Tintín en Port Aventura

Publicado en Diario de Mallorca el 30/10/11

LAS AVENTURAS DE TINTIN – EL SECRETO DEL UNICORNIO

Nacionalidad: Estados Unidos, 140 min. Director: Steven Spielberg. Actores: (animación)

Si es cierto que Spielberg (más George Lucas y Lawrence Kasdan) no conocían el cómic del rubio belga cuando pergeñaron a Indiana Jones, las similitudes entre ambos personajes son evidentes, llaneros solitarios, audaces y curiosos. Sus batallitas también, tesoros ocultos, pérfidos enemigos, persecuciones por medio globo y sugerentes nombres propios como el del barco Karaboudjan o la localidad Ghaddar. 

Como el libro El secreto del unicornio no daba para un largometraje, Spielberg y Peter Jackson (productor y director de la 2ª unidad de filmación) lo han fusionado con El tesoro de Rackham el rojo. Para los incondicionales no falta el elenco completo de secundarios, Milú, Haddock, Hernandez y Fernandez, Tornasol y la Castafiore. La elección de una animación bastante realista se muestra acertada. No tiene el encanto de los dibujos porque se basan en una austeridad poco resultona en el cine. Se aprecia el dinero invertido y se han cuidado mucho detalles como las gracietas del perro o algunos efectos visuales con cristales o burbujas. A diferencia de otras películas de Dreamworks (Shrek) apenas hay un par de guiños cinéfilos (a Con la muerte en los talones de Hitchcock en títulos y una secuencia marina).

Como película de aventuras, el Tintín de Spielberg es impecable. Como película a secas, vista por el ojo crítico de un adulto, sufre una doble cojera: por un lado el bloqueo absoluto de Hergé hacia las tramas sentimentales; por otro, el exceso de secuencias enfocadas hacia el 3-D, el videojuego y (huele a) una futura atracción propia en algún renombrado parque temático. Los niños, garantizado, se lo pasarán bomba.

El tupé rubio se cuela por fin en la gran pantalla

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 27/10/11

TINTIN Y EL CINE

Se estrena por fin la primera adaptación relevante de una obra gráfica de Hergé, Las aventuras de Tintín, subtitulada en España El secreto del Unicornio para aclarar de qué aventura se trata y sugerir próximas secuelas. Dos pesos pesadísimos en cabeza de cartel, Steven Spielberg como director y Peter Jackson como productor y codirector en la sombra.

La relevancia del estreno es doble: la novela gráfica sigue teniendo gran éxito entre las sucesivas hornadas de chavales, y mantiene un poso de grato recuerdo en estos cuando se hacen adultos. Al mismo tiempo extraña el desencuentro del personaje con el cine. Un motivo podría estar en el hipotético extremo celo de la Fundación Hergé para dar su visto bueno. 

Las dudas a priori eran fundadas. ¿Actores reales o animacion? La animación es la opción más fácil pero refuerza el carácter infantil-juvenil de la obra; el público adulto sin niños pierde interés. Para encarnarlo en carne y hueso no basta un buen estilista y maquillador; hace falta un actor que logre provocar una gran empatía. Con Asterix y Obelix se logró (Depardieu bordó al orondo galo); con Corto Maltes sólo ha habido un modesto intento con el portugués Paulo Pires.

Con un dilema adicional: Milú. Un animal real, por muy entrenado que esté, está bastante limitado en las escenas de acción. Combinar actores reales y animal de pegote hubiera llamado demasiado la atención. Difícil, muy difícil, era repetir un híbrido tan puro y creíble como el que logró Jackson con Gollum en El señor de los anillos. 

Esa y otras dudas tuvieron Spielberg y Jackson. Tras unos vaivenes con los derechos de adaptación, y el trajín de ambos con sus proyectos en marcha (la saga de Indiana Jones y The lovely bones respectivamente), acabaron decidiéndose por un animación muy elaborada. Eso provocó más dudas, esta vez de los estudios cinematográficos, por las flojas recaudaciones de Monster house y Beowulf. Aunque Spielberg es un fanático de la cámara de cine clásica, con película de celuloide, ha cedido a su pasión por el aventurero rubio y la presión para que su nombre encabezara la matraca publicitaria. Se ha rodado en video con algunos actores y después se ha digitalizado a conciencia. En el mini aperitivo del trailer los personajes se mueven más como en un videojuego que en una película de acción estándar.

Penúltima y gran duda. ¿Han estado Spielberg y Jackson a la altura de sus currículos o han optado por una faena de aliño? ¿El guión es infantiloide o tiene la suficiente profundidad de personajes y guiños cinéfilos para satisfacer a los adultos más críticos? Spielberg comentó hace años que veía a Tintin como un joven Indiana Jones. Si ha seguido ese camino puede haber desnaturalizado al personaje; robado, o difuminado, su encanto. O quizás es cierto que comparten espíritu e inquietudes; al fin y al cabo ambos son fruto de fantasías oníricas más que traslaciones de personas reales. La respuesta a estas sesudas cuestiones, mañana.

Patria, pan e injusticia

Publicado en Diario de Mallorca el 27/10/11

LA VOZ DORMIDA

Nacionalidad: España, 128 min. Director: Benito Zambrano. Actores: Inma Cuesta, María León, Marc Clotet, Myriam Gallego.

Adaptación de la novela de Dulce Chacón, La voz dormida narra el drama de las mujeres represaliadas en la posguerra civil de nuestro país, por militancia comunista o simplemente por ser familiares de republicanos. Se insiste en el coraje de mujeres y hombres que se negaron a asumir de forma humillante un pensamiento político y predicar una religión en la que no creían, o a delatar a familiares y amigos. El precio de esa negativa acabó siendo el mismo para todos, torturas, juicios amañados y fusilamiento o largas penas de cárcel, a una escala que algunos historiadores califican ya de genocidio.

Como retrato de ese horror, la película de Benito Zambrano es excelente. Analizando los referentes más recientes, está más cerca de Las 13 rosas (cuya acción transcurre durante la guerra) que de El laberinto del fauno o Pa negre, ambas sobre la posguerra. Estos dos filmes logran trascender mucho más, por la originalidad de una y por la superposición de rencillas y prejuicios rurales al conflicto político en la de Villaronga. La voz dormida se queda sin embargo en un relato de la lucha de un Goliat vengativo contra un David ingenuo y desarmado. Aunque sea real y sincero, aunque la represión llegó a ser mucho más cruel de lo que se muestra, todo es demasiado blanco y negro. La ambientación está muy trabajada, escapando del síndrome de Amar en tiempos revueltos. Los actores están todos a un nivel similar. Película muy emotiva, ejercicio noble de memoria histórica, que se resiente por la falta de matices y la evidencia del desenlace.

Descontrol de riesgos

Publicado en Diario de Mallorca el 23/10/11

MARGIN CALL

Nacionalidad: Estados Unidos, 107 min. Director: J.C. Chandor. Actores: Kevin Spacey, Stanley Tucci, Jeremy Irons, Zacahary Quinto, Paul Bettany

Inspirada en la quiebra del banco de inversión Lehman Brothers hace tres años, Margin Call se focaliza en las 24 horas que provocaron la implosión de la empresa. Un analista de riesgos (Tucci) despedido, un ayudante (Quinto, el joven Spock en Star Trek) toma el relevo y descubre el timo de las hipotecas basura. Alertados sus jefes, se pasa a una noche de tensas reuniones y un suicida embate hacia adelante.

Confirmado (Wall Street o La red social) que los dramas corporativos pueden ser fotogénicos, el reto para el novel J.C. Chandor era no caer en la condescendencia cómplice (como la secuela de Wall Street) o un anticapitalismo demasiado militante. Lo logra con un guión muy trabajado y creíble y un reparto de altísimo nivel. Se tocan todas las facetas de la actual crisis: por un lado las bolsas financieras convertidas en un casino y sus operadores en codiciosos sin freno; por otro, se recuerda que las burbujas financieras son recurrentes desde hace tres siglos, y en ellas también tiene su parte de responsabilidad la gente corriente que cede a la tentación de confiar sus ahorros a los ambiciosos inversores. No se menciona el papel de las autoridades como reguladoras y vigías.

Si los diálogos reflejan con mucha finura la creciente tensión ante el colapso de la empresa, los actores clavan sus papeles. Jeremy Irons como sumo sacerdote, Kevin Spacey y Paul Bettany como dubitativos o abnegados capataces, Tucci y Quinto como  cerebritos que venden su alma al diablo. Margin call asusta porque, a pesar de que Lehman Brothers se fue al garete, la economía de casino sigue imperturbada.

Tom y Gerri

Publicado en Diario de Mallorca el 20/10/11

ANOTHER YEAR

Nacionalidad: Reino Unido, 129 min. Director: Mike Leigh. Actores: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Oliver Maltman

Prosigue Mike Leigh su fijación por las historias mínimas, cotidianas, agridulces. Recurre en Another year al formato, poco novedoso, de las cuatro estaciones del año. Se centra en un matrimonio a punto de jubilarse; Tom (Jim Broadbent) trabaja como geólogo en una constructora; Gerri (Ruth Sheen) como psicóloga en un centro social. Sus hobbys son la lectura y cultivar un huerto en las afueras de la ciudad. Ambos son positivos, sociables y entrañables. Son casi perfectos para remarcar su cordura en un reino de amargados. Lidian, alternando paciencia y firmeza, con la inexorable y desesperada soltería de sus amigos Mary y Ken.

Todo ocurre con una naturalidad excelsa. Premiosa, porque las dos horas se hacen un poco largas para un argumento tan fino. Fino pero muy real. Se plantea si el matrimonio es feliz porque han tenido suerte o se la han ganado esforzándose por ser sensatos y optimistas. En la cara opuesta, el espectador se angustia de que los solteros no logren dar ni un pequeño paso para superar sus obsesiones y sus excesos con la comida o la bebida. Es un tema universal e intemporal, todos sabemos, o intuimos, cómo superar  nuestras pequeñas o grandes carencias pero nos cuesta muchísimo pasar del dicho al hecho. 

Jim Broadbent ganó un Oscar en 2002 con Iris, por soportar con tierno estoicismo el Alzheimer de la escritora Iris Murdoch. Es un actor magnético y versátil. Ruth Sheen le replica con sus saltones y dulces ojos; Lesley Manville está mejor como hiperactiva que como depresiva; impactante también David Bradley. Película modesta y auténtica, puro Leigh.

Highsmith en el Eixample

Publicado en Diario de Mallorca el 18/10/11

MIENTRAS DUERMES

Nacionalidad: España,  102 min. Director: Jaume Balagueró. Actores: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martinez, Carlos Lasarte

Como en la mayoría de historias de suspense, mentar el argumento es un sacrilegio, por lo que me limitaré al dramatis personae: comunidad de vecinos, presidente tocanarices (Lasarte), solterona con perrillos falderos (Martínez), chica guapa con novio ausente (Etura), portero ubicuo, soltero, introvertido y misterioso (Tosar). 

Quizás para mostrar su versatilidad, o como sincero paso adelante, Jaume Balagueró filma un guión de Alberto Marini diametralmente opuesto al de REC. Frente al gore versión 3.0, efectista y efectivo, Mientras duermes recurre al suspense más clásico. César es el protagonista absoluto, perfectamente delineado y trabajado, pérfido, sólido, escurridizo, manipulador y resentido. Con leves rasgos, rasguños casi, de alter egos  como Harry Powell (La noche del cazador), Travis Bickle (Taxi driver), Carter Heights (De repente un extraño), el estudiante de El cuchillo en el agua de Polanski, o David Kelsey de la novela Ese dulce porvenir de Patricia Highsmith. Como ellos, César combina de forma explosiva frustración y acción, sensibilidad y crueldad, amabilidad e impenetrabilidad, imaginación y desesperación. Es un papel ultraexigente, apto sólo para dos actores nacionales, Javier Bardem o Luis Tosar. En estado de gracia, Tosar borda una vez más su interpretación, a la misma altura que las de Celda 211 o Te doy mis ojos. El resto de actores, director y músico se ponen a sus pies.

Mientras duermes tiene aciertos adicionales, como que gran parte de la acción ocurre de día; y debilidades, como la inverosimilitud, la endeblez del personaje de la chica o las refinables menciones del paso del tiempo. Pequeñas faltas que no emborronan el resultado, un memorable filme de intriga psicológica.

Los tiempos no están cambiando

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 13/10/11

1. Evolucionan, se agitan se calman y se vuelven a agitar desde épocas antepretéritas. Para bien de unos y mal de otros (pregunten a los dinosaurios). Las salas de cine han recibido un meteorito tan imprevisible y letal llamado World Wide Web. Las colas, risas, susurros y escarceos amorosos de antaño han dado paso a la deprimente soledad presente. En su avatar actual los bucaneros (informáticos) son sus verdugos y los piratas (del Caribe) su último tablón. Pero, como ocurrió al Titanic, hay más ocupantes (salas) que salvavidas disponibles. La última víctima, en nuestra metrópoli isleña, son los cines Metropolitan.

2. (Mala) suerte similar sufrieron los antepasados del ceramista inglés Edmund de Waal. Tras heredar una colección de miniaturas japonesas (netsukes) el hombre comenzó a investigar la historia hasta ese momento poco familiar de sus ancestros. Resulta que el protagonista de En busca de el tiempo perdido se inspiró un lejano pariente suyo. Miembro de una familia judía, los Ephrussi, que pasaron de comerciar grano en el sur de Rusia a poderosísimos banqueros europeos, casi al nivel de los Rotschild, con doble sede en París y Viena. La Primera Guerra Mundial les dejó muy tocados; Hitler, y la incapacidad de ellos para anticipar el tornado xenófobo, les hundió del todo. Sólo los netsukes sobrevivieron al expolio. La narración en primera persona de De Waal se titula The hare with amber ayes (La liebre con ojos de ámbar, referido a una de las figuritas). Soberbio y a ratos muy emotivo retrato de las clases pudientes entre finales del XIX y principios del siglo XX, con un aire a los Ambersons de Orson Welles. Superventas en Europa y Estados Unidos, esperemos que llegue pronto a España.

3. De los magníficos Ambersons (El cuarto mandamiento en España) se sigue hablando. Se rumorea que el Rosebud personal del cineasta, y santo grial de las ratas de filmoteca actuales, es un director's cut de esa película, un montaje libre de mangoneos de ejecutivos. Como nadie lo ha encontrado, se sigue especulando con su existencia. La versión exhibida (disponible en DVD) aguanta viva y potente el paso del tiempo, planteando si Orson Welles era un genio a pesar de los productores, o si estos no eran tan nefastos arreglistas.

4. No está muerto pero emite equivalentes efluvios. Hollywood ha encontrado su San Martín en los anónimos Hollywood Leaks. Amparados, como no, en la Primera Enmienda de su constitución, unos filibusteros cibernéticos se dedican a robar borradores de guiones, reventar contraseñas de emails e infiltrarse en móviles de figuras del espectáculo. La moraleja tampoco es novedosa: libertad de expresión usada una vez más como excusa de un fatuo exhibicionismo.

Acción y reacción

Publicado en Diario de Mallorca el 13/10/11

NADER Y SIMIN, UNA SEPARACION

Nacionalidad: Iran, 123 min. Director: Ashgar Farhadi. Actores: Peyman Moaadi, Sareh Bayat, Leila Hatami

Triunfadora en el último Festival de Berlin, Nader y Simin una separación narra un drama familiar, cotidiano, en el Iran presente. Arranca muy fuerte: un matrimonio acude a un juez para separarse; ella quiere emigrar a occidente, él se niega porque debe cuidar a su padre, con Alzheimer avanzado y porque su hija de trece años tampoco quiere viajar. La mujer se va a casa de sus padres; el hombre contrata a una asistenta para cuidar de su padre. A la asistenta le repugna el trabajo pero lo necesita porque su irascible marido está en el paro y endeudado. Las desavenencias entre Nader y la asistenta terminan con un accidente doméstico y un cruce de denuncias.

Hay referencias al regimen actual, el machismo, el fundamentalismo religioso y los remanente de justicia tribal, pero actúan sólo como pequeños agravantes. El meollo está en los personajes. Todos tienen circunstancias vitales que les empujan a una espiral de medias verdades, ocultaciones o mentiras. No hay buenos ni malos; todos actuan por supervivencia o por lo que creen realmente justo. Y el magistrado, aunque su sistema judicial sea más tosco, intenta sólo aclarar la verdad y aplicar los castigos pertinentes. El crescendo dramático es muy gradual y constante, sin el menor respiro. Las víctimas colaterales al final son las hijas de ambas parejas. 

Hay un leve paralelismo entre Nader y Simin, una separación e Incendies. Mientras que esta última tiene pilares de tragedia griega, con la doble cara de mayor originalidad y menor verosimilitud, Nader y Simin... es un drama más terrenal con idéntica intensidad. Impacta, mucho, porque (con matices) es una situación que podríamos sufrir cualquiera de nosotros. Soberbia.  

Divorcio para megatorpes

Publicado en Diario de Mallorca el 11/10/11

CRAZY STUPID LOVE

Nacionalidad: Estados Unidos, 118 min. Director: Glenn Ficarra, David Requa. Actores:  Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone

Tras la gratísima sorpresa de ¡Philip Morris te quiero! los directores Glen Ficarra y David Requa han optado por una comedia más convencional. Crazy stupid love gira en torno a los eternos sinsabores del amor con tres historias conectadas: Un matrimonio (Steve Carell y Julianne Moore) revienta a las puertas de sus bodas de plata; su hijo de trece años intenta que el amor platónico hacia su canguro pase a ser real, y un amigo de Carell (Ryan Gosling) sufre el castigo del cazador cazado. 

El guión no acaba de encontrar una premisa creativa novedosa y afinar los personajes. El encuentro de Carell con Gosling, y su posterior amistad, son bastante forzados. La trama de la veinteañera va y viene como los ojos del Guadiana. A la de los más jóvenes le falta picante, desmadre tipo American pie. Y el desenlace se afirma sobre una innecesaria trampa narrativa. La medianía del libreto sólo despunta en esporádicos momentos: el master acelerado en donjuanismo de los dos adultos varones, y puntillos tiernos como las escenas del jardín o la del picadero de Gosling. A la realización también le falta la chispa que se espera de una comedia. Lo mejor de la película, y el principal motivo para verla, es su reparto: Carell insiste en su exitosa mezcla de comicidad y ternura; Gosling es un soberbio actor, con talento y proyección similar a Robert Downey Jr. A punto estuvo de llevarse un Oscar hace un lustro por Half Nelson y sigue seleccionando con inteligencia sus apariciones. Les arropan, con similar nivel, Julianne Moore, Marisa Tomei y Kevin Bacon. 

Cuatro ratones

Publicado en Diario de Mallorca el 5/10/11

FOUR LIONS

Nacionalidad: Reino Unido, 102 min. Director: Cristopher Morris. Actores: Rizwan Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, Adeel Akhtar

Si los Monty Python disfrutaran ahora su apogeo creativo quizás hubieran elegido el mismo tema que Four lions. En formato y tono de reportaje televisivo callejero, o de aficionado a Youtube con un mínimo de formación audiovisual, Four lions narra las peripecias de un peculiar comando de terrositas islámicos en Londres. Lo componen un predicador iluminado y obtuso, un segurata tan inteligente como acelerado, su hermano con un cerebro del tamaño de un guisante, un buenazo barbudo con similares (mínimas) luces, y un rapero despistado. Son tan tarados, chapuceros, bocazas e impulsivos que los jefes de Al Quaeda los defenestran y evitan. Ellos no se dan por vencidos. 

Los gags se suceden como una ametralladora recalentada. Algunos con aroma a cine clásico: cuando corren imitando a Groucho Marx para no activar unas bombas, surrealistas diálogos similares de La vida de Brian o paridas dignas de Los tres chiflados. Otros, en el tramo final, de humor negrísimo, como el del pájaro bomba o la indigestión al tragar una tarjeta SIM; adobados todos con lenguaje irreverente y puyas constantes. Los envenenadísimos dardos del guión van en gran parte contra los islamistas, los aspirantes a terroristas o los fanáticos más pacíficos pero que mantienen sus tradiciones ultraconservadoras y machistas en Inglaterra. Tampoco pone mejor a las autoridades inglesas, haciendo una redada en el piso equivocado, confundiéndose de objetivo los francotiradores de la policía o participando en las detenciones ilegales de la CIA. Película incorrectísima políticamente, que no dejará indiferente a nadie (para bien o para mal) por su patente propósito de no dejar títere con cabeza.

Habitacion 59

Publicado en Diario de Mallorca el 4/10/11

SOMEWHERE

Nacionalidad: Estados Unidos, 98 min.. Director: Sofia Coppola. Actores: Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Pontius

“-¿En qué habitación estás? -La 59. -Bono estuvo allí”. Un actor treintañero, introvertido, con éxito equivalente a Brad Pitt y físico semblante al cantante Jon Bon Jovi se aloja en el decaído y prestigioso hotel Chateau Marmont de Los Angeles. Pasea en su Ferrari, atiende actos promocionales como un viaje a Italia, acepta con bastante frecuencia los encantos del sexo opuesto y se aburre en el hotel. Cuando su exmujer le endilga a su hija de 11 años (Elle Fanning, Super 8) comienza a reconocer que algo falta en su vida.

Somewhere desconcierta al principio porque cuesta discernir si la directora quiere que nos compadezcamos o envidiemos al actor. Su agridulce far niente lo firmarían millones de personas. Rumiando la película a posteriori se acaba captando que el protagonista vive en un mundo hueco, donde el lujo y los placeres carnales son puros placebos. Que la solución esté en la familia perdida (la mujer desengañada y la hija descuidada) aunque no es la pólvora, es real. Y acierta Coppola en contarlo en tono bajo, planos largos, cámara estática, acción mínima. Lo muestra en detalles adicionales de su talento, como en la escena inicial del actor dando vueltas en un circuito desnudo o la que está recubierto por una máscara de maquillaje. 

Sofía Coppola vuelve a incidir en su fijación por mostrar la humanidad de los famosos. Lost In translation tenía gracia por el choque de culturas, en Maria Antonieta frivolizó sobre un personaje polémico. Somewhere es algo más difícil de digerir por la extremada introversión de su protagonista, pero aún así es un sobrio retrato de una crisis existencial.