinds no logran matizar la extrema introversión de su personaje. Hurgando en el tema de la película se aprecian vicios de tosco bestseller: el nazi secuestrado es un querubín al lado del protagonista de la novela Las benévolas; similar epíteto se puede aplicar a los jefes del Mossad, incapaces de detectar el fraude de sus agentes; y llama la atención la condescendencia con la absoluta amoralidad de la misión. La deuda queda por tanto en un entretenido folletín de espías, con burda y dudosa apología de las malas prácticas de los servicios secretos.

Pensión o redención

2011-09-13T23:13:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 13/9/11

MAMMUTH

Nacionalidad: Francia, 92 min. Director: Gustave de Kevern, Benoît Delépine. Actores: Gerard Depardieu, Yolande Moreau, Isabelle Adjani, Miss Ming

La pareja de cineastas Gustave de Kervern y Benoît Delépine repite el experimento, tras Louise-Michel, de fundir crítica social con un toque excéntrico, sin entrar en territorio Jeunet. El argumento de Mammuth tiene elementos que prometen: a) un carnicero iletrado y recién jubilado (Depardieu) busca justificantes laborales para poder cobrar la pensión, mostrando el submundo de los empleos basura y la economía sumergida; b) una road movie con la mítica y aparatosa motocicleta de los años 70 que da título al filme; c) una mujer (Moreau) con más redaños que su orondo marido; d) golpes de humor desinhibido -el encuentro con el primo, el parking del supermercado-; e) toque de realismo mágico con las apariciones oníricas de una accidentada examante del protagonista (Adjani); f) un paseo por el mundo del arte underground (Ming); g) fotografía mezcla de documental, con cámara en mano pegada al cogote o la nariz del protagonista, y de videoclip con grano excesivamente remarcado; y h) musiquita pop de anuncio veraniego. A), b), c) y d) carburan bien, incluso con e) si no fuera tan evidente la sangre de mentira. La trama de la sobrina artista y el toque de spot veraniego chirrían y diluyen la crítica a las desigualdades sociales en el país galo.

Más que exceso de ambición, los directores parecen haberse fiado demasiado de su intuición y sensibilidad. Mammuth deja una sensación extraña. Mejunje de estilos, gran interpretación de Depardieu y Moreau, y mensaje sobre la indefensión de los trabajadores modestos que, a pesar de las distracciones, acaba dejando poso.

Transgénesis

2011-09-13T23:08:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 4/9/11

LA PIEL QUE HABITO

Nacionalidad: España, 117 min. Director: Pedro Almodóvar. Actores: Antonio Banderas, Elena Anaya, Jan Cornet, Marisa Paredes

Adaptación libre de la novela Mygale del francés Thierry Jonquet, La piel que habito narra la vida de un mefistofélico cirujano plástico. Puntales de tragedia griega: fallecimientos en circunstancias muy adversas, sed de venganza, obsesión y redención al mismo tiempo. El inicio sugiere un remake sofisticado de El coleccionista pasando a sumergirse en cavidades más oscuras, terreno de Cronenberg o Villaronga. Incursiones que quedan en amagos, evitando truculencias y buceando en el Síndrome de Estocolmo, con detalles que se intuyen sacados de las experiencias de Natasha Kampush. A eso suma el manchego unos prescindibles guiños a su pasado, con la presencia de Marisa Paredes y el humor negro, descolocante, de la visita del brasileño. En la fotografía, escenografía y banda sonora reaparece su exquisito talento. Los brillantes temas musicales de Alberto Iglesias se adornan con la forzada y agradecida a la vez aparición de Concha Buika. En las actuaciones la frialdad extrema de Antonio Banderas es un acierto, con un porte que recuerda a James Bond o Jean Paul Belmondo en Al final de la escapada. Soberbios también Elena Anaya y el joven Jan Cornet.

Prosigue Almodóvar su fuga creativa, y cuesta discernir si es hacia adelante, atrás o de lado. Ha perdido el don de la fluidez narrativa y mantiene sus señas de identidad: su capacidad de crear ambientes singulares, la explosiva complicidad con el músico Alberto Iglesias y la excelsa dirección de actores. La piel que habito sufre de su irregular guión, superficial, confuso y chirriante en algunos momentos; pero en otros muestra que el cineasta está una galaxia por encima del resto de cineastas españoles.

Blanco como la nieve

2011-08-31T09:49:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 31/8/11

DINERO FÁCIL

Nacionalidad: Suecia, 124 min. Director: Daniel Espinosa. Actores: Joel Kinnaman, Matias Padin, Dragomir Mrsic, Lisa Henni

Adaptación de la primera novela del sueco Jens Lapidus, Dinero fácil narra una historia típica de tráfico de drogas en ambiente urbano desde un triple punto de vista, un chileno (Padín) miembro de la banda de narcos comandada por un árabe, un serbio (Mrsic) sicario de una banda rival de los Balcanes, y un sueco (Kinnaman) estudiante de economía y taxista a tiempo parcial que se acaba ocupando de blanquear el dinero del árabe. Se profundiza en las circunstancias personales de los tres y cómo llega a forjarse un amago de amistad entre ellos.

La película refleja bien el limitado glamour de la vida de los delincuentes, halcones más o menos duros, palomas prestas a ser devoradas en cuanto dejan de ser útiles y supervivientes (“gato viejo” se define Mrsic) con ganas de encontrar aires más limpios. Las referencias al pasado del trío tienen reminiscencias de La junga de asfalto, sin lograr esquivar los lugares más comunes: el amante de lo ajeno desde pequeño, el maltratado por su padre que intenta no comportarse igual con su hija y el chico de provincias obsesionado por asentarse entre los ricos. Quizás todo eso sea real, pero falta un punto de originalidad como el de la película Animal kingdom, la provocación de la trilogía de Stieg Larsson o la explícita crítica social de las novelas de Henning Mankell. Espinosa compensa las limitaciones del guión con una fotografía acertadamente fría, un montaje muy picado y un buen trabajo del reparto, especialmente de Kinnaman, cuya talla y porte recuerdan a Jeremy Irons en su juventud. Película interesante, recomendable, para los amantes del género policiaco.

Los otros Ni-Ni

2011-08-29T04:34:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 29/8/11

GIANNI Y SUS MUJERES

Nacionalidad: Italia, 90 min. Director: Gianni di Gregorio. Actores: Gianni di Gregorio,Valeria de Franciscis, Valeria Cavalli, Alfonso Santagata

Lo dijo Mae West hace varias décadas, la vejez no es para cobardes. Hace un par de años Gianni di Gregorio dirigió y protagonizó Vacaciones de Ferragosto, deslizándose en la piel de un entrañable parásito, un cincuentón que cuida a su madre y, por exceso de bondad, acaba ejerciendo de canguro de ancianas en el puente de agosto.

En Gianni y sus mujeres da un giro de tuerca al planteamiento y los personajes. Su progenitora es ahora rica, adicta al juego y al champán francés. Él, cerca de los sesenta, vive con una modesta jubilación en casa de su ex mujer y sueña con heredar la casa de su madre. Cuando un amigo le incita a resucitar su talento seductor, provoca sin querer un enfrentamiento con la impepinable realidad: dispara contra mujeres de veinte, treinta y cincuenta años, vecinas, criadas o amigas. Todas amagan interesarse y después le regatean con un “Qué bueno eres”, paga la cuenta, o quedándose dormidas sin un mísero beso. Se burlan de él cuando se acicala, sufre por error los efectos de las drogas de diseño en una fiesta, acaba resigándose.

Con el mismo ritmo premioso, humor taimado y música juguetona, di Gregorio llega aún más lejos que en su anterior filme. Presenta en este una visión muy cruda de los varones sexagenarios. Una generación sin salud, dinero ni amor. Hombres condenados a pasear perros (o nietos), contemplar el sol filtrándose entre los árboles, intentar arreglar coches desvencijados o sentarse en la terraza de un café a matar el tiempo. Película divertida y demoledora.

Las edades del desamor

2011-08-24T02:26:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 24/8/11

MANUALE D'AMORE 3

Nacionalidad: Italia, 125 min. Director: Giovanni Veronesi. Actores: Robert de Niro, Monica Bellucci, Laura Chiatti, Carlo Verdone

Afortunado Giovanni Veronesi por tornar una comedia romántica casi en una franquicia. La tercera entrega de Manuale d'amore cuenta tres historias, correspondientes a las edades de sus protagonistas, juventud, madurez y senectud, unidas por unos fugaces cruces y un cursilón taxista ejerciendo de cupido y subrayando con voz en off el tema de la película.

La primera historia va de un joven y ambicioso abogado enviado a un pueblecito costero para timar a unos payeses, viaje en el que se transforma por la bonhomía de los lugareños y los encantos de una rubia. Lo mejor, lo único bueno, es el gag del ascensor del chalet. La segunda historia revive la mejor comedia italiana de la posguerra, con un Carlo Verdone emulando a Alberto Sordi. Encarna a un famoso presentador de televisión que cae en las garras, fatalísima atracción, de una psicótica ninfómana. El argumento también es muy previsible, pero la genuina sobreactuación de Verdone y el gag del lance amoroso imitando animales regalan una sonrissa perenne y varias buenas carcajadas. El tercer relato es el plato fuerte, con Robert de Niro enamorándose de Monica Belluci. Más homenajes al cine transalpino, esta vez con un striptease inverso al de Sofia Loren en Ayer, hoy y mañana, de Vittorio de Sica. Menos risas, mucha ternura, y la maestría del actor italoamericano.

Manuale d'amore 3 es lo que es, evasión pura, bellos exteriores, interiores de teleserie, gente guapa o simpática y cuernos a diestro y siniestro. El binomio verdad/dolor aplicado a flechazos y rechazos amorosos. Filme pretencioso cuando se pone trascendente y efectivo cuando se concentra en hacer reír.

Baby Spielberg

2011-08-23T10:04:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 23/8/11

SUPER 8

Nacionalidad: Estados Unidos, 112 min. Director: J.J. Abrams. Actores: Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler, Noah Emmerich

La serie Perdidos le granjeó una legión de seguidores, una cuadrilla de detractores y un clamoroso éxito de audiencia. Sus escarceos en el cine (Mision Imposible III, Star Trek) confirman su vocación generalista. La admiración de J.J. Abrams por Steven Spielberg ha culminado en el presente dueto director-productor.

El arranque de Super 8 es impecable. Sutileza extrema en la explicación de la muerte de la madre del protagonista, afinada nostalgia en el grupito de chavales que ruedan una película en Super 8, (memorable actuación de Elle Fanning en la escena de la estación de tren) y espectacular accidente ferroviario con astuta siembra del misterio sobre la extraña carga. A partir de ahí Abrams mantiene las riendas con firmeza pero el guión pierde fuelle progresivamente: El enfrentamiento entre los padres de los protagonistas tiene un prescindible tinte de capuletos/montescos. El deslizamiento hacia la ciencia-ficción más clásica (ser alienígena oculto y maltratado por pérfidos militares) es un argumento ya rancio. En la fotografía no se acaban de explicar los reflejos azulados. Y la banda sonora carece de un estribillo pegadizo, como los de Tiburón o Encuentros en la tercera fase. A favor del cineasta los sustos son efectivos, la ambientación irreprochable, la química entre los jóvenes Courtney y Fanning notable, y la hiperactividad del resto de la pandilla contagiosa. El falso cortometraje final es tan simpático como justo de chispa.

El apadrinamiento de Spielberg a J.J. Abrams, aunque provechoso, desvela que el relevo está aún distante. Super 8 es un gran entretenimiento para todos los públicos, con fino barniz nostálgico, buen trabajo de los chavales y menguante suspense.

Dama de deshonor

2011-08-23T10:01:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 18/8/11

LA BODA DE MI MEJOR AMIGA

Nacionalidad: Estados Unidos, 125 min. Director: Paul Feig. Actores: Kristen Wiig, Rose Byrne, Elli Kemper, Jon Hamm, Chris O'Dowd

La inagotable factoría de comedias del director-productor Judd Apatow se abre definitivamente al público femenino. Kristen Wiig encarna a una Bridget Jones de la América semiprofunda. Empresaria fracasada lamiéndose las heridas de una pastelería finiquitada se refugia en axila y entrepierna de un rico e incomprometido amante (Hamm), rehuye proposiciones honestas de un vecino policía (O'Dowd) y escucha pero no aplica los consejos de su supuesta mejor amiga (Kemper). Cuando ésta le anuncia su boda, Wiig cree que ha tocado fondo. Sin embargo, en los preparativos de la boda surgirá una rival hiperrica, hiperguapa y hipersocial (Byrne) que la hundirá aún más en la miseria.

Wiig juega a ser una Sarah Jessica Parker campechana (he estado tentado de titular la crónica “Sexo en Milwaukee”) y muestra genuinos recursos cómicos. Sin embargo al doblar como guionista, con licencia para improvisar, cae en cierta complacencia. Sus penurias provocan empatía pero los mejores gags recurren (con frescura, eso sí) a gimnasia sexual, descontrol etílico o desajustes gástricos. Le dan réplica una Rose Byrne cada vez más expresiva y una Melissa McCarthy a punto de robarle el show, en un papel equivalente al de Zach Galifikianakis en Resacón en Las Vegas. En la cuota masculina a Jon Hamm (el rompecorazones de Mad Men) y Chris O'Dowd les toca hacer de sonrientes floreros. El toque Apatow se aprecia sólo, y fugazmente, en los compañeros de piso de la protagonista. Las risas y muecas adornan una impostada crítica al egoísmo de los ricos y un manido canto a la búsqueda de una auténtica vocación. Comedia liviana, bastante americana y muy femenina.

Humanos no gustar simio listo

2011-08-15T01:06:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 15/8/11

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

Nacionalidad: Estados Unidos, 105 min.
Director: Rupert Wyatt
Actores: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, John Litgow

Desde el rotundo éxito de El planeta de los simios hace casi medio siglo ha rondado por la cabeza de muchos creadores la pregunta de cómo unos chimpancés podrían dominar a una especie humana a punto de alcanzar los 7.000 millones de individuos. La pareja de guionistas Rick Jaffa y Amanda Silver han aprovechado el boom actual de los estudios genéticos y le han sumado unos experimentos realizados hace cuatro décadas (los proyectos Nim y Washoe) de criar chimpancés jóvenes en hogares y como si fueran humanos. Doran la píldora mezclándolo con investigaciones sobre el Alzheimer y añaden las obligadas escenas de acción, motín en el carcelario centro de primates, destrucción de los laboratorios genéticos y enfrentamiento final en el Golden Gate de San Francisco recubierto de una oportunista niebla.

Como espectáculo, da el pego. Sin embargo acercando la lupa se aprecian las torpes costuras del guión: Los primates se comportan como buenos salvajes, rebeldes por que el mundo los ha hecho así; los humanos se dividen entre buenos bobalicones (James Franco y Freida Pinto) y malos ambiciosos (el jefe del laboratorio) o violentos (el cuidador de primates, el vecino). La humanidad sólo se atisba en el animal protagonista (un Andy Serkis con menos posibilidades de lucirse que con Smeagold) y en un John Litgow que, como otros actores de su edad, da una soberana lección al resto del reparto. El mensaje es demasiado pueril, bienintencionado canto contra la codicia y el maltrato de otras especies. La realización es muy efectiva en fotografía y efectos especiales pero su ritmo es monótono, acelerado incluso en los momentos tranquilos. Película entretenida, palomitera y hueca.

Moscú no paga a traidores

2011-08-10T03:49:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 10/8/11

EL CASO FAREWELL

Nacionalidad: Francia, 104 min. Director: Christian Carion. Actores: Guillaume Canet, Emir Kusturica, Niels Arestrup, Fred Ward

El caso Farewell relata un episodio de espionaje relativamente reciente, cuando Mijail Gorbachov y Ronald Reagan taimaban la Guerra Fría y Pompidou jugaba a resucitar la grandeur de Francia. Basada en hechos reales, narra como un teniente coronel soviético (Emir Kusturica) pasó secretos de estado a un ingeniero francés (Guillaume Canet), la amistad que surgió entre ellos y las grietas en sus respectivas vidas personales.

El director Christian Carion se encara con un género muy traicionero: el tena ofrece abundantísima bibliografía de casos reales y al mismo tiempo el cine y la literatura han arraigado en los espectadores unos clisés muy irreales. Entre el enfoque sombrío de Le Carré y las aventuras circenses de James Bond o Bourne, el realizador opta por la vía del realismo modesto, en la línea del Carlos de Olivier Assayas. Como cineasta, Carion apunta buenas maneras sin llegar a encontrar una voz, un estilo propio. Lastrado además por la irregularidad del guión. Acierta en el relato de espionaje, mostrando bien la mezcla de valor y temor, los brotes de ego y cobardía de los dos protagonistas; y como su labor, por chapucera, pasó desapercibida. Y se resiente en las tramas personales, culebronescas y planas en los diálogos. Ante la cámara, buen trabajo de Kusturica y Canet, agradecidas apariciones de Niels Arestrup (Un profeta), o los americanos Fred Ward y Willem Dafoe. El caso Farewell se mueve entre dos polos: la potencia, por sensación de verismo, en la trama de espionaje y la impotencia, el flirteo con el melodrama, de las tramas personales. El balance sigue siendo interesante, reforzado por el buen reparto.

¡Heil Hydra!

2011-08-08T10:47:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 8/8/11

CAPITAN AMERICA

Nacionalidad: Estados Unidos, 121 min. Director: Joe Johnston. Actores: Chris Evans, Tommy Lee Jones, Hayley Atwell, Dominic Cooper

Si hace pocos días resaltaba la ramplonería ultraconservadora de Linterna verde, con un planteamiento algo similar Capitán America logra todo lo contrario. Si la película de Martin Cambell renunciaba a reflejar la Guerra Fria con los rusos en busca de una dudosa atemporalidad, la de Joe Johnston hace bandera de su onomastica, con una recreación nostálgica y alegre, ensoñadora y evocadora de los albores de la II Guerra Mundial. La historia va de un chico enclenque que, incapacitado para luchar en el frente bélico, acepta convertirse en un superhéroe para vencer a una secreta, ultrapoderosa y posteriormente autónoma facción del ejército nazi.

El guión está plagado de homenajes y referencias literarias (Frankenstein, Fausto), cinematográficas (Matrix, con la presencia de Hugo Weaving y un explícito gag final; Doce del patíbulo, ecos de James Bond...) y de comics de la misma editorial (destacado papel de un joven Howard Stark, futuro Iron Man). Camufla el patrioterismo criticando los numeritos para recaudar fondos (como Clint Eastwood en Banderas de nuestros padres); y no abusa de la violencia. Las gotas puntuales de humor no suenan a falsete y visualmente combina bien los grises tonos bélicos con imaginativos cacharros inspirados en el Futurismo de entreguerras. Ahí se ve la mano de Joe Johnston (Rocketeer). Y el acertado reparto pone la guinda. Evans convence tanto antes como después de recibir la poción mágica. Apoyado por excelentes secundarios, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Hugo Weaving o Toby Jones; Hayley Atwell y Dominic Cooper se quedan medio paso atrás. Capitán América confirma que la editorial y productora Marvel ha encontrado una efectiva fórmula de entretenimiento con razonables dosis de inteligencia y cultura.

El triunfo de la voluntad

2011-08-03T10:05:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 3/8/11

GREEN LANTERN (LINTERNA VERDE)

Nacionalidad: Estados Unidos, 105 min.
Director: Martin Campbell
Actores: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Tim Robbins

Basado en una novela gráfica de la editorial DC, Green Lantern es uno de los comics nacidos en el fragor de la Guerra Fría entre americanos y rusos. La historia va de un enfrentamiento intergaláctico entre una civilización noble (los Linternas Verdes) que obtiene la energía de las radiaciones positivas de sus integrantes; y una oveja descarriada que se alimenta del miedo de sus víctimas. Como en Transformers y similares, los humanos tenemos la desdicha de estar en el sitio equivocado en el momento inoportuno, y la suerte de que uno de nosotros es elegido por su innato e inconfirmado valor. Adobado, por exigencia del público palomitero, con una casta trama amorosa entre dos pilotos de caza.

La producción es cara y elaboradísima. En el reparto hay rostros razonablemente conocidos: Ryan Reynolds (Buried), Blake Lively (Gossip girl) Peter Saarsgard (Jarhead) o Tim Robbins (Cadena perpetua, Mystic river). Y el director Martin Campbell está solidamente fogueado con varias entregas de James Bond. Sin embargo, ello no logra camuflar la ramplonería del guión, por no decir algo más fuerte. Se puede tachar de remilgos de progre, pero el mensaje de Linterna verde es explícito y machacón: exaltación de la fuerza de voluntad y el valor frente al miedo y la indecisión, con apología de la tecnología militar y referencias adicionales a una raza elegida. Aunque intenta ser atemporal, con un argumento sencillo de buenos y malos, la reiteración del poder de la voluntad y la arenga soldadesca al final de la película recuerdan mucho, ¿demasiado?, al documental El triunfo de la voluntad (Leni Riefensthal, 1935) protagonizado por Adolf Hitler.

Escribir, beber y...

2011-08-03T00:06:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 2/8/11

PASSI EL QUE PASSI

Nacionalidad: España, 80 min. Director: Robert Bellsolá. Actores: Marcel Tomás, Carlota Bosch, Antonio di Matteo

En un reciente simposio de fotógrafos en Es Baluard, Joan Fontcuberta anunció que la fotografía clásica estaba muerta. Diluída, ahogada, por la “fotografía líquida” de los millones de aficionados que exponen y se exponen en Internet. Passi el que passi ha logrado venderse como un “cine líquido” equivalente, financiándose por medio de un acertado marketing viral en las redes sociales.

Aplaudiendo la audacia (inteligente o desesperada) de la producción y promoción del filme, toca ir al grano. Segunda cita del día: sostiene la rockera Patti Smith que en el arte hay que mostrar el talento, no las heridas. Robert Bellsolá, más que heridas muestra complejos. La historia va de un guionista bloqueado que se embarca en un libreto autobiográfico sobre los problemas sexuales de treintañeros con o sin progenie. Recurrir a la metaliteratura es una primera muestra de debilidad; burlarse de los gurús americanos de enseñanza de guión (McKee, Field) otra, ya que trasluce la endeblez propia. Centrar todo alrededor del sexo, por mucha causticidad o sutileza que se aplique, es una declaración adicional de impotencia creativa. La corta duración del filme remata el justísimo fuelle argumental. Sin embargo, entre todas esas autolimitaciones y complejos se aprecian atisbos de gran comedia. Algunos diálogos (el que da título al filme) los firmaría el mismísimo Woody Allen; el personaje del amigo deprimido es patético y genial a la vez; hay buenos gags de continuidad (el camino rural) o de alternancia (la cuadra de caballos); los actores disimulan o se hacen perdonar sus carencias; y los temas musicales están bien encajados. Condescendiendo con el amateurismo de la propuesta, hay frescura, empatía, bendita desinhibición.

Séptimo (divino) arte

2011-07-29T11:54:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 28/7/11

EL SEPTIMO SELLO, 50º ANIVERSARIO

Se cumple medio siglo del estreno en nuestro país de El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957). Cuatro años tardaron los censores franquistas en permitir que los mortales españoles compartiéran las reflexiones del sueco sobre la inmortalidad, tutelada o no por un ser supremo.

“La indiferencia me ha desconectado de todo. Vivo en un mundo de fantasmas, prisionero de los sueños. Quiero que Dios me tienda la mano, me enseñe su rostro, me hable.” La petición del caballero medieval (Max von Sydow) que ha retornado a casa se cumple a medias. Le tienden unas fichas de ajedrez; y su interlocutor no es Dios sino el hombre de la guadaña (Bengt Ekerot). Un ángel exterminador que no esconde su rostro bajo una capucha sino que esta le cubre solo el pelo, mostrando un rostro de facciones suaves y tez nívea.

La partida de ajedrez que juegan ambos ha pasado a la historia mayúscula del cine. El telón de fondo es apocalíptico, un país arrasado por los diezmos, la sangría de los movilizados por las Cruzadas y una inmisericorde plaga de peste bubónica. Bergman se pregunta, como en otras películas de su etapa intermedia, dónde está Dios, qué hace. Lo pregunta de una forma abierta (el encuentro del caballero con la muerte no puede ser más diáfano) pero después lo enriquece. El existencialismo del protagonista mantiene un poso de humanidad e ironía; la disparidad de carácter con su escudero es engañosa, relativa. La partida de ajedrez es una bella metáfora, de que el vitalismo y el determinismo pueden estar entrelazados. Aunque el resultado está decidido no por ello hay que dejar de jugar. Hay más lecturas, el viaje desiniciático, o regresivo si se prefiere; el hijo pródigo regresando a ninguna parte, o sí, a los brazos de su creador, la paradoja de la troupe de comediantes cuerdos en un mundo desquiciado. Hay pocas palabras y muchos silencios. Es cine atemporal, que no se debe revisar con el ojo crítico de si está o no pasado de fecha. Hay que verlo aparcando prejuicios o etiquetas, dejándose llevar, atrapar, reflexionando o simplemente admirando la inspiración de Bergman, la expresiva fotografía de Gunnar Fischer y el magnífico trabajo de todos los actores.

El séptimo sello está disponible en DVD (Manga films). Ingmar Bergman, buscador de perlas (Morphos, 2010) es una reciente aproximación al maestro. Para los fanáticos Taschen ha editado, en inglés, The Ingmar Bergman archives, una voluminosa y lujosa recopilación que incluye todos sus libros, un DVD con material inédito, una selección de fotografías y textos de especialistas como la introducción del actor, amigo y colaborador Erland Josephson.

Miss mamá regional

2011-07-27T10:15:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/7/11

LA PRIMA COSA BELLA

Nacionalidad: Italia, 122 min. Director: Paolo Virzí. Actores: Micaela Ramazotti, Valerio Mastandrea, Stefania Sandrelli

Uno de los exitos taquilleros del año en Italia, La prima cosa bella es un ejercicio de nostalgia reciente con un airecillo al ensalzado neorrealismo previo. La historia va de una familia corriente en una ciudad de provincias. La protagonista (Ramazotti) gana por casualidad a un concurso local de la madre más bella y eso marca su vida a partir de ese momento: celos desmesurados del marido, fuga con sus dos hijos y tumbos vitales a partir de entonces, encadenando una serie de amantes que sólo la pretenden por su agraciado físico. Todo ello se superpone con una trama presente, en la que la misma mujer (Stefanía Sandrelli) se enfrenta con optimismo a un cáncer terminal. Sin embargo, su hijo primogénito (Mastandrea) sigue atormentado por su dura infancia.

Aunque la película no llega a caer en el culebrón en ningún momento, tampoco llega a despegar. Su incidental coincidencia argumental con Beginners, confirma su simplicidad. Además explota mucho, demasiado, los localismos, los estereotipos de hombres machistas o calenturientos, y mujeres guapas, inseguras y viscerales. Localismo reforzado con la banda sonora, el tema de Nicola di Bari que da el título al filme y otros temas poco conocidos aquí. En el lado positivo se aprecia la humanidad de los personajes, la madre justita de talento para cualquier profesión y volcada con sus hijos; el hijo mayor debatiéndose entre la vergüenza y el cariño casi edipiano. El final es muy tierno. Más drama que comedia, justita en novedad y cualidades cinematográficas, La prima cosa bella permite asomarse a la historia reciente del país transalpino y recibir un modesto revulsivo emocional.

Con noticias de Paul

2011-07-26T03:07:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 26/7/11

PAUL

Nacionalidad: EEUU, Reino Unido, 99 min. Director: Greg Mottola. Actores: Simon Pegg, Nick Frost, Paul Bateman, Sigourney Weaver

Simon Pegg y Nick Frost han logrado dar un toque británico a los nerds americanos, acertando con una comedia paródica de terror (Zombies party) y otra de policías (Arma fatal). Paul está dirigida por Greg Mottola, otro buen equilibrista de comedia gamberra, inteligente y sensible (Supersalidos, Bienvenidos a Zombieland).Los que no hayan seguido la carrera de los protagonistas sí reconocerán enseguida el argumento. Recuerda muchísimo (aunque sea muy improbable su influencia) a la deliciosa novela Sin noticias de Gurb de Eduardo Mendoza.

Resumido: Pegg y Frost viajan a una feria del cómic en Estados Unidos y de allí parten en una autocaravana a divisar los sitios más famosos de avistamiento de OVNIS (Rosswell, Area 51). En su camino se les cruza un marciano (voz de Santi Millán) pasota, listillo y bocazas; y son perseguidos por la unidad secreta que estudiaba al alien (Bateman, Weaver), un par de patosos agentes del FBI y un bruto fundamentalista religioso. La mezcla de comedia friki, de acción y parodia (Encuentros en la tercera fase, E.T.) no cuaja del todo. La pareja de actores exige una complicidad previa con ellos que devuelve con gags demasiado burdos, tacos y bromas sobre genitales y otras partes corporales ocultas. La crítica del extremismo cristiano es correcta a secas. La persecución de los hombres de negro sí produce tensión y risas. Y el enanito verde tiene gracia pero acaba cediendo (aquí se ve la calculadora mano de los productores Bevan y Fellner) a la lagrimita fácil. Paul no tiene tanta gracia como obras anteriores de los actores y el cineasta pero es simpática, un ligero entretenimiento veraniego.

Listo para morir

2011-07-17T00:56:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 17/7/11

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (2ª PARTE)

Nacionalidad: Estados Unidos, 130 min. Director: David Yates. Actores: Daniel Raddclife, Ralph Fiennes, Rupert Grint, Emma Watson

La entrega final de Harry Potter da pie a voltear el dicho: primeras partes nunca fueron buenas. Cuesta comprender por qué la película del año pasado se hacía larga como un chicle estirado con el pulgar y la de este año se ve de un tirón. Primera pista, veinte minutos menos, lo cual, en un metraje que supera las dos horas, se agradece. Segunda, se concentra en los fundamentos: Harry contra Voldemort, con sus dos jovenes amigos aprovechando sus minutitos de gloria y Severus jugando un ambiguo papel para alargar, lo justo, el suspense. Tercera, regreso a Hogwarts. Esta vez en plan numantino, con escenas que recuerdan levemente a Las dos torres de Jackson/Tolkien. Cuarta, flashbacks emotivos aunque no plañideros para recordar el paso de la niñez a una consolidada madurez del prota. Quinta, equilibrio atinado entre batallas masivas, duelos personales y las atormentadas introspecciones de Harry; dosificación de las persecuciones, animales o espíritus y objetos mágicos.

El realizador, David Yates, remacha lo que apuntaba en anteriores entregas. Igual que el personaje se ha hecho adulto, las últimas películas de la serie tienen factura para ubicarse no con el género infantil sino en el de cine fantástico. No abusa de los virados tenebrosos, sigue apurando los encuadres e intercala algunas escenas luminosas para airear el filme. El reparto se mantiene como el flanco más débil. Raddclife y los adultos aguantan el tipo, Watson y Grint son igual de planos que hace una década. Sin novedad en la moraleja, exaltación de la familia clásica y la superación personal. Buen, no sobresaliente pero sí digno, colofón de la exitosa franquicia.

Soñando con tener un león

2011-07-13T01:50:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 13/7/11

BEGINNERS

Nacionalidad: Estados Unidos, 104 min. Director: Mike Mills. Actores: Christopher Plummer, Ewan McGregor, Melanie Laurent

Un hombre sueña con tener un león. Encuentra una jirafa, la adopta, y sigue soñando con el felino. Este proverbio citado en el filme define al protagonista (Ewan Mcgregor) de Beginners. Un diseñador gráfico de treinta años se duele del reciente fallecimiento de su padre (Cristopher Plummer), que a los 75 años salió del armario y poco después pilló un cáncer. Tristeza que no remite ni siquiera tras ligarse a una actriz francesa afincada en Estados Unidos (Melanie Laurent).

Mike Mills, curtido como director publicitario y de videoclips y estrenado con Thumbsucker, opone la vitalidad desbordante del progenitor frente a la introversión lánguida del retoño; y plantea la utopía del amor puro, níveo. La acción es mínima, encuentros y desencuentros de la pareja joven y flashbacks de los últimos meses de vida del hombre mayor. No cae en ningún momento en el melodrama y tiene momentos excelsos (cuando se conoce la pareja y ella simula tener laringitis); no provoca carcajadas pero se acerca en los efectivos diaporamas con voz en off o las monadas del perrito Jack Russell heredado. Mantiene el interés con el buen entrelazado de pasado y presente, refuerza la ternura con una suave banda sonora y explota el inmenso talento de los actores: la vitalidad del veterano, memorable, Plummer; la solidez de McGregor y la frescura de Laurent (El concierto, Malditos Bastardos). El único pero es que se reafirma tanto como cine de autor, europeo casi, que roza el diletantismo. Recomendable aún así por su buena reflexión sobre las tensiones que muchos vivimos entre las ganas de vivir y el miedo a sufrir.

Rollo McQueen

2011-07-12T10:31:00.001-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 12/7/11

CARS 2

Nacionalidad: Estados Unidos, 113 min. Director: John Lasseter.

De pareja bien avenida, la productora Pixar y la productora-distribuidora Disney pasó a matrimonio con todas las de la ley. John Lasseter y demás socios juraron, rejuraron y perjuraron que no se habían vendido al vil metal. Los escépticos (recuérdese que un pesimista es un optimista con experiencia) intuían próximo el momento de doblar la rodilla. Llegado ha.

La primera parte de Cars nos vendía el Shangri-la de unos Estados Unidos (la mítica ruta 66) previo al boom de las autopistas. Esta segunda, ávida por abrirse y comerse el mundo mundial, hace un refrito de competiciones automovilísticas (coches de serie, Nascar, Rally, Le Mans y F1 compitiendo juntos). Para no quedarse en un simplote videojuego, trama un sucedáneo de James Bond con energías limpias y sucias en liza. Otra decisión dudosa, como mínimo, es recular al protagonista (Ray McQueen) a un discretísimo segundo plano y relevarlo por Mate, la roñosa y deslenguada grua. Aunque provoca la simpatía perenne por los fracasados, su verborrea termina siendo mareante. La trama ecológica es escueta y pacata, ninguneando, inexplicablemente a los coches eléctricos o híbridos. Y el cameo vocal de Fernando Alonso es puro y obvio marketing. Escondido como guionista, por relajamiento o desenfoque, John Lasseter sí espabila como realizador, con complejísimas recreaciones de Londres o Tokio y un ritmo frenético. Cars 2 arrasará una vez más en taquilla y venderá trillones de juguetes y juegos para todas las consolas, pero la cruda realidad es que no alcanza el listón de muchas obras anteriores de Pixar. Seguro que remontan, como también que han tocado techo.

Como puedas

2011-07-07T08:08:00.000-07:00

Publlicado en Diario de Mallorca el 7/7/11

WIN WIN

Nacionalidad: Estados Unidos, 106 min. Director: Thomas McCarthy. Actores: Paul Giamatti, Alex Schaffer, Amy Ryan, Burt Young

El director Thomas McCarthy nos dejó un buenísimo sabor de boca con The visitor. Win Win va de un abogado de provincias que, como hobby, entrena a un patético equipo juvenil de lucha libre. Como el bufete está en horas bajas, el hombre cede la tentación de ofrecerse a cuidar de un anciano para embolsarse parte de su pensión. La visita de un nieto del vetusto cliente mejora las expectativas de sus pupilos deportistas y a la vez abre un resquicio a que se descubra su alegal trampa.

Uno tiene la impresión en varios momentos de la película de que los hermanos Coen con ese mismo argumento hubieran llegado mucho más lejos. O demasiado lejos. McCarthy logra armar unos personajes singulares sin llegar a los estrambótico; la lucha libre tiene más afición en América que en España, pero los problemas de los personajes son universales: el hombre de mediana edad que intenta salvar a la desesperada su profesión o negocio, la ama de casa que no puede o quiere ver esas dificultades, el anciano que no quiere ir a una residencia, el adolescente vapuleado que busca un referente adulto y se da cuenta que la única persona íntegra es su senil abuelo... Personajes que, gracias a que nunca se cae en el cinismo, el tremendismo o la lagrimita fácil, son personas, luchando con sus carencias, angustias e ilusiones. Personas de carne y hueso gracias al gran trabajo de los actores. Giamatti, una vez más, lo borda; Alex Schaffer sorprende con un difícilísimo papel, Amy Ryan y Melanie Lysnkey aguantan. Película de engañoso vuelo bajo, entrañable y quirúrgica al mismo tiempo.

No es tridimensional todo lo que reluce

2011-07-07T08:06:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 7/7/11

PASEO DE RONDA

1. Desinflados. Nublado por la hipóxica atmósfera de Avatar, James Cameron gritó a los doce vientos que el futuro del séptimo arte estaba en las gafas estereoscópicas. Calló que era uno de los mayores inversores en esa tecnología y deseaba amortizarla. Muchos inversores se contagiaron de su euforia. Poco ha durado: En EEUU, dos hiperestrenos de esta primavera, Piratas del Caribe 4 y Kung Fu Panda 2, sumaron el 65% de las pantallas y obtuvieron sólo el 55% de los ingresos. El sentido común ha terminado imponiéndose. Hay espectadores que se marean con las gafitas, o que no quieren o pueden pagar dos euros más; hay géneros que no ganan nada en 3D, hay directores que prefieren concentrar su talento en contar buenas historias y dirigir a buenos actores.

2. Menguantes. Amiga de Rosario Nadal, con la que (cuentan los cotilleros) comparte desayunos y confidencias, Gwyneth Paltrow se atrevió a decir que en Europa se vive mejor que en USA y se la apuntaron con tinta roja. Intentó reconciliarse con los rednecks interpretando a una cantante country en Country strong y le han dado la espalda. Megan Fox, al inicio del rodaje de Transformers 3 disparó contra su director Michael Bay, comparándole con Hitler. Steven Spielberg, productor de la película e hipersensibilizado judío, devolvió el tiro enviándola al paro. Uno de los pocos críticos de cine respetados, Roger Ebert, ha sufrido también la maldición/precipitación de Twitter con un desafortunado comentario sobre el deceso de Ryan Dunn, protagonista de Jackass. El horno no está para egos, por si alguno aún no se ha enterado.

3. Crecientes. La nueva mayoría de la Academia del Cine español ha decidido limitar la edad de los aspirantes (16 años) tras algunas quejas por la imberbez de los protagonistas de Pa negre. Se puede considerar una discriminación dudosamente democrática. O reconocer, como ha hecho el propio Villaronga, que son ligas diferentes. Es obvio que cuesta no mirar a los jóvenes actores con paternal (genética) indulgencia.

4.Olímpicos. La National Portrait Gallery de Londres expone hasta el 23 de octubre El glamour de los dioses. John Kobal, emigrado austriaco, periodista, actor y autor se dedicó, por gusto, a coleccionar retratos realizados por los departamentos de promoción de los estudios. Fotógrafos sin renombre y sin sueños de grandeza que hicieron lo que se les mandaba, ensalzar, inmortalizar, a una generación de actores y directores excepcionales. Londres bien vale una escapada para ver esta muestra.

Otros tiempos

2011-07-07T00:12:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 5/7/11

BLACKTHORN (SIN DESTINO)

Nacionalidad: España, Francia, Bolivia, 98 min. Director: Mateo Gil. Actores: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Magaly Soler.

Sostenía un director (¿Orson Welles?) que deberían prohibir rodar en Monument Valley porque esos paisajes estaban asociados para siempre con las películas de John Ford. Algo similar ocurre con los bandoleros Butch Cassidy y Sundance Kid, retratados con áspera energía por Sam Peckinpah (Grupo Salvaje) y con artificiosa y deliciosa condescendencia por George Roy Hill (Dos hombres y un destino).

Sorprende por tanto el valor del cineasta español, Mateo Gil, al resucitar a uno de ellos. Propone un Cassidy crepuscular (Sam Shepard), bien asentado en Bolivia pero con ganas de reunirse con su hijo en Estados Unidos. Intento que se tuerce cuando se cruza en su vida un buscavidas español (Eduardo Noriega). El nuevo/viejo Cassidy (camuflado bajo el apellido Blackthorn) tiene más similitud con los protagonistas de Sin perdón o El hombre tranquilo que el interpretado por Paul Newman. Es perro viejo, no ha perdido puntería pero sí olfato para detectar farsantes. Conmueve más por la interpretación de Shepard que por el guión, justito de tensión dramática y chirriante cuando se pone trascendental. Eduardo Noriega tiene gancho y currículo en España pero la faltan años y oficio para acercarse a la altura del actor, escritor y músico yanqui. Stephen Rea, en un breve papel, da otra lección magistral de interpretación. Más brillante se muestra el director con la fotografía, sacando petróleo de los agrestes paisajes bolivianos y en la banda sonora con los temas de blues primitivo. Aunque no brilla por su guión, Blackthorn tiene aromas de cine añejo, aventuras, bellos paisajes y un par de excelsas actuaciones.

Esto no es Brasil

2011-06-30T09:01:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 29/6/11

HERMANO

Nacionalidad: Venezuela, 97 min. Director: Marcel Rasquin. Actores: Eliu Armas, Fernando Moreno, Marcela Girón, Beto Benites.

Salvo el cine argentino, del resto de cinematografías sudamericanas sólo llegan a nuestro país dramas sociales. La venezolana Hermano sigue la línea de varias películas brasileñas muy alabadas: Ciudad de Dios, Tropa de élite, con un tema más cercano a la mejicana Rudo y Cursi, de Carlos Cuarón. Los protagonistas del filme son dos hermanos. El mayor (Eliu Armas) es más espabilado y pragmático; como no se hace muchas ilusiones con el deporte, se ha integrado ya en una banda de narcos locales. Su hermanastro (Fernando Moreno) es un talento puro, un Messi en potencia con idéntica inocencia. El asesinato de su madre y la visita de un ojeador de primera división ponen a prueba la solidez de su afecto fraterno.

La propuesta de combinar una historia de superación deportiva con la desasosegante visión de las favelas ofrece un respetable respiro. Y también previsibilidad, el deportivo es un género con final feliz, salvo que se enfoque desde el principio como cine- denuncia. Los dos primeros actos no lo hacen y la realización separa demasiado las dos tramas: escenas deportivas que parecen sacadas de un anuncio publicitario (ritmo muy vivo, música rock), e hiperrealismo en los conflictos del barrio, con lentos guitarreos inspirados en Ry Cooder o Gustavo Santaolalla. Eso provoca que Hermano no alcance la maestría de Ciudad de Dios o la contundencia de Tropa de élite, pero tampoco cae en el melodrama. El retrato de las favelas es auténtico, mostrando los matices y los difíciles dilemas vitales a los que se enfrentan sus personajes principales; y tanto director como actores echan el resto.

Laberinto de indecisiones

2011-06-27T23:50:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 28/6/11

SOLO UNA NOCHE

Nacionalidad: Estados Unidos, 93 min. Director: Massy Tadjedin. Actores: Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Guillaume Canet

Para su debut en la dirección, la guionista Massy Tadjedin (The jacket) opta por un drama sentimental urbano. El argumento es sencillo: un joven matrimonio (él -Sam Worthington- urbanista, ella -Keira Knightley- periodista y aspirante a novelista) sufre las primeras dudas sobre la fortaleza de su relación. Toda la acción transcurre en la noche del título (el original es más preciso: Anoche). Él viaja a una ciudad cercana en acompañado por una colega -Eva Mendes- por la que se siente mutuamente atraído; ella se reencuentra con un exnovio -Guillaume Canet- al que une su pasión literaria. La tensión del filme está en quien, eventualmente, cederá a la acechante infidelidad.

Este tipo de dramas exigen un equilibrio finísimo entre realismo, identificación con los protagonistas, huída de los estereotipos y profundidad de las reflexiones. Guión y actuaciones se entrelazan, para bien y menos bien. Los dos protagonistas, Worthington y Knightley intentan huir de taquillazos anteriores (Avatar, Piratas del Caribe) y demostrar que son actores 'serios'. Ambición que acaba distrayéndoles. Él acentuando su incólume introversión; ella, su extravertida inseguridad. Por huir de la pareja feliz, se evidencian tanto las diferencias entre los personajes que uno se acaba preguntando qué les une, amor, cariño o una amistad venida a más. Sin embargo se mantiene una interesante reflexión sobre la fragilidad del amor, la quimera de la media naranja perfecta, divertida, pasional, cómplice y capaz de ofrecer estabilidad en décadas venideras. Destacan también unos pulidos diálogos, la monocromática fotografía y, entre los actores secundarios, la naturalidad y vivacidad de Griffin Dune (recordado por 10 y Jo, que noche).

Ponga un chino en su mesa

2011-06-22T00:29:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 22/6/11

UN CUENTO CHINO

Nacionalidad: Argentina, España, 93 min. Director: Sebastian Borenzstein. Actores: Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel Santa Ana

Roberto (Ricardo Darín) es el dueño de una ferretería de barrio. Sin familiares cercanos, solitario, solterón y gruñón. Los rígidos pilares de su vida se agitan con la visita de una cariñosa amiga y, sobre todo, cuando se cruza en su camino emigrante asiático que busca a su tío sin el más mínimo conocimiento del castellano. El joven despierta el minúsculo corazón del ferretero, que lo acoge en su casa unos días y se replantea su celibato.

En su tercer largometraje, Sebastián Borenzstein muestra una provechosa cultura. El protagonista tiene rasgos (su obsesión con las noticias de accidentes extravagantes, sus manías con la comida y el sueño, sus bufidos a los clientes y proveedores) equivalentes a los de Jack Nicholson en Mejor imposible; su inmovilismo se aproxima al del clásico La ruta del tabaco de John Ford y da muchísimo juego cómico por las tensiones que genera a su alrededor. La relación con el chico oriental es típica de las buddy movies (Rain man, La extraña pareja y un larguísimo etcétera); Se completa con unos destellos de Las cartas persas, de Montesquieu, o La tesis de Nancy de Sender. Sin llegar a ser original, la primera mitad del filme provoca muchas carcajadas, empatía e incertidumbre. Sin embargo el final del segundo acto comienza a vislumbrar un estancamiento, y el tercer acto cierra las tramas con las opciones más convencionales y sensibleras. El conjunto merece a pesar de todo un aprobado, por los buenos momentos del principio y por la, una vez más, inconmensurable interpretación de Ricardo Darín. Inteligententísimo al seleccionar papeles, excelso al ejecutarlos.

Traviesos irredimibles

2011-06-20T00:07:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 20/6/11

MICMACS

Nacionalidad: Francia, 105 min. Director: Jena Pierre Jeunet. Actores: Dany Boon, Yolande Moureau, Dominic Pinon.

Tercera colaboración de Jean Pierre Jeunet (Delicatessen, Alien 3) con el guionista Guillaume Laurant. El argumento de Micmacs combina el surrealismo costumbrista de Delicatessen y Amelie con una trama de denuncia sociopolítica contra inescrupulosos traficantes de armas occidentales: Bazil (Danny Boon) pierde a su padre intentando desactivar una mina antipersona y, años después, recibe una bala perdida de un atraco. Salva la vida pero pierde el trabajo y es acogido por un grupo de estrafalarios y habilidosos indigentes. Bazil descubre que las dos municiones que han arruinado su vida son originarias de sendos y rivales fabricantes franceses. Con la ayuda de sus traviesos amigos urde un plan para provocar un enfrentamiento entre ambos empresarios y airear su falta de escrúpulos.

El planteamiento es loable; no cuaja del todo por la falta de finura en el diseño del protagonista. El surrealismo exige mucha imaginación; la denuncia, verosimilitud. Un hombre que era un empleadillo de un videoclub, tras sobrevivir a un balazo en la frente desarrolla de repente una inteligencia excepcional para engañar a dos poderosísimos capitalistas. Es una transición demasiado brusca o mal explicada. Salvo eso, la película ofrece elementos muy originales tanto de guión como de dirección, como la colección de piezas escatológicas de prohombres, los sueños del protagonista, las habilidades mímicas de Boon, la ternura de la matrona y la contorsionista, o una envenenadísima puya contra Sarkozy. En el reparto, dos grandes comediantes, Dany Boon (Bienvenidos al norte) y Domic Pinon, alter ego de Jeunet; arropados por sólidos o coloristas actores. Micmacs no alcanza el nivel de Amelie, pero mantiene destellos de la genialidad de su director.

Pirata culto, autor inculto

2011-06-17T00:08:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 16/6/11

DESCARGAS LEGALES

Mientras se rehace/retoca/recicla la Ley Sinde, la polémica sigue incandescente. Échemos más agua al fuego.

Un expresidente de gobierno definió a los españoles como ácratas con puntuales brotes reaccionarios. En la era pre digital hubo fraude a muy pequeña escala, elepés copiados en casettes, libros fotocopiados y VHS duplicados. La irrupción de los CDs, DVDs, WWW y eBooks dejaron sin querer abierta una puerta trasera por la que no tardó en colarse una legión de avispados: topmanta, Napster, emule, Torrent...

Las sociedades de gestión, con su torpeza, les dieron oxígeno en vez de ahogarlas. Si se cobra un canon por fotocopia o CD/DVD vendido, el sentido común indica que se autoriza implícitamente a copiar obras en esos formatos. Si eso está prohibido, ¿por qué cobran? Por la rendija abierta acabó entrando un huracán y en este momento se ha llegado a la situación de que mucha gente piensa que la cultura es o debe ser gratis. ¿Puede serlo?

Para un escritor literario, la inversión económica es mínima, horas de no sueño. De ahí en adelante sí que hay paganinis (y puestos de trabajo): editoriales, imprentas, transportistas, librerías. En la música los costes de producción se han abaratado muchísimo (estudios caseros de calidad más que aceptable) y muchos autores optan ya por el lanzamiento directo a la red. Pero Internet está saturado y destacar requiere un esfuerzo, o una suerte, desmedida. La opción clásica (discográficas, tiendas de discos o grandes comercios) implica inversiones y publicidad pagada.

En el cine, tres cuartos de lo mismo. Grabar una película en video no es complicado. Lograr una calidad mínima sí. Los actores, los iluminadores, los atrezistas... intentan vivir de su trabajo. Piratas del Caribe 4 ha costado 200 millones de euros. Incluso aceptando que esté inflado, mucha gente ha trabajado en esa película. En cada filme de Pixar, como Toy Story 3, trabajan cerca de 200 animadores. Y eso se aprecia en la pantalla.

Aceptando que hay unos costes ¿quien los asume? Sólo hay dos vías, ventas o subvenciones. Las ayudas estatales son, y serán cada vez, menores. Si las ventas (taquilla, DVDs) disminuyen por la sangría de Internet, se obliga a los profesionales a buscarse las habichuelas en otra parte. Y eso implica que su vocación artística pasará a ser un hobby. ¿Alguien cree que es posible hacer cine de calidad a ratos libres y pidiendo favores a todo el mundo?

Demos la vuelta a la tortilla. Asumiendo que Internet y la crisis han trastocado el tablero de juego, ¿se puede acceder a obras por un precio razonable (ergo, menor que hace unos años)? Respuesta: Sí, se puede. Amazon está a punto de desembarcar en España. En sus webs de Inglaterra, EEUU o Francia tienen muchos Cds musicales, o descargables, por 5 €, libros electrónicos por 8-9 €,y películas por 10-12 €, y ofrece películas en descarga, sólo en algunos países. iTunes ha popularizado la descarga de temas musicales por un eurito. Lo mismo hace con películas, a ese precio por alquiler y 4 € por compra. Hulu y Netflix tienen un catálogo de decenas de miles de títulos pagando una tarifa mensual. En Francia el referente es FilmoTv; en el Reino Unido, LoveFilm. Facebook y Youtube se preparan para adelantar ficha.

En España también comienza a moverse el negocio. Pixbox, la pionera, ofrece 2.000 títulos de cine y tv a 3 € (alquiler) y 4 € (compra). Filmotech está especializada en cine español a partir de 1,42 €. Filmin tiene un selecto catálogo de cine de autor con posibilidad de tarifa plana mensual (10 €). Cineclik y Wuaki dan sus primeros pasos con precios similares a las anteriores. Youzee dará que hablar dentro de poco.

La cultura gratis es un sueño de utópicos o cínicos. Los (presuntos) abusos de la SGAE tienen un impacto mayor en los comercios y locales que en las obras editadas o proyectadas. El que no paga es porque no quiere. Porque confunde cultura con educación. Con su desacomplejado acceso a la red, acaba siendo más culto que los autores que se rascan el bolsillo. Sin embargo, el saqueo de hoy lo sufrirán sus hijos y sus nietos del bucanero, cuando encuentren una oferta cultural de bochornosa calidad.

Síndrome del hermano mediano

2011-06-16T00:29:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 16/6/11

EL DIARIO DE GREG 2 – LA LEY DE RODRICK

Nacionalidad: Estados Unidos, 96 min. Director: David Bowers. Actores: Zachary Gordon, Devon Bostik, Rachael Harris, Robert Capron

Segunda adaptación de la exitosa novela gráfica de Jeff Kinney, a El diario de Greg le ocurre algo similar a Tamara Drewe: presenta unos personajes de carne y hueso, mucho más reales y reconocibles que los de muchísimas películas, pero al mismo tiempo no es capaz de armar un argumento más ambicioso y complejo. El título original no menciona al protagonista sino a su característica principal, su cobardía, aplicable a su vez a su familia entera. Los amigos de Greg son dos frikis, los padres muy volubles y manipulables, su hermano mayor un adolescente aprovechado; el caganidos va a su bola. Lo mejor de la película es eso, la relación de amor-odio del protagonista con el adolescente, su masoquismo (psicológico) para ganarse su aprecio aún sabiendo que el otro es un descerebrado. Es el llamado síndrome del hermano mediano: el pequeño es mimado o ignorado, el mayor ha comenzado su rebelión preadulta, el intermedio se queda en tierra de nadie recibiendo muchas veces por lo que no ha hecho, sin personalidad asentada, inmaduro todavía para seducir a la rubia de su clase. La realización no logra desmarcarse de las sitcoms televisivas o las comedias adolescentes, salvo insertos, casi por obligación, de breves fusiones con el cómic original. La banda sonora rompe un poco con el rock duro preferido del hermano mayor.

El diario de Greg se queda a mitad de camino entre la memorable nostalgia de la Aquellos maravillosos años y el humor más rotundo de Solo en casa o Manolito Gafotas. No provoca grandes carcajadas, pero gustará a los chicos de la edad del protagonista.

Adaptarse o morir

2011-06-13T00:00:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 13/6/11

HANNA

Nacionalidad: Estados Unidos, 111 min. Director: Joe Wright. Actores: Saoirse Ronan, Eric Bana, Kate Blanchett, Olivia Williams, Tom Hollander

El director inglés Joe Wright, especializado en adaptar clásicos literarios (Orgullo y prejuicio, Expiación) prueba un guión original de Seth Lochhead. La historia de Hanna es una reformulación del espía fugitivo (capitalizado por la saga de Jason Bourne) con variante familiar (padre e hija), refuerzo de cuentos de hadas y toques más leves de road movie y experimentos genéticos. Hanna, la protagonista (Saoirse Ronan), es la hija de un exespía de la CIA escondido en la tundra finlandesa (Eric Bana). El padre la ha educado con una enciclopedia y preparado para vengarse de su exjefa (Cate Blanchett). Tras activar un localizador ella es detenida y conducida a una cárcel secreta en Marruecos. Se fuga, huye a través de España con una familia neohippy y llega a Alemania, donde se produce el reencuentro con el progenitor y el duelo con la pérfida perseguidora.

Analizando con frialdad el argumento su verosimilitud es endeble, su profundidad escasa y los personajes poco matizados. Se intuye que Wright ha elegido el proyecto para mostrar que puede codearse con Fincher, Aranofsky o Lynch. Y logra acercarse mucho a ellos. Compensa los convencionalismos del guión con un buen manejo del ritmo, apoyado por la rotunda música de los Chemical Brothers, escenarios atractivos (el ruinoso parque de atracciones alemán), fotografía atrevida y buen trabajo de los actores, con sobresaliente para las mujeres. Saoirse Ronan combina su palidez física con un talento innato y desbordante. Cate Blanchett con pelo corto y teñido y un par de miradas se come a todo el que se le pone por delante. Más limitados se muestran Bana y Hollander. Película algo justa en plausibilidad pero entretenida y atractiva.

No están solos

2011-06-10T01:11:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 10/6/11

X-MEN – PRIMERA GENERACION

Nacionalidad: Estados Unidos, 131 min. Director: Matthew Vaughn. Actores: James McAvoy, Jennifer Lawrence, Michael Fassbender, Kevin Bacon

Prosigue la ofensiva Marvel de este verano (Thor lleva recaudados 300 millones de euros) con la segunda precuela de los Hombres X. Si la anterior, Lobezno, se centró en uno de los personajes, Primera generación apuesta por un reparto más coral. De hecho, el título original es First class, traducible libremente como primer día de clase. La jugada es inteligente. Si en Lobezno predominaban dos adultos formados (Hugh Jackman y Leiv Schreiber), esta entrega rebaja la edad del grupo planteando cómo un grupo de adolescentes descubre sus rarezas o poderes especiales y los van canalizando a favor o contra de la Humanidad. Los cebos para el público adulto son un actor consolidado (Kevin Bacon) otro emergente con palmito similar al de Jackman (Michael Fassbender, Fish Tank), un ramillete de bellos rostros aniñados (Rose Byrne, Jennifer Lawrence) y referencias históricas señaladas (el Holocausto y la crisis de los misiles de Cuba).

El reparto es acertado, la producción supera el elevado listón marcado por la Marvel. Sin embargo, el guión de Primera Generación peca de disperso y plano: El villano (Kevin Bacon) parece sacado de una película de James Bond; su pasado nazi es demasiado oportunista. Los jóvenes son demasiado imberbes, las chicas, inexpresivas. Y el tema de que los humanos somos poco de fiar para los incipientes superhéroes está muy manido. Los espectadores que busquen algo más que pirotecnia estival sólo apreciarán detalles puntuales, el magnetismo de Fassbender, la finura de McAvoy y la trabajada animación de escenas como el submarino expulsado del agua o el yate destrozado por su propia cadena de fondeo.

Valor de abuela

2011-06-07T10:22:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 7/6/11

POESIA

Nacionalidad: Corea del sur, 120 min.
Director: Chang-Dong-Lee
Actores: Yeong-Hie-Yun, Kim-Ri-Ha, David Lee

Ganadora del premio al mejor guión en el Festival de Cannes del año pasado, Poesía va de una abuela sexagenaria que se ve forzada a dar la cara por su familia. Primero su hija le coloca al nieto adolescente y se desentiende de él. Cuando el chico se mete en un turbio asunto de acoso escolar con tintes sexuales, la presionan para colaborar en tapar el escándalo. En paralelo se apunta a unas clases de poesía, cuida a un hemipléjico y confirma que tiene síntomas iniciales de pérdida de memoria.

La película deja la sensación de que se podría haber abreviado su metraje. Pero al mismo tiempo atrapa por la mezcla de naturalidad, sutileza y crítica social. Del machismo imperante (padres y docentes intentando silenciar un escándalo sexual, la homosexualidad levísimamente apuntada del profesor de poesía), el individualismo (la hija de la protagonista) y una insensibilidad general hacia los problemas del vecino. La disociación entre la belleza de la poesía y la dureza del mundo exterior proporcionan energías a la mujer e inyectan al mismo tiempo la semilla de un profundo desencanto. La dirección y fotografía son austeras, evitando un falso lirisimo salvo en las justificadas escenas inicial y final. En el reparto, excelentes Yeong-Hie-Yun (la abuela) y Kim-Hi-Ra (el discapacitado).

Poesía es anti Hollywood, por su premiosidad y la elección del personaje principal. Que a su vez son sus virtudes: el contraste entre la edad y la vitalidad de la protagonista, entre el dramatismo de los hechos y la suavidad realista del tratamiento. Película con cadencia y profundidad de buen, casi grande, cine de autor.

El presidente del siglo (diecinueve)

2011-06-02T08:09:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 2/6/11

Paseo de ronda

1. Reojo a Cannes. Sin conocer el desenlace del festival (cosas del directo, como decía J.Mª Iñigo) los cronistas presentes remarcan la sorpresa de El artista (película muda y en blanco y negro) y las decepciones de Piratas del Caribe 4 (previsible). El árbol de la vida confirma la mezcla de fascinación y dispersión de Terrence Malick (Malas tierras, La delgada línea roja) Kaurismaki mantiene su gélido humor; Von Trier, sus dotes de provocación.

2. Repaso a la taquilla. Rodillo americano, con predominio de fantasías más (Código fuente, Sin límites) o menos científicas (Caperucita roja), superhéroes (Thor), los mamporros de siempre (Fast and Furious 5) y los dibus preveraniegos (Rio). Águila roja ha pasado sin pena ni gloria, no se podía esperar más de una Tvmovie tan sosa. Globalmente, los Oscars vuelven a ser una bendición. El discurso del rey acumula 300 millones de euros sobre 10 de presupuesto y El cisne negro 210 recaudados sobre 9 de presupuesto. En Palma (al menos) Incendies aguanta el tirón y lleva dos meses largos en cartelera. Merecidos, es la mejor película del año hasta ahora.

3. Regreso a la Costa Azul. Este año se ha cumplido medio siglo de la única Palma de Oro obtenida por un cineasta español, en circunstancias muy peculiares. Buñuel había regresado a España, en son de paz en apariencia. Presentó un guión inocuo titulado Viridiana que obtuvo el visto bueno las autoridades franquistas. Utlizando como excusa el buen hacer de los galos en posproducción, remató en París la película, y entregó la copia un día antes de ser visionada en el festival. El Director General de Cinematografía comprobó que el maño le había colado una serie de imágenes irreverentes. Aún así aceptó recoger el premio. Al regresar a Madrid fue fulminado. Buñuel aún se debe estar riendo.

4. Resurrección de un presidente. Casual es la referencia a Abraham Lincoln en el título original de El inocente (The Lincoln lawyer) ya que se refiere sólo a un modelo de automóvil americano. Causal es el biopic, mentado en anteriores paseos, que está siendo dirigido por Steven Spielberg. Casual es su presumible coincidencia en pantalla con una versión gore del estadista (Abraham Lincoln, cazavampiros) dirigida por el ruso-kazajo Timur Berkmambetov (Guardianes de la noche, Wanted). Causal es el estreno, para después de verano, de la última película de Robert Redford, The conspirator, sobre la única mujer implicada en el histórico magnicidio.

La extraña pareja

2011-05-30T11:06:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 30/5/11

EL CASTOR

Nacionalidad: Estados Unidos, 91 min. Director: Jodie Foster. Actores: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence

Un empresario sufre una depresión profunda, que provoca ruptura familiar y flirteo con el suicidio. En su momento más bajo recoge un castor de peluche de un contenedor, que acaba, en forma de mascota ventrílocua, reanimando y dominando al mismo tiempo a su nuevo dueño.

La clave de El castor es si al espectador le parece real el planteamiento. Es un drama psicofamiliar con un toque alegórico y notas extrañas y a la vez sugerentes: Cuando el muñeco toma el mando me recordó a El sirviente de Losey, la crisis familiar a American Beauty o la serie televisiva Breaking bad. Y me ha atraído mucho el tema que plantea. A problemas extraños, soluciones extremas; con una segunda parte muy sugerente: una vez que se ha salido del pozo, ¿se puede volver a la situación anterior idéntica, o hay que construir un futuro desde cero? Más, el muñeco de peluche ¿es una muleta provisional o una articulación artificial? Las lesiones (psicológicas en este caso) ¿son efímeras o permanentes? Hay una trama secundaria entre el hijo adolescente y una compañera de clase que entra en terreno más manido. Guste más o menos el guión, la dirección y las actuaciones son irreprochables. Extraña pareja la formada por Jodie Foster (actriz y directora) y Mel Gibson. Ella hiperculta (graduada cum laude por la Universidad de Yale); él ultracatólico y con episodios de violencia machista y adicciones etílicas. Por eso quizás borda al atormentado protagonista. Excelentes también los jóvenes, Yelchin y Lawrence (nominada esta año al Oscar por Winter's bone). Creíble en mayor o menor medida, El castor tiene sustancia y no deja indiferente.

La sombra de Ernesto

2011-05-26T09:37:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 26/5/11

FERIA DEL LIBRO 2011. VIAJES CINE.

Creímos ver la luz al final del túnel de la crisis y, como el macabro chiste, resultaron ser los faros del tren. Ante eso sólo queda la evasión pura y dura. Romper la hucha, rascarse el bolsillo, cargar la mochila y esprintar al aeropuerto. Para los que están grapados al sillón de orejas la oferta también es generosa, desde la ex de uno de los mitos literarios del siglo XX hasta un variado menú de guías, novelas y curiosidades para los cinéfilos.

Viajes

Cinco viajes al infierno (Marta Gellhorn, Ediciones Altaïr, 23 €) Subtitulado “Aventuras conmigo y ese otro”. El otro es el marido de la autora durante un lustro, en el que viajaron por todo el mundo. Protegiéndose de la metralla durante la Guerra Civil Española, acampando con hippies en el Mar Rojo o navegando en sampan por el interior de China durante su guerra con los japoneses. Ese otro se apellidaba Hemingway, Ernesto para sus muchos amigos españoles.

Catorce veces ocho mil (Edurne Pasaban, Josep Mª Pinto, Planeta, 18,90 €). La alpinista vasca es ya, de facto, la primera mujer en conquistar los catorce ochomiles. En este libro evita detalles técnicos, vías, alimentación o aclimataciones para profundizar en el lado humano, sus pasión, dudas, tristeza ante tragedias próximas y las difícilmente narrables sensaciones al alcanzar cada cima.

Transatlas Marruecos BTT (Jorge Diví, Desnivel, 16,80 €). Para los fanáticos de la bicicleta de montaña es uno de esos viajes de una vez en la vida, equivalente a la Transpirenaica o la Senda Apalache para los senderistas. 33 etapas por el Saghro, Medio y Bajo Atlas. Un sueño, un reto, un ¿por qué no?

Pirineos, 50 excursiones a los lagos más bellos (Jordi Longas, Lectio, 23,80 €) Los adictos a la naturaleza pura encontrarán medio centenar de rutas fáciles para llegar a los lagos que sostienen, junto con un puñado de cumbres, la merecida fama de la cordillera pirenaica.

Praga y Budapest en tu bolsillo (VVAA, Everest, 9,95 €) Los urbanitas o sufridores de la crisis tienen esta opción “low cost”. Dos ciudades cercanas, económicas y con similar e intacto encanto.

Cine

Finales de cine. 77 películas para recordar. (Óscar López, Pablo Vilaboy, Alianza, 19,50 €). El catón explaya que toda gran película debe tener un inicio impactante, un intermedio decente y un final memorable. López y Vilaboy justifican su subjetiva selección sobre la objetiva y duradera impresión que les causaron los filmes destacados. Impresión que muchos lectores compartirán y recordarán.

Agua para elefantes (Sara Gruen, Alfaguara, 17,90 €) El argumento de este bestseller estrenado hace poco en las pantallas grandes es un tanto acaramelado, pero la recreación del mundo del circo en los difíciles años posteriores al Crack del 29 está muy lograda.

Lost. Enciclopedia oficial de Perdidos. (Tara Bennet, Paul Terry, Grijalbo, 34,90 €). Los pasajeros del vuelo 815 fueron encontrados y comieron perdices (los que pudieron). Y dejaron a los fans de la serie televisiva con hambre de saber más. Esta enciclopedia lo cuenta Todo. 400 páginas, 1500 ilustraciones, explicación de los personajes, claves de los misterios... Con prólogo de los productores Damon Lidelof y Carlton Cuse.

Películas clave del cine de superhéroes. (Quim Casas, Ma non Troppo, 21,90 €). Los superhérores vuelven a estar de moda, empujados por el tirón de la Marvel y la inmortalidad de otras franquicias. Este libro es un ameno mix de orígenes, argumentos, detalles técnicos y anécdotas de rodaje. Una excelente guía para visitar el videoclub y meter las palomitas en el microondas.

The Misfits (Elliott Erwitt, Phaidon, 19,95 €, en inglés). La película reunió a media docena de monstruos, en el sentido superlativo del término. Delante de la cámara Clark Cable, Montgomery Clift y Marilyn Monroe; detrás John Huston y Arthur Miller, esposo por entonces de la voluptuosa rubia. Junto a ellos, el fotógrafo de la agencia Magnum Elliott Erwitt, reportero famoso en su gremio por inusual mezcla de perspicacia y sensibilidad.

Las guerras no se ganan desfilando

2011-05-25T03:19:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 25/5/11

CARLOS

Nacionalidad: Francia Alemania, 175 min.
Director: Olivier Assayas
Actores: Édgar Ramírez, Ahmad Kaabour, Nora von Waldstätten, Cristoph Bach

Carlos es un ambicioso biopic en doble formato (cine y tv) sobre un terrorista latinoamericano que puso en jaque a medio planeta en los años setenta y principios de los ochenta. Se ajuste mucho o sólo bastante a la realidad, el retrato que hace Olivier Assayas de él es implacable. Muestra toda la complejidad del protagonista: su militancia izquierdista y antisionista tan extrema como sincera, su aplomo tanto en las acciones armadas como en el trato con dirigentes de temidísimos servicios secretos; su apostura, su impulsividad, su narcisismo, su inteligencia, su debilidad por las mujeres y la buena vida... Rasgos que provocan sentimientos igual de encontrados: asentimiento a su negativa a ser un activista de salón, envidia por combinar a James Bond con Robin Hood, rechazo a su visión maniquea del mundo y el desprecio hacia las víctimas inocentes.

La historia se divide en tres partes muy definidas, correspondientes a los capítulos televisivos: sus primeras acciones en Londres y París, el secuestro de los ministros de la OPEP en 1975 y el declive del terrorista en la década siguiente, rematado con su deportación subrepticia a Francia. La poda ha sido mayor en el primera y la tercera parte, provocando algunas incomprensiones. El trabajo del equipo técnico y artístico es soberbio. Recreación impecable de los lugares y las acciones, afinada con virados de color amarillento; y ritmo ágil, puntuado con algunas ráfagas musicales. Édgar Ramírez da el tipo en todo, rasgos físicos, plurilingüismo natural y excelente actuación. Impecables el resto de intérpretes (Kaabour, Waldstätten, Bach). Aunque la serie televisiva es mejor aún, esta versión cinematográfica sigue siendo muy recomendable.

La gallina de los dientes de oro

2011-05-23T10:43:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 23/5/11

PIRATAS DEL CARIBE – EN MAREAS MISTERIOSAS

Nacionalidad: Estados Unidos, 137 min. Director: Rob Marshall. Actores: Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Ian McShane

Completada la trilogía inicial, productora (Disney) y productor (Bruckheimer) han considerado que los implantes dorados de Jack Sparrow seguían manteniendo su pecuniario brillo. Del reparto original se han caído el director (Rob Marshall sustituye a Gore Verbinski), Keira Knightley y Orlando Bloom. Aguanta Geoffrey Rush y se incorporan Penélope Cruz y Ian McShane. Para el argumento han recurrido a un novelista de fantasía histórica de cierto prestigio, Tim Powers (Declara, Las puertas de Anubis).

El resultado, siendo francos, es que la gallina (perdón, la franquicia) muestra síntomas de ahogo. Creativo al menos: De la novela de Powers se mantiene sólo el título y la zanahoria de la búsqueda de la fuente de la eterna juventud. Se echa de menos, mucho, el juego de amistad, envidias y celos de Depp con Knightley y Bloom. Ian MacShane y Penélope Cruz (Barbanegra & hija) transitan por un terreno mucho más trillado. Hay una trama secundaria de un curita y una sirena con tufillo a Tea Party. Barbossa pasa a un plano más secundario justo cuando Geoffrey Rush ha reconfirmado su excelso talento en El discurso del rey. Y la simpática pillería de Jack Sparrow sólo se disfruta en la primera media hora de la película; el resto del tiempo se limita a jueguecitos de miradas y a mostrar sus cromados molares. La futilidad y pobreza del argumento se camuflan con una producción apabullante y unas escenas de acción dosificadas y milimetradas a golpe de audímetro. En mareas misteriosas es menos graciosa, más previsible y prescindible que las dos anteriores entregas de Piratas del Caribe. Y eso que el listón ya estaba bajo.

Zumbidos en la bemol

2011-05-19T10:59:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 19/5/11

¡HARPO HABLA!
Harpo Marx
Seix Barral, 627 pags. 23 €

Cine/ensayo. Como la entrevista de Truffaut a Hitchcock, las memorias de Harpo Marx merecen ser reseñadas cada vez que se reeditan. En el prólogo de esta última, Elvira Lindo cuenta que leyó a la vez estas memorias y las de Henry Roth justo después del atentado del 11-S. Roth y Marx nacieron por la misma época y en ambiente similar, familias judías muy pobres. Sin embargo sus vidas, y sobre todo sus actitudes vitales, fueron opuestas. Roth vivió traumatizado el resto de su vida por su indigencia inicial; Harpo, y sus hermanos, lo superaron gracias al indestructible optimismo de sus padres.

Antes de apodarse Harpo, se fugó del colegio público a los ocho años y no regresó. Él y el futuro Chico pasaban todo el día en la calle, en billares o cometiendo pequeños hurtos. Al llegar a casa su padre, sastre y cocinitas, siempre tenía un caldero con lo que había conseguido ese día. El alegre laissez faire de los progenitores hizo que los hijos mantuvieran su infantilismo y afición a las bromas como reacción probable a la hostilidad exterior: giras interminables por teatros de segunda y hoteles llenos de pulgas, época bautizada como La Vía Dura. Esas penurias, y su irreductible inmadurez, fueron reciclados en los gags que les hicieron mundialmente famosos.

El libro de Harpo está plagado de anécdotas curiosas y algunas paradojas: Siendo casi iletrado fue admitido en un exclusivo club de literatos, la mesa redonda del Hotel Algonquin (a Groucho le parecían unos pedantes). Dió conciertos de arpa toda su vida sin tener ni idea de solfeo. La familia se arruinó en el crack del 29 pero se recuperaron en menos de un año, gracias a que su humor fue lo más demandado para superar el mal trago. En 1933 viajó él solo a Rusia, como parte de una embajada cultural, y regresó como espía.

Más: montó un casino con una jaula de moscas en la Costa Azul. Conoció a nuestro monarca Alfonso XIII, al Príncipe de Gales (hermano del ahora famoso tartamudo) poco antes de su renuncia, al magnate Hearst (el que inspiró Ciudadano Kane), a Premios Nobel de literatura como Bernard Shaw y a músicos de la talla de Schönberg, Prokofiev o Rajmaninof; no reconoció a Greta Garbo en una fiesta; vaciló a todo el mundo. Cuando iba al baño en vez de leer tocaba el arpa. Cruzó Estados Unidos ida y vuelta en un día para gastar una broma a un amigo. Fue noctámbulo, adicto a los deportes, el juego y las apuestas (no patológico, como Chico), pero le sentaba fatal el alcohol. Luchó para que un elitista club de golf de Hollywood admitiera a no judíos. Previamente, aprovechando la indefinición de otra presuntuosa norma, jugó desnudo de cintura para abajo en ese mismo club...

Docenas de anécdotas unidas por su contagioso y sincero optimismo. La alegría de vivir aprendida de los padres y que él transmitió después a sus hijos adoptivos. Y eso es, en el fondo, ¡Harpo habla! Un manual de autoayuda de seiscientas páginas trufado de carcajadas.

Agitado letrado

2011-05-18T08:57:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 18/5/11

EL INOCENTE

Nacionalidad: Estados Unidos, 119 min. Director: Brad Furman. Actores: Matthew McConaghey, Marisa Tomei, Ryan Philippe, William H.Macy

Michael Connelly es uno de los escritores punteros de la novela negra norteamericana actual. Le falta la profundidad de Dennis Lehane (Mystic river) o el humor de Harlan Coben, que compensa con unos argumentos muy trabajados y, en propias palabras, “agitando a los personajes”.

La adaptación de El inocente era engañosa. Su trama principal (un abogado penalista forzado a exculpar a un asesino para no ser acusado él de otro crimen) prometía un filme trepidante. Sin embargo, al condensar las 400 páginas del original en dos horas se ha purgado lo que distingue precisamente a Connelly de autores más comerciales como John Grisham. Se ha suprimido el relato en primera persona y diluido la explicación de la soterrada partida de póker, con fintas, faroles y ases en la manga, entre acusación (fiscales y policías) y defensa. Se han minimizado algunos detalles clave (la pulsera GPS) y no se ha remarcado suficientemente la dualidad del protagonista: cobra 100.000 dólares de adelanto en los casos importantes y a la vez asesora gratis a una prostituta toxicómana o permite que otro cliente le pague como chófer esporádico.

Le película se centra por tanto sólo en la conflicto prioritario: como lograr que se declare a un procesado inocente y culpable a la vez. Trama bien resuelta por guionista y director y excelentemente encarnada por los actores. McConaghey se mete bien en la piel del yuppie astuto y sensible; Ryan Philippe le da buena réplica con su cara aniñada; Marisa Tomei o William H. Macy sacan el mínimo jugo de sus papeles. Entretenido thriller de estrado, recomendable a los fans del género.

Ah, Paris...

2011-05-15T23:42:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 16/5/11

MEDIANOCHE EN PARIS

Nacionalidad: España, Francia, 100 min. Director: Woody Allen. Actores: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Adrien Brody

Hace tres décadas, de cada cinco películas de Woody Allen sólo una flojeaba. Con el cambio de siglo la proporción se invirtió. Fogonazos puntuales de genio (Match Point) entrelazados con chispas esporádicas en el resto de obras.

Con Medianoche en París ha acertado en la historia. Su flirteo con la capital gala no es nuevo (Todos dicen I love you). Esta vez se planta allí para burlarse de la nostalgia con ración triple de ídem: Un guionista de Hollywood y novelista frustrado (Wilson) hace turismo con su novia (McAdams) y futuros suegros mientras fantasea con mudarse a esa ciudad. Accidentalmente da un salto en el tiempo (con el sencillo truco de unas campanadas y un coche de los años veinte) que le permite, cada noche, codearse con sus adorados Hemingway, Fitzgerald, Dalí o Buñuel. Ahí conoce a una decoradora, amante de Picasso, que sueña a su vez con vivir la Belle Epoque de sus adorados Toulouse- Lautrec o Gaugin.

La película tarda en despegar. Los diálogos son cada vez menos ácidos, camuflados con el buen hacer de Wilson y Michael Sheen, el gracejo de McAdams, los cameos de Madame Sarkozy y la siempre deliciosa banda sonora. En la segunda mitad del filme resurge el Woody Allen de hace décadas. Dos gags excelentes y un encanto irresistible en los saltos históricos. Increíble el parecido físico de Adrien Brody con Dalí, embelesante Cotillard, rotunda Kathy Bates como Gertrude Stein. El vitalismo neurótico del neoyorkino reciclado en una moraleja tan evidente como fácil de olvidar: la nostalgia sólo es válida si no nos la tomamos en serio. Como la vida misma.

Juegos de la edad tardía

2011-05-12T10:58:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 12/5/11

ROMPECABEZAS

Nacionalidad: Argentina, Francia, 87 min. Director: Natalia Smirnoff. Actores: Maria Onetto, Gabriel Goity, Arturo Metz

Una ama de casa argentina recibe en su quincuagésimo aniversario un rompecabezas. Lo resuelve con cierta facilidad y se aficiona al juego. Acude al centro de la ciudad a comprar otro y toma nota de un particular que busca un compañero para participar en el campeonato nacional. Resulta ser un hombre maduro, razonablemente atractivo y de posición social desahogada.

Rompecabezas recurre a una historia mínima, a las que tanto se ha aficionado el cine argentino reciente. Los personajes son de carne y hueso: la mujer de mediana edad que ha vivido décadas atada a su familia y de repente descubre que tiene un talento oculto y que sigue atrayendo a los hombres, el marido que nota que se le escapa e intenta con ternura y cierto patetismo recuperarla; y el casanova talludito que pone el caramelo en la boca de la mujer. Los personajes son muy reconocibles, sus incertidumbres emocionales muy sinceras, la evolución de los personajes muy bien graduada, potenciando los silencios y discretos cambios de expresión corporal sobre diálogos fatuos o pretenciosos. A ello se une el excelente trabajo de los actores, sobre todo de Maria Onetto y Gabriel Goity, afinadísimos ambos. Esas virtudes del filme se neutralizan con el déficit de innovación. La realizadora ha optado por la vía más sencilla en el desarrollo argumental, más cercana a Los puentes de Madison de Eastwood que a historias más originales como Sol de otoño de Mignogna. El final está telegrafiado desde los primeros minutos y el pasatiempo del título se queda corto como metáfora.

¿Qué pasó en 1931?

2011-05-09T03:33:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 9/5/11

AGUA PARA ELEFANTES

Nacionalidad: Estados Unidos, 122 min.
Director: Francis Lawrence
Actores: Robert Pattinson, Reese Witherspoon, Cristoph Waltz

Adaptación de un superventas de Sara Gruen, Agua para elefantes retrata el mundo del circo en los difíciles años de la Gran Depresión americana de entreguerras. La historia recurre al manido rizo de arrancar en el presente, con un abuelete perdido ante las taquillas de un circo. Mientras unos empleados intentan contactar con su residencia, él les cuenta su experiencia en el año 31, cuando entró a trabajar en el Circo Benzini como veterinario y cuidador de animales. Sobre ese atractivo escenario la historia deriva a un triángulo amoroso muy convencional. El entonces joven manescal se enamora de la guapa amazona (Whiterspoon) que cabalga caballos primero y un elefante después, topándose con el escollo de que es la mujer del psicótico dueño del espectáculo (Waltz).

La originalidad, el hueco para la sorpresa del argumento, son mínimos. Es evidente que el chico bueno derrotará al hombre malo, a pesar de los esporádicos brotes de bondad de éste; la única duda es cómo. Anzuelo diminuto en un mar de lugares comunes. Tufillo a Titanic en ese melodrama sentimental, con presupuesto y ambiciones mucho más contenidas. El reparto parece haber sido seleccionado con una computadora, dos ganadores de Oscar (Witherspoon por Walk the line; Waltz por Malditos bastardos) y el rompecorazones adolescentes del momento (el anémico vampiro de la saga Eclipse). Ninguno desentona; tampoco logran, ni ellos ni el director, inyectar la intensidad y la magia del circo. El resultado un correcto drama de época que deja al espectador ante dos opciones: desconectar o resignarse a la levedad del guión y disfrutar la cuidada ambientación.

Ausentes, tercos y trastornados

2011-05-05T01:47:00.000-07:00

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 5/5/11

Paseo de ronda

1. Arranco con una despedida, la de Sidney Lumet. No ha merecido una página entera porque le faltó un punto de talento y personalidad para entrar en la categoría de clásicos. No por ello dejó de ser un cineasta notable. Como sus compañeros de generación, Pollack, Frankenheimer, Penn, Mulligan o Shaffner, no se les asocia automáticamente con una película magistral o memorable. La falta de ese plus de los elegidos la compensó Lumet con una visión desapacible, sin medias tintas, del mundo que nos rodea: la podredumbre legal en 12 hombres sin piedad o Veredicto final, la ácidez de Tarde de perros o Antes de que el diablo sepa que has muerto (rodada a los 83 años), o la despiadada visión de los ejecutivos televisivos en Network (Oscars para Paddy Chayefsky por el guión y Peter Finch y Faye Dunaway por sus actuaciones). Más de 40 películas en total que dan fe de su pasión por el cine.

2. El director británico Michael Radford (El cartero y Pablo Neruda) y la productora Alejandra Frade se han metido en un doloroso pleito por la película La mula. Las empresas de ambos tenían un tercio del proyecto cada una. Las desavenencias derivaron en impagos, final abrupto del rodaje y denuncias cruzadas. Frade es hija de José, productor de cine y televisión de la vieja escuela con fama de absolutista y cicatero. Si un pequeño porcentaje de sus genes se ha propalado, pintan bastos para el inglés. El meollo puede ser ese o una entrega más de La guerra de los Egos. Directores adictos al “Quiero más dinero/medios/tiempo/control del producto” vs. productores encasquillados en el “Aqui se hace lo que me sale del bolsillo”.

3. Catherine Zeta-Jones ha sufrido un transtorno bipolar. Repaso en Wikipedia la lista de colegas damnificados y veo que la actriz galesa comparte cartel con Mel Gibson, Carrie Fisher, Vivien Leigh, Burgess Meredith, Gene Tierney o Jean Claude Van Damme. Casos confesos, punta de iceberg de los ocultos por humanitarias razones. Rebusco estadísticas y resulta que un 3-5% de la población sufre esa patología. Estudios parciales añaden que a) un 40% de esos sufrientes tiene problemas con el alcohol y las drogas; y b) la frecuencia es mayor entre personas más inteligentes. A punto de concluir que los actores son más ingeniosos y viciosos que el resto de mortales, echo el freno al recordar a Mark Twain: “Hay tres clases de mentiras: mentiras, malditas mentiras y estadísticas.”

Un hombre respetable

2011-05-03T23:43:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 4/5/11

NO TENGAS MIEDO

Nacionalidad: España, 93 min. Director: Montxo Armendáriz. Actores: Michelle Jenner, Lluís Homar, Belen Rueda, Rubén Ochandiano

Los abusos sexuales incestuosos no salen con tanta frecuencia en las noticias como la violencia de género (ejemplar su tratamiento en cine de Te doy mis ojos, de Icíar Bollaín) pero son igual de terribles. Tema que ofrece alternativas de elección en varios puntos clave: ¿Familia modesta o acomodada? ¿Abusos puntuales o continuados? ¿La madre de la víctima está al corriente? ¿Se incide más en el antes -los abusos-; o en el después -ruptura, secuelas y terapia-? Montxo Armendáriz se ha documentado muy bien y ha elegido un tratamiento muy sobrio. Como protagonistas ha elegido una familia pudiente, padre dentista, madre que trabaja en una boutique e hija única con vocación por la música clásica. El horror comienza a temprana edad; la madre se desentiende, la hija no logra detectar la manipulación psicológica del padre (mezclar vicio con cariño). La tardanza en rebelarse germina una neurosis que colmará, por fin el vaso. Los insertos de una terapia de grupo intermedian los lapsos temporales y refuerzan la perspectiva social del problema.

Armendáriz apura mucho la contención para evitar el morbo gratuito y el melodrama tópico, abusando de unos silencios que acaban siendo muy estáticos. Trampea además con el personaje de la madre, apartándola sin disimulo hasta el momento que más le interesa dramáticamente. Compensa lo anterior acertando con la psicoterapeuta, los muy creíbles altibajos de la protagonista en su recuperación y la fugaz relación de ésta con un camarero. Excelente Michelle Jenner, contundente Belén Rueda, pasable (su papel es dificilísimo, hay que decirlo) Lluís Homar. Buena película en conjunto, loable por el tema que aborda, encomiable por la mesura y autenticidad.

La impaciencia del guerrero

2011-05-02T23:32:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 3/5/11

THOR

Nacionalidad: Estados Unidos, 130 min. Director: Kenneth Branagh. Actores: Cris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba

Veinte años ha estado el cómic de Marvel en el “development hell”, el limbo, o purgatorio, de los proyectos cinematográficos a medio desarrollar. El empujón final viene con los acicates de Kenneth Branagh en la dirección, Cris Hemsworth (Star Trek), Natalie Portman y Anthony Hopkins ante la cámara. Para no estancarse en resabidas batallas tipo Furia de Titanes, los creadores de Thor han conjugado la épica de la mitología nórdica con un enfrentamiento entre dioses y hombres de corte helénico, y una crisis familiar y personal libada de Shakespeare: Thor (Hemsworth) es un impaciente y arrogante aspirante al trono; para bajarle los humos su padre Odin (Hopkins) le destierra a nuestro planeta en fecha presente. Aquí se encariñará con la astrofísica Jane Foster (Portman) y adquirirá la sensatez necesaria para regresar a Asgard y enfrentarse a su hermanastro Loki.

La trama es un tanto simple pero efectiva en un filme para todos los públicos. La alternancia entre conflictos celestiales y terrenales está bien encajada. Por separado presentan déficits. El pragmatismo conciliador de Odin aleja el fantasma del maniqueísmo pero rebaja la épica. La crisis de identidad de Loki alterna entre lo previsible y lo confuso. Las desventuras terrícolas de Thor dan pie a buenos gags aunque no acaba de calar la química con la científica, a pesar del empeño de los actores. Los efectos especiales están a la altura de la magnitud del presupuesto. Thor tiene un destacado reparto y entrendrá a los no adictos del género fantástico, sin llegar a provocar la intensa emoción que se presupone de sus legendarios héroes.

Vivir, morir y correr

2011-04-26T23:18:00.001-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 27/4/11

SCREAM 4

Nacionalidad: Estados Unidos, 110 min. Director: Wes Craven. Actores: Neve Campbell, Courtney Cox, David Arquette, Emma Roberts

Diez años han pasado desde la última entrega de Scream, quince desde la primera. Resucitarla exigía darle un giro nuevo, sin perder las señas de identidad y evitando la parodia burda, como Scary movie. Intención explícita en el mismo filme “Primera regla de los remakes: no fastidies el original”.

Para justificar la década sin noticias del enmascarado asesino ni de las protagonistas, Wes Craven ha ideado un primer acto como una muñeca rusa, con sucesivas secuelas de la falsa película Stab y chicas mirándolas y siendo asesinadas de variadas formas, sin chorros de sangre exagerados. Se mantiene la cinefilia, reforzada con cameos de actores de series televisivas poco conocidas aquí. Las llamadas amenazantes de teléfono provocan algún gag bueno (el del armario) y no falta la cacharerría del siglo XXI, con móviles y webcams echando humo y generando también alguna situación graciosa. El segundo acto afloja el acelerador. El tercero, con los habituales giros argumentales inesperados remonta por las masoquistas argucias del/la nuevo Ghostface para salirse con la suya. Los actores están correctos, a secas. Tanto el cine de terror puro como la parodia apenas requieren dotes de actuación; la sátira requiere una sutileza que ni Courtney Cox (fogueada en Friends), Neve Campbell o David Arquette logran mostrar. La dirección tampoco brilla, va a remolque del guión y de las convenciones del género.

Scream 4 se acerca al nivel de la primera entrega. La originalidad más el acertado humor de su arranque y cierre harán las delicias de los fans de la serie. Para el resto de espectadores los incentivos son más limitados.

Salvar al rey

2011-04-26T04:27:00.000-07:00

Publicado en Diario de Mallorca el 24/4/11

AGUILA ROJA

Nacionalidad: España, 120 min. Director: José Ramon Ayerra. Actores: David Janer, Martina Klein, Javier Gutiérrez, Francis Lorenzo

Es tan lícito entretener como aprovechar el éxito de una serie televisiva. Las aventurillas del Robin Hood hispano de la catana han oxigenado la gran pantalla como alternativa al costumbrismo presente o pretérito cercano. Sin embargo, ni la productora, ni el director ni los guionistas parecen haber tomado conciencia de una obviedad: la televisión es gratis para el espectador; el cine, no. La pequeña pantalla es un maratón, subraya el ritmo y la versatilidad argumental; el cine precisa explosividad, profundidad, diálogos más afilados, sutiles o contundentes; y actores con ganas de comerse el mundo.

El plus que ofrece Aguila Roja a los espectadores de pago se limita al secuestro de un monarca español en una conjura en la que están implicados, ni más ni menos, los monarcas francés, inglés, portugués y un cardenal español. Se añade una bella y gélida heroína (la modelo Martina Klein) que intenta salvar a su padre, encarcelado por el pérfido comisario Mejías; un falso cura insulso (Antonio Molero) y la leve e impostada crisis del protagonista cuando su hijo sufre un accidente. Protagonista que sufre el virus español: santo, guapo, valiente, modesto, plano, previsible e irreal. El trasfondo del filme roza lo reaccionario: salvar al rey, aunque sea un pusilánime, y apelación a la furia hispánica para defender la unidad nacional. La producción se resiente del amiguismo en el reparto artístico y técnico, cachorros todos de la factoría Globomedia. El salto a la gran pantalla de Aguila Roja se queda en un botecito, una tvmovie para todos los públicos con más de lo mismo, duelos de espadachines, intrigas palaciegas, humor costumbrista y amores descafeinados.