La gente pobre

Publicado en Diario de Mallorca el 30/4/12

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO

Nacionalidad: Francia, 107 min. Director: Robert Guédiguian. Actores: Ariane Ascaride, Jean Pierre Daroussian, Gérard Meylan

El título de la película remite a un exitoso tema musical galo de los años 60. Sirve como excusa para regalar a un prejubilado (Daroussian) un viaje a África. Ese retiro anticipado, causado por un ERE que podía haber esquivado por su condición de sindicalista, provocará más adelante que sea víctima de un delito y encadenará una ristra de crisis familiares.

El tema de Las nieves del Kilimanjaro está inspirado en un poema de Victor Hugo, La gente pobre. A través de unos trabajadores elegidos casi al azar Robert Guediguian (Marius y Jeanette) reflexiona sobre la lucha de clases en la actual crisis. Su diagnóstico, sin ser novedoso ni demoledor, incide en la habilidad de los poderosos para aislarse e impermeabilizarse de la gente modesta. Los despiden y consiguen además que se roben entre ellos, se ayuden entre ellos y encima tengan remordimientos. Afirmado en su Marsella portuaria y proletaria, y apoyado en unos personajes muy matizados, expone las fortalezas y debilidades del izquierdismo sin la militancia pontificante de Ken Loach o el ensimismamiento de Kaurismaki, con un puntillo de Eric Rohmer, un tono de charla de sobremesa que hacen más digerible y creíble la historia. Sólo chirría el paternalismo latente, con jóvenes demasiado egoístas y mayores hiper solidarios. La ambientación, durante el estío y con muchos exteriores, y los actores, encabezados por los perennes Ariane Ascaride y Gerard Meylan y el empático Jean Pierre Daroussian, aportan su propia naturalidad y oficio. Película modesta, con un afinadísimo equilibrio entre comedia, drama y denuncia de las injusticias del capitalismo.

Kafka en la cocina

Publicado en Diario de Mallorca el 25/4/12

ESTO NO ES UNA PELICULA

Nacionalidad: Irán, 75 min. Director: Jafar Panahi, Mohtaba Mirtahmasb. Actores: Jafar Panahi, Mohtaba Mirtahmasb

En contraste con Nader y Simin una separación, Esto no es una película muestra la otra cara del poder judicial en Irán. Una diferencia clave: Nader y Simin... trata un pleito civil, y transpira, de modo más o menos consciente, que ese tipo de justicia no está tan alejada de la occidental. Por eso ha pasado todos los filtros censores. 

El cineasta Jafar Panahi, sin embargo, intenta ofrecer una visión más crítica de su sociedad. No pretende hacer cine político; sólo resaltar el machismo y conservadurismo imperante. Presentó un guión a la censura, se lo rechazaron, insistió y esa cabezonería le ha costado una pena de veinte años de inhabilitación profesional y seis de cárcel. A la espera de la resolución de un recurso le impusieron arresto domiciliario. Por aburrimiento y desesperación llamó a un amigo documentalista y se pasaron un día grabando y reflexionando (“No puedo escribir guiones ni dirigir películas, pero nada dice de actuar y leer un guión a cámara”). La película no rodada trata de una adolescente a la que encierran en su casa para impedir que se matricule en la universidad, y que acaba enamorándose del policía que la custodia. Además de contarla sobre una alfombra Panahi juega con su iguana, da una mini lección de cine apoyado en películas anteriores y refleja la crudeza del paro juvenil cuando un vecino acude a recoger la basura. 

Eso es todo. Esto no es una película no es ni siquiera un documental. Sólo un documento, una radiografía casera, un minúsculo atisbo de la represión social y cultural bajo el régimen de los ayatolas. No es poco.

Fe y peces

Publicado en Diario de Mallorca el 24/4/12

LA PESCA DEL SALMÓN EN YEMEN

Nacionalidad: Reino Unido, 112 min. Director: Lasse Hälstrom. Actores: Ewan McGregor Emily Blunt, Kristin Scott Thomas

Adaptando la novela de Paul Torday, La pesca del salmón en Yemen narra una levemente verosímil historia de un histrionismo árabe: un jeque yemení se encapricha con pescar salmón en un río de su árido territorio. Lo que es a todas luces una onerosa quijotada acaba avanzando y complicándose con cómicos enredos políticos, una doble trama de amor, un mínimo suspense terrorista, el dramita de un soldado perdido en Afganistán; y rematado con un leve mensaje ecologista e incitación a desarrollar la vocación auténtica de cada uno.

El cóctel argumental tiene demasiadas concesiones comerciales y da pistas igual de nítidas sobre la resolución argumental. En manos de un guionista, un cineasta mediocre y unos actores acomodados supondría un bostezo de hora y media. Sin embargo el  reparto artístico y tecnico logran dar vuelo suficiente a la historia, gente sobre todo de demostrada sensibilidad: el guionista Simon Beaufoy (Full monty, Slumdog Millionaire) el director sueco Lasse Halstrom (¿A quien ama Gilber Grape? Chocolat) y los actores Ewan Mcgregor (Trainspotting, El escritor, Beginners), Emily Blunt (La reina Victoria) o Kristin Scott-Thomas (El paciente inglés, La llave de Sarah). El arranque de la película es muy divertido, con un bien resuelto carteo cibernético (recuerda al libro El corazón de Voltaire); la trama amorosa principal avanza con guante de seda, reforzada con la indudable química entre McGregor y Blunt; el jeque aguanta el tipo; el soldadito británico y los facciosos árabes sobran. Película con clara vocación de entrtenimiento que supera la blandura de, por ejemplo, Come, reza ama por la finura del guión y la fe del director y actores.

Tiene talento el enano

Publicado en Diario de Mallorca el 16/4/12

DE NICOLÁS A SARKOZY

Nacionalidad: Francia, 105 min. Director: Xavier Durringer. Actores: Denys Podalydés, Florence Pernel, Bernard Le Coq, Samuel Labarthe
Calificación: ****

Tras el taquillero biopic sobre Maggie Thatcher, llega uno sobre el actual presidente galo. Si La dama de hierro es acrítica y su protagonista unidimensional, en De Nicolas a Sarkozy el cineasta Xavier Durringuer y el guionista Patrick Rotman buscan, desde una posición claramente crítica, mostrar toda la complejidad personal, psicológica, del dirigente. 

El tono de la película es de comedia tirando a parodia. No llegan a caer en el esquematismo de Los muñecos del guiñol, pero recurren a la acidez tipo Polònia, sin máscaras de goma y con unos diálogos mucho más afilados. El titular de esta crónica sale de una conversación entre Chirac y su mujer. Otra posterior “Este mequetrefe quiere robarme la silla” “Pues habrá que felicitarle”; y una de Sarko: “La política es un trabajo de necios hecho por gente inteligente”. El retrato es (en apariencia) muy plausible: un hombre sin ideología, sin principios, sin escrúpulos, exigente e impaciente. Pero que a la vez va de frente, sin el elitismo y los maquiavelismos de sus archienemigos Villepin y Chirac, resolutivo, incansable y leal con los suyos. Paradoja involuntaria, Denys Podaydés se asemeja menos al presi real, pero su personaje es más creíble; a los sosias de su mujer Cecilia, Villepin o Chirac les ocurre a la inversa; no aparece (pena) la Bruni. El ritmo de la película es como el de su protagonista, con tendencia al exceso de verborrea; la música acentúa la asociación de política con comedia bufa, con puntuales excesos de énfasis. De Nikolas a Sarkozy se puede resumir parafraseando a un terrateniente brasileño: además de verdadera, es divertida.

Persiguiendo sombras

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 12/4/12


Estrenos inminentes cine de terror

Para las próximas semanas se anuncian varios estrenos en el género maléfico, tanto en su versión seria como cómica. 

La maldición de Roockford es la última visita al salón de las casas encantadas. Es un sub (sin connotaciones negativas) género muy recurrente. El orfanato en España o las entregas de Paranormal activity confirman su vigencia y tirón. The awakening (título oríginal) es el debut de Nick Murphy tras la cámara. Frente a ella dos atractivos rostros: Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona, The town) y Dominic West (para los sibaritas televisivos es el testarudo y concienciado sargento McNulty de The Wire). El guión no se sale del ídem del género pero se alaba su ambientación (en la campiña inglesa poco después de la I Guerra Mundial) y la evocadora fotografía de Eduard Grau (Buried, Un hombre soltero)

La alternativa cómica es Sombras tenebrosas, adaptación actualizada de la comedia televisiva Sombras en la oscuridad (en los países anglosajones mantienen el mismo título, Dark shadows). Rebobinemos. En 1966 se emitió el primer capítulo de la serie televisiva, creada por Dan Curtis y protagonizada por  Jonathan Frid (como Barnabás Collins), Grayson Hall (como la doctora Collins) y Nancy Barrett (como Carolyn Stoddard). Se planteó como una telecomedia de emisión diaria. A diferencia de las semanales, con ensayos previos y emisión con público directo, las series diarias han implicado un proceso vertiginoso de rodaje, sin apenas margen para segundas tomas o corregir fallos de producción, lo cual se convirtió en uno de sus mayores encantos. La serie mantuvo el tirón durante un lustro, alcanzando los 1225 capítulos. Lo increíble es que se guardaron copias de todos excepto uno. Recientemente se editó un cofre para coleccionistas con todos los episodios y un diaporama del capítulo fantasma y se agotó inmediatamente. 

El remake inminente está dirigido por, adivina adivinanza, Tim Burton. Y protagonizado por, adivina adivinanza bis, Johny Depp, Helena Bonham-Carter y Cristopher Lee. El trio comienza a convertirse en sociedad ilimitada. Es la octava vez que Depp se pone en manos de de Burton (la primera fue con los afilados juegos malabares de Eduardo Manostijeras). La actriz inglesa comparte siete películas, una casa y un hijo con el cineasta. Lee cumple noventa años justo el mes del estreno; el actor que más veces ha encarnado al Conde Drácula (incluso una dirigida por Jesús/Jess Franco) es una inspiración y talismán para el extravagante cineasta. Habrá que ver qué faceta muestra Burton, si se limita a piruetas decorativas (Alicia en el país de las maravillas), si busca la experimentación inclasificable (Mars Attack!, Big fish) o si regresa a sus añorados orígenes (Eduardo Manostijeras, Bitelchus). 

Otro remake/adaptación a punto de estrenarse es The Raven. Adapta el cásico relato El cuervo de Edgar Allan Poe. John Cusack interpreta al atribulado escritor envuelto en una trama de asesinatos en serie a finales del siglo XIX. Poco puede hacer el actor a las órdenes de James McTeigue, curtido como cámara en Matrix y posterior director de V de vendetta y Ninja Assasin.

Sueños, sensaciones

Publicado en Diario de Mallorca el 11/4/12

TAKE SHELTER

Nacionalidad: Estados Unidos, 120 min. Director: Jeff Nichols. Actores: Michael Shannon, Jessica Chastain, Shea Wigham

En un pueblo de las planicies centrales de Estados Unidos, zona propensa a los tornados, un hombre corriente (Michael Shannon), religioso, casado y con una hija autista, comienza a tener pesadillas relacionadas con fenómenos tormentosos. 

El arranque de Take shelter es a paso de caracol, más propio de cine clásico ruso o checoslovaco que norteamericano. Acción mínima, tics de cine de autor como planos frontales del introvertido y hierático protagonista, insertos de follaje arbóreo mecido por el viento, misterio, díalogos plagados de silencios y sobreentendidos. Poco a poco va despegando la acción interior, mientras se acelera (es un decir) la inmersión del hombre en sus fantasmas interiores. La metáfora argumental, el refugio del título, juega con el sótano para protegerse de tormentas y al mismo tiempo para refugiarse de sí mismo. Su degeneración psicológica es lineal pero no monocorde; el hombre no desconecta del todo la realidad, no niega del todo su problema. Pero se debate, como muchos de nosotros, entre la escurridiza razón y el creciente instinto, los sueños, las sensaciones como éxplica él. Aunque los personajes del filme son simples, son coherentes y tienen suficientes matices. Así se entiende la pasividad inicial de su mujer (Jessica Chastain, El arbol de la vida). La dirección y el ritmo de Jeff Nichols son uniformes; las interpretaciones son contenidas y ricas al mismo tiempo. Shannon (Revolutionary Road) borda un dificilísimo papel. Chastain se reserva para el desenlace, apoyada en un guión que mantiene su integridad hasta el final.

Take shelter es una película muy lenta, que exige paciencia de cinéfilo militante. A cambio, ofrece un cercano, verosímil, intenso drama psicológico.

Los hombres de Mario

Publicado en Diario de Mallorca el 9/4/12

GRUPO 7

Nacionalidad: España, 93 min. Director: Alberto Rodríguez. Actores: Mario Casas, Antonio Latorre, Inma Cuesta.

La Expo 92 y las Olimpiadas pusieron a España en el centro del mundo. Un lustro antes, como ocurre ahora en Brasil, hubo que limpiar bajo las alfombras. El director Alberto Rodríguez conoce el tema (7 vírgenes)  y cuenta la las vidas de un grupo policial encargado de erradicar, o al menos minimizar, el trapicheo de drogas en los barrios más pobres de Sevilla. Para cumplir el objetivo interpretaron la ley a su manera. La ambientación del filme, con muchas localizaciones reales y un ligerísimo virado de color, está muy lograda. Los diálogos son muy creíbles y en algunos momentos brillantes (“Una papelina, un yonqui; un yonqui, un informante.”) Los personajes funcionan muy bien como grupo, pero por separado abusan de los convencionalismos del género: el joven y ambicioso policía; el veterano que intenta redimirse con una joven, el simpático o el cuarto en discordia. En el reparto, Antonio Latorre mantiene su estatus de excelso secundario; Mario Casas muestra que hay talento detrás de su alabada apostura.

Como película policíaca, Grupo 7 mantiene la buena racha del cine español en este género. Dicho esto, y felicitando al director por su firme pulso, afinadísimos díalogos y eficaz dirección de actores, se echan de menos unas gotas adicionales de ambición y profundidad. Se evidencia dónde han bebido el director y el guionista, la Ley 627 de Tavernier o la brasileña Tropa de élite; falta el puntillo de locura de No habrá paz para los muertos; y no se atreven ni siquiera a rozar la dimensión social del problema, como Traffic, Gomorra o la serie The Wire. Recomendable a pesar de sus limitaciones.

Felices años 60

Publicado en el suplemento Bellver de Diario de Mallorca el 5/4/12

TRES ANIVERSARIOS

Se tiende a recordar los años 60 como una década luminosa: Los babyboomers americanos de la posguerra comenzaban a madurar, a pensar y a soñar con cambiar el mundo. La euforia de esa nueva generación culminó en el flower power y el mayo del 68. Sin embargo en 1962 (hace medio siglo justo) se publicaron dos novelas que mostraban que el mundo no era tan rijoso como se pretendía creer. Esas novelas dieron pie, casi una década después, a dos obras maestras, y opuestas, de la historia del cine.

La naranja mecánica. La novela de Anthony Burguess nació como un exabrupto. En la guerra su mujer fue violada por unos soldados americanos. En 1962 necesitaba dinero, un editor le propuso que escribiera algo juvenil y provocador y el británico parió la obra en menos de tres semanas. Cuando Kubrick la llevó al cine la novela se vendió como rosquillas. Tanto que vampirizó el resto de la obra de Burguess, lo cual le produjo no poca amargura.  A Kubrick le llegó (aunque parezca inverosímil) de rebote. El primer detentor de los derechos fue Mick Jagger. No acabó de verse como líder de unos sicópatas  sociópatas y los revendió con su conocida astucia. A Kubrick le llegó tras descartar una recreación de la batalla de Waterloo, y vino recomendada por Terry Southern (escritor psicodélico y guionista de Teléfono Rojo...). Una vez en marcha se repitieron las dosis de genialidad, tiranía y luminosas improvisaciones (el 'Singing in the rain' por parte de McDowell) marca de del reputado y endiosado cineasta.

Alguien voló sobre el nido del cuco. Como ocurre con La naranja mecánica, el título está ligado de por vida, como un tatuaje a fuego, en las frentes de Ken Kesey (autor), Milos Forman (director) y Jack Nicholson (intérprete). Como la obra anterior, la historia nació de una experiencia autobiográfica, el trabajo anterior de Kesey como celador en un centro psiquiátrico. Al novelista, como a Burguess, le quedó un sabor agridulce por la adaptación. Se orilló la narración en primera persona del Jefe Bromden, el paciente indio; personaje que no pudo resistir el protagonismo, y la inconmensurable interpretación de Jack Nicholson. 

La historia, como la de los descerebrados ingleses, recuerda que los brotes verdes de esos años 60 tenían unas raíces podridas. Violencias latentes porque el sistema, el poder, mantenía su mano de hierro. Como las películas no vieron la luz hasta una década después, se las asocia con los 70. Es lo mismo, nada cambió; 

poco ha cambiado desde entonces. 

De los años 70 también se cumple un sonado aniversario. Tal fecha como hoy de hace cuarenta años se estrenó la primera parte de El Padrino. Otra santísima trinidad para la oración: Mario Puzo (novelista y guionista) Francis Coppola (director) y Marlon Brando (actor), a los que se puede sumar la música de Nino Rota. Una vez más se acumulan los adjetivos, las anécdotas, las reflexiones. La historia tiene más hechura de best seller, menos provocación, menos trasfondo social, porque las mafias italoamericanas eran ya un tema recurrente. Pero no es un best seller porque sus tramas y personajes vuelan muchísimo más alto que en ese género. Y porque Puzo y Coppola abren, con temple de curtidos cirujanos, las entrañas de una sociedad con escurridiza gangrena. Lo increíble, lo notable, es lograr que los espectadores nos quedemos no horrorizados sino fascinados ante la exposición de esa necrosis social.

¡Atrapa a esa semilla!

Publicado en Diario de Mallorca el 4/4/12

LORAX

Nacionalidad: Estados Unidos, 86 min. Director: Chris Renaud. Actores: (Animación)

Como oferta infantil para las fiestas, una parábola ecologista. Lorax es una adaptación del libro del Dr. Seuss, apodo de Theodore Seuss Geigel, conocido ya en la gran pantalla por Norton o El Grinch. El original de Lorax tiene 45 páginas y va destinado al segmento más infantil (menos de 3 años). El argumento tiene un recorrido muy justito. Un preadolescente vive en una ciudad completamente moderna y aislada de la naturaleza (en la que venden hasta aire embotellado); por un reto amoroso sale en busca del único hombre que puede ayudarle a encontrar un árbol auténtico. Resulta ser un ermitaño que le cuenta la historia del Lorax, un bigotudo elfo guardián de la naturaleza.

El director Chris Renaud (Gru, mi villano favorito) se automutila premeditadamente. Se mantiene la vigencia del planteamiento; no sólo no es reiterativo sino que hay se que seguir intentando inculcar a los peques el respeto por el resto de seres vivos. Sin embargo la película se doblega demasiado a las convenciones del público mayoritario: el chico hiperactivo y algo patoso enamorado de una guapa e inalcanzable amiga, las persecuciones pensadas para el videojuego con su monociclo motorizado, el empresario codicioso... La realización, aunque de  buena factura, también cede a las texturas y los rasgos (faciales, animales) más estandarizados. Sólo en momentos puntuales (la cama en el río) despega ligeramente el filme. Lorax entretendrá a los niños, por supuesto; y su mensaje pro naturalista siempre es bienvenido. Los mayores, sin embargo, percibirán que Dr. Seuss no es Roald Dahl (Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate) y la excesiva artificiosidad del producto.

Panteras grises

Publicado en Diario de Mallorca el 3/4/12

TRES VECES 20 AÑOS

Nacionalidad: Francia, 97 min. Director: Julie Gavras. Actores: William Hurt, Isabella Rosellini, Doreen Mantle

Una de las escasas consecuencias positivas de la crisis mundial es que ni se ensalza de forma exagerada a la juventud ni se arrincona a la tercera edad. Los ciclos económicos se alternan; los vitales se mantienen de generación a generación, cada una con sus obstáculos. Tres veces 20 años pone su granito de arena en recordar que la gente mayor existe, disfruta y sufre en proporciones similares al resto de tramos demográficos. Tema tratado con mucho causticismo en Gianni y sus mujeres (Gianni di Gregorio) o de forma más solemne en Elegy (Isabel Coixet, adaptando una novela de Philip Roth) y que se resume en la frase lapidaria de Mae West: “La vejez no es para cobardes”. 

El dicho se puede parafrasear y aplicarlo a la hija de Costa Gavras. Arrancó con fuerza en La faute a Fidel! (no estrenada en España) y se desinfla en ésta. Hay muchas indefiniciones, la pareja de sesentones vive en un Londres que apenas se ve. Los dos sufren sus respectivas crisis de forma demasiado sincronizada, y reaccionan de forma casi idéntica, sin contraste, sin apenas discusiones. Se salta de sobreentendidos supuestamente sutiles a subrayados reiterativos, de texto o con la musiquita que intenta insuflar la vidilla y ánimo que el libreto o el ritmo del filme no son capaces de transmitir por sí solos. La previsibilidad del guión y las arritmias en la dirección se compensan en parte por el gran trabajo de los actores principales, Hurt, Rosellini y Mantle, sobre todo las dos mujeres. Los jóvenes (actores) muestran que tienen mucho que aprender.